Как красиво написать ноту - Правописание и грамматика

Download Article

Learning to write sheet music is a valuable skill if you want to transpose the beautiful complexity of the music you’re hearing in your head, or working out on an instrument, and give it to other people to play. Fortunately, computer technology allows us to much more easily generate sheet music, transposing sound directly onto the staff. If you want to learn to do it the old-fashioned way, though, you can start with the basics and develop more complex compositions. See Step 1 for more information.

1
Download and print some free notation paper. Sheet music is written on lined notation paper, featuring blank staves on which you can print notes, rests, dynamic markers, and other notes to guide the instrumentalists as they play.
- If you want to write sheet music free-hand, the old fashioned way of Mozart and Beethoven, don’t worry about drawing your staves on a blank piece of paper with a ruler. Instead, find some free blank staff paper online that you can print out quickly to start filling in with your compositions. If you are really serious though, it would be a better idea to go to a music store and get staff paper there. Its not free like online but your work will look more professional.
- On many sites, you can even pre-set the key and add the clef markers without having to fill them in yourself. Configure the staves like you want them, download the files, and print them out from your computer.
- Print out plenty of sheets to practice on and start your compositions in pencil. It can be a messy business trying to get your complicated ideas out on paper, so it helps to be able to erase and make little changes without having to recopy the whole thing.
2
Download music composition software. If you want to compose on your computer, you can use software to drag and drop notes, make quick changes and revisions, providing you with easy access and quick saves. Composing on the computer is increasingly popular among contemporary composers, saving you time and effort in writing music.
- MuseScore is a popular software, easy-to-use and compatible with either freestyle composition or MIDI inputs. You can record directly onto the staves or work by building your piece up note-by-note. Most composition software also features MIDI playback, so you can hear what you’ve just written in digital version.
- GarageBand also comes standard on most new Macs, and can be used to write sheet music by selecting a «Songwriting» project. You can record live sounds or input an instrument directly to transcribe into musical notation, then click on the Scissor icon in the bottom left corner to check out the notes.
- Noteflight is a good online site to use if you don’t want to spend a lot of money on software as your first ten scores are free when you make an account.
- Download the software and start a new project to start saving your work. If you input a MIDI keyboard into the computer with a USB cable, you’ll be able to play your melody directly onto the keyboard and the software will chart your music on the staff. It’s as easy as it gets. You can even layer parts, assigning them to different instruments, to get started on that symphony.
Advertisement
3
Sign up for a free online composition resource. Online communities of composers and sheet-music readers also exist to compose and congregate over their music. Much like using composition software, you can compose your tune right online and save your work, then make it public and get feedback from other composers, or leave it private and access your composition from anywhere.
- Noteflight is one such free community, and an excellent resource both for learning to read music, writing music, exploring other peoples’ compositions, and posting your compositions.
4
Select an instrument or a group of instruments for which to compose. Want to chart out some horn lines for an R&B song, or write up a string part to back your ballad? It’s most common to work on one phrase or instrument at a time, then worrying about harmony and counterpoint later when you’ve got the first part knocked out. Common charting projects might include:
- Horn section parts for trumpet (in Bb), saxophone (in Eb), and trombone (in Bb).
- String quartet for two violins, viola, and cello
- Piano charts for accompaniment
- vocal sheets

1
Write the clef on the staff. A page of sheet music is made up of notes and rests printed on five parallel lines and the spaces in between them, which is called the staff. The lines and spaces are counted from the bottom to the top, meaning the higher-pitched notes will be higher up on the staff. The staff can be in either bass or treble clef, which will be marked at the left-most point on each line of the staff. The clef marker will tell you which line corresponds to which set of notes:
- In the treble clef, also known as «G clef,» you’ll notice a sign a bit like the ampersand (&), printed on the left side of each staff. This is the most common clef for sheet music. Guitar, trumpet, saxophone and most higher-register instruments will be printed on treble clef. The notes, starting on the bottom line and going to the top line, are E, G, B, D, and F. The notes in the spaces between the lines, starting with the space between the first and second, are F, A, C, and E.
- In the bass clef you’ll notice a sign that looks a bit like a curved number «7» to the left of each line of the staff. The bass clef is used for instruments in the lower register, like trombone, bass guitar, and tuba. Starting with the bottom, or first line, the notes ascend G, B, D, F, and A. In the spaces are A, C, E, and G, from the bottom to the top.
- The tenor clef is used for choral works. It looks like the treble clef but with a little number 8 under it. It reads just like the treble clef but sounds an octave lower.
2
Write the time signature. The time signatures reforest to the number of notes and beats in each measure on the staff. On the staff, measures will be separated by periodic vertical lines, separating the staff into little chunks of notes. Just to the right of the clef will be two numbers, one over the other, like a fraction. The top number represents the number of beats in each measure on the staff, while the bottom number represents the value of each beat in the measure.
- In western music, the most common time signature is 4/4 time, which means there are four beats in each measure, and one quarter-note is worth one beat. You may also see a capital C in place of 4/4. They are the same thing, the «C» is for «common time.» 6/8 time, another often used time signature, means that there are 6 beats in each measure and the 8th note gets the beat.
3
Set the key signature. More information to be included at the left of each line of the staff includes any sharps (#) or flats (b) that will designate the key signature you’ll follow throughout the music. A sharp takes a note up half a step, while a flat lowers it half a step. The symbols can appear incidentally throughout the piece for occasional uses, or can appear at the beginning of the piece to follow through the remainder of the song.
- If, for instance, you see a sharp in the first space in the treble clef, you’ll know that each note that appears in that space will need to be played one half-step higher. Likewise, with flats.
4
Learn the different kinds of notes you’ll use. On the staff will be printed many different types of notes and rests. The style of note refers to the length of the note, and the placement of the note on the staff refers to the pitch of the note. Notes are made of heads, which are either dots or circles, and stems, which trail off from the head of the note, either up or down on the staff, depending on the placement of the note.
- Whole notes look like ovals, and are held out for 4 quarter notes.
- Half notes look like whole notes, but with a straight stem. They’re held for half the length of a whole note. In 4/4 time, there would be 2 half-notes per measure.
- Quarter notes have solid black heads and straight stems. In 4/4 time, there are 4 quarter notes in a measure.
- Eighth notes look like quarter notes with little flags on the end of the stem. In most cases, eighth notes will be grouped together for each beat, with bars connecting the notes to signify the beat and make the music easier to read.
- Rests follow similar rules. Each whole rest looks like a black bar on the middle line of the staff, while quarter-note rests look a bit like a letter «K» in italics, building stems and flags as they break down into further divisions per beat.
- A dotted note or rest means that you add half of the value of the note. For example, a dotted half note would be 3 beats and a dotted quarter would be 1 1/2.
5
Spend time learning from other scores. Western musical notation is a fairly complex symbolic language that you need to understand to read first if you hope to write it. Just as you couldn’t hope to write a novel without understanding to read words and sentences, you can’t write sheet music if you can’t read notes and rests. Before you try to write down sheet music, develop a working knowledge of:
- different notes and rests
- the lines and spaces on the sheet
- rhythm markers
- dynamic markers
- key signatures
6
Choose your composition instrument. Some composers compose with their pencil and paper, some compose with a guitar or a piano, and some compose with a french horn in hand. There’s no right way to start writing sheet music, but it’s helpful to be able to play yourself to practice out little phrases you’re working on and hear how they sound.
- Plunking out some notes on the piano is especially useful for composers to know, since the piano is the most visual instrument—all the notes are right there, laid out before you.

1
Start with the melody. Most composition begins with the melody, or the lead musical phrase that will follow and develop throughout the composition. This is the «hummable» part of any song. Whether you’re writing out solo charts for a single instrument or starting your first symphony, the melody is the place you’ll start when you’re writing sheet music. Standard melodies normally last 4 or 8 measures. This is because they are the most mathematical and pleasing to the ear, as they are somewhat easy to predict how they will end.
- As you start composing, embrace happy accidents when they occur. No pieces arrive fully formed and perfect. If you’re looking for a new place to go with a melody, jam around on the piano or whatever composing instrument you favor and follow the muse where she leads you.
- If you’re feeling especially experimental, explore the world of aleatoric composition. Pioneered by composition luminaries like John Cage, aleatoric compositions introduce an element of chance into the writing process, rolling dice to determine the next note on a 12-tone scale, or consulting the iChing to generate notes. These compositions will sound dissonant, in most cases, and is not always the best way to start or end a melody. It can however give your piece a unique feel that makes it stand out.
2
Write in phrases, then chain your phrases together to make the music speak. Once you start with the melody, how do you move the music forward? Where should it go? How does a group of notes become a composition? While there’s no easy answer to cracking the Mozart code, it’s good to start with small fragments called phrases and gradually build them up into full musical statements. No piece arrives fully formed.
- Try grouping phrases together in terms of the emotions they evoke. Guitar composer John Fahey, a self-taught instrumentalist and composer, wrote by combining small fragments by «emotion.» Even if they didn’t necessarily come from the same key or sound like they belonged together, if different phrases felt whimsical, or forlorn, or wistful, he would combine them together to form a song.
3

Background the melody with harmonic accompaniment. If you’re writing for a chorded instrument—an instrument capable of playing more than one note simultaneously—or you’re writing for more than one instrument, you’ll also need to compose a harmonic background to give context and depth to your melody. Harmony is a way of moving a melody forward, providing an opportunity for tension and resolution. But don’t underestimate they value of just melody. Many times when people start out composing, their melodies have too may chords in them and it is hard to pick out exactly where the melody is.^[1]
4
Punctuate the music with dynamic contrasts. Good compositions should swell and subside, should punctuate moments of extreme emotion and melodic peaks with louder dynamics.
- You can signify dynamic changes in the sheet music with Italian words that signify basic descriptions of loud and soft. «Piano» means that you should play softly, and is usually written below the staff when the music should be played quietly. «Forte» means loud, and is written in the same way. Note the original name of the Piano, the Piano forté; this may help you in remembering that one of the exceptional features of the instrument is it’s ability to be a percussion instrument (That also utilizes strings) that can both increase and diminish in sound. If you’re not intending a great amount of dynamic contrast in your piece, or don’t want to worry about this yet, or you prefer to focus on tonality and rhythm while learning to write, you may consider it’s older relatives, the pipe organ and the harpsichord, which have different strengths and will help your fluency on piano.
- Gradations can be suggested by drawing an elongated «<» or «>» sign under the staff, where the music should either crescendo (get louder) or diminish your sound, depending.
5
Don’t over-complicate your music from need to impress people. The expression process through music is already pretty complicated for most, and there’s no need to throw extra dross on that. Depending on your ambitions for your piece, you may want to have multiple parts and polyrhythmic structure, or you may want to have a simple piano melody unaccompanied. Don’t be afraid of starting small and refining your work, or leaving a melody undeveloped. Some of the most iconic and memorable lines are the most effective and the most elegant.^[2]
- If you want a reference point from the past century, Erik Satie’s «Gymnopedies» provide a classic example of «less-is-more» music writing, and he was considered by many musicologists to be one of the first to write minimalist music.^[3] Minimalism in music is a relatively recent trend, as it wasn’t popular till after Satie’s death, though it has gained considerably popularity today, and is often characterized by techniques such as: Use of a single rhythm or tone structure throughout a piece, primitive melody structure, use of only one or two scales or modes in the context of an entire piece, and exploration of a single theme using a minimal frame: notable examples of minimalism in the last fifty years include works by George Crumb, Phillip Glass, Steve Reich, John Cage & Terry Riley, with an incredible volume of music including such works as minimalist opera and other vocal music (Einstein on the Beach, and Tehillim, for example) Satie’s first Gymnopédia was used countless times in ads and film, but there remains something beautiful and moving in it’s melancholy melody, though it only uses whole notes and a tonal note structure, not straying from diatonicism for most of the piece.
- Study Mozart’s variations on «Twinkle, Twinkle, Little Star» for an example of turning maybe the most universal of children’s melodies into a complex exercise in variation and adornment.^[4] It exemplifies the Theme & Variation form, which is one of the most popular and straightforward forms one can write in. Other accessible examples of this form include: Beethoven’s «Diabelli Variations», which were a response to a composition his publisher submitted, Michel Rondeau’s variations on «Pop Goes the Weasel» and the Enigma variations by Edward Elgar.

Add New Question

Question

Is it a good idea to keep replaying your tune as you compose?

Yes, doing so allows you to notice parts you might want to change. It will also help you remember your tune as you continue writing.
Question

What is the best way to come up with a harmony?

Think of each note in the chord as it’s own voice, and know that each voice has to go somewhere. That way, the chords stay interesting. Think of the C major triad (CEG). The tonic voice can stay C, but you can change the other two notes to make maybe a sus4 chord (CFG) or a 7th chord (CGB). Have a general idea of where you want your notes to go, and put chords between that sound nice.
Question

Does 8va always mean to play one octave higher than written or can it sometimes mean to play one octave lower when placed below the bass staff?

Yes, 8va means play it one octave higher when the music is at the top of the staff (I’m going to assume we’re in treble here). It’s only there so that no one has to read a ton of ledger lines. However, when the music goes too low, it can also mean raise it up an octave (usually used in bass clef). So — yes and yes.

See more answers

Ask a Question

200 characters left

Include your email address to get a message when this question is answered.

Submit

Video

Have fun, and experiment with all the different possibilities.
It’s okay to find inspiration from other people’s music but don’t try to copy someone.
Don’t be afraid to scrap your first couple of ideas. Don’t get too attached to certain phrases. If its not working out, its not working out. Maybe you can use those phrases in another song.

Show More Tips

Thanks for submitting a tip for review!

Make sure you use pencil at first. Composing is a messy business.
Your notation may not be understood by anyone else unless you tell people how your music must be played.

References

About This Article

Article SummaryX

To write sheet music, start by downloading or printing some notation paper or opening a new project in a composition software, like MuseScore or GarageBand, on your computer. Next, add the clef to the first staff on the page to indicate the pitch of the notes. Then, add a time signature to designate the beat and a key signature if you want any notes to be played a half step higher or lower. Once your staff is prepared, you can add whole notes, half notes, and music to the lines to create a melody, then go back and add in a harmony to accompany it. For advice on how to find inspiration for your own musical composition, read on!

Did this summary help you?

Thanks to all authors for creating a page that has been read 366,499 times.

Reader Success Stories

«This answered several questions I had, thanks! A melody sprung into my head a little over a week ago (it’s exactly…» more

Did this article help you?

Источник

Download Article

1
Download and print some free notation paper. Sheet music is written on lined notation paper, featuring blank staves on which you can print notes, rests, dynamic markers, and other notes to guide the instrumentalists as they play.
- If you want to write sheet music free-hand, the old fashioned way of Mozart and Beethoven, don’t worry about drawing your staves on a blank piece of paper with a ruler. Instead, find some free blank staff paper online that you can print out quickly to start filling in with your compositions. If you are really serious though, it would be a better idea to go to a music store and get staff paper there. Its not free like online but your work will look more professional.
- On many sites, you can even pre-set the key and add the clef markers without having to fill them in yourself. Configure the staves like you want them, download the files, and print them out from your computer.
- Print out plenty of sheets to practice on and start your compositions in pencil. It can be a messy business trying to get your complicated ideas out on paper, so it helps to be able to erase and make little changes without having to recopy the whole thing.
2
Download music composition software. If you want to compose on your computer, you can use software to drag and drop notes, make quick changes and revisions, providing you with easy access and quick saves. Composing on the computer is increasingly popular among contemporary composers, saving you time and effort in writing music.
- MuseScore is a popular software, easy-to-use and compatible with either freestyle composition or MIDI inputs. You can record directly onto the staves or work by building your piece up note-by-note. Most composition software also features MIDI playback, so you can hear what you’ve just written in digital version.
- GarageBand also comes standard on most new Macs, and can be used to write sheet music by selecting a «Songwriting» project. You can record live sounds or input an instrument directly to transcribe into musical notation, then click on the Scissor icon in the bottom left corner to check out the notes.
- Noteflight is a good online site to use if you don’t want to spend a lot of money on software as your first ten scores are free when you make an account.
- Download the software and start a new project to start saving your work. If you input a MIDI keyboard into the computer with a USB cable, you’ll be able to play your melody directly onto the keyboard and the software will chart your music on the staff. It’s as easy as it gets. You can even layer parts, assigning them to different instruments, to get started on that symphony.
Advertisement
3
Sign up for a free online composition resource. Online communities of composers and sheet-music readers also exist to compose and congregate over their music. Much like using composition software, you can compose your tune right online and save your work, then make it public and get feedback from other composers, or leave it private and access your composition from anywhere.
- Noteflight is one such free community, and an excellent resource both for learning to read music, writing music, exploring other peoples’ compositions, and posting your compositions.
4
Select an instrument or a group of instruments for which to compose. Want to chart out some horn lines for an R&B song, or write up a string part to back your ballad? It’s most common to work on one phrase or instrument at a time, then worrying about harmony and counterpoint later when you’ve got the first part knocked out. Common charting projects might include:
- Horn section parts for trumpet (in Bb), saxophone (in Eb), and trombone (in Bb).
- String quartet for two violins, viola, and cello
- Piano charts for accompaniment
- vocal sheets

1
Write the clef on the staff. A page of sheet music is made up of notes and rests printed on five parallel lines and the spaces in between them, which is called the staff. The lines and spaces are counted from the bottom to the top, meaning the higher-pitched notes will be higher up on the staff. The staff can be in either bass or treble clef, which will be marked at the left-most point on each line of the staff. The clef marker will tell you which line corresponds to which set of notes:
- In the treble clef, also known as «G clef,» you’ll notice a sign a bit like the ampersand (&), printed on the left side of each staff. This is the most common clef for sheet music. Guitar, trumpet, saxophone and most higher-register instruments will be printed on treble clef. The notes, starting on the bottom line and going to the top line, are E, G, B, D, and F. The notes in the spaces between the lines, starting with the space between the first and second, are F, A, C, and E.
- In the bass clef you’ll notice a sign that looks a bit like a curved number «7» to the left of each line of the staff. The bass clef is used for instruments in the lower register, like trombone, bass guitar, and tuba. Starting with the bottom, or first line, the notes ascend G, B, D, F, and A. In the spaces are A, C, E, and G, from the bottom to the top.
- The tenor clef is used for choral works. It looks like the treble clef but with a little number 8 under it. It reads just like the treble clef but sounds an octave lower.
2
Write the time signature. The time signatures reforest to the number of notes and beats in each measure on the staff. On the staff, measures will be separated by periodic vertical lines, separating the staff into little chunks of notes. Just to the right of the clef will be two numbers, one over the other, like a fraction. The top number represents the number of beats in each measure on the staff, while the bottom number represents the value of each beat in the measure.
- In western music, the most common time signature is 4/4 time, which means there are four beats in each measure, and one quarter-note is worth one beat. You may also see a capital C in place of 4/4. They are the same thing, the «C» is for «common time.» 6/8 time, another often used time signature, means that there are 6 beats in each measure and the 8th note gets the beat.
3
Set the key signature. More information to be included at the left of each line of the staff includes any sharps (#) or flats (b) that will designate the key signature you’ll follow throughout the music. A sharp takes a note up half a step, while a flat lowers it half a step. The symbols can appear incidentally throughout the piece for occasional uses, or can appear at the beginning of the piece to follow through the remainder of the song.
- If, for instance, you see a sharp in the first space in the treble clef, you’ll know that each note that appears in that space will need to be played one half-step higher. Likewise, with flats.
4
Learn the different kinds of notes you’ll use. On the staff will be printed many different types of notes and rests. The style of note refers to the length of the note, and the placement of the note on the staff refers to the pitch of the note. Notes are made of heads, which are either dots or circles, and stems, which trail off from the head of the note, either up or down on the staff, depending on the placement of the note.
- Whole notes look like ovals, and are held out for 4 quarter notes.
- Half notes look like whole notes, but with a straight stem. They’re held for half the length of a whole note. In 4/4 time, there would be 2 half-notes per measure.
- Quarter notes have solid black heads and straight stems. In 4/4 time, there are 4 quarter notes in a measure.
- Eighth notes look like quarter notes with little flags on the end of the stem. In most cases, eighth notes will be grouped together for each beat, with bars connecting the notes to signify the beat and make the music easier to read.
- Rests follow similar rules. Each whole rest looks like a black bar on the middle line of the staff, while quarter-note rests look a bit like a letter «K» in italics, building stems and flags as they break down into further divisions per beat.
- A dotted note or rest means that you add half of the value of the note. For example, a dotted half note would be 3 beats and a dotted quarter would be 1 1/2.
5
Spend time learning from other scores. Western musical notation is a fairly complex symbolic language that you need to understand to read first if you hope to write it. Just as you couldn’t hope to write a novel without understanding to read words and sentences, you can’t write sheet music if you can’t read notes and rests. Before you try to write down sheet music, develop a working knowledge of:
- different notes and rests
- the lines and spaces on the sheet
- rhythm markers
- dynamic markers
- key signatures
6
Choose your composition instrument. Some composers compose with their pencil and paper, some compose with a guitar or a piano, and some compose with a french horn in hand. There’s no right way to start writing sheet music, but it’s helpful to be able to play yourself to practice out little phrases you’re working on and hear how they sound.
- Plunking out some notes on the piano is especially useful for composers to know, since the piano is the most visual instrument—all the notes are right there, laid out before you.

1
Start with the melody. Most composition begins with the melody, or the lead musical phrase that will follow and develop throughout the composition. This is the «hummable» part of any song. Whether you’re writing out solo charts for a single instrument or starting your first symphony, the melody is the place you’ll start when you’re writing sheet music. Standard melodies normally last 4 or 8 measures. This is because they are the most mathematical and pleasing to the ear, as they are somewhat easy to predict how they will end.
- As you start composing, embrace happy accidents when they occur. No pieces arrive fully formed and perfect. If you’re looking for a new place to go with a melody, jam around on the piano or whatever composing instrument you favor and follow the muse where she leads you.
- If you’re feeling especially experimental, explore the world of aleatoric composition. Pioneered by composition luminaries like John Cage, aleatoric compositions introduce an element of chance into the writing process, rolling dice to determine the next note on a 12-tone scale, or consulting the iChing to generate notes. These compositions will sound dissonant, in most cases, and is not always the best way to start or end a melody. It can however give your piece a unique feel that makes it stand out.
2
Write in phrases, then chain your phrases together to make the music speak. Once you start with the melody, how do you move the music forward? Where should it go? How does a group of notes become a composition? While there’s no easy answer to cracking the Mozart code, it’s good to start with small fragments called phrases and gradually build them up into full musical statements. No piece arrives fully formed.
- Try grouping phrases together in terms of the emotions they evoke. Guitar composer John Fahey, a self-taught instrumentalist and composer, wrote by combining small fragments by «emotion.» Even if they didn’t necessarily come from the same key or sound like they belonged together, if different phrases felt whimsical, or forlorn, or wistful, he would combine them together to form a song.
3

Background the melody with harmonic accompaniment. If you’re writing for a chorded instrument—an instrument capable of playing more than one note simultaneously—or you’re writing for more than one instrument, you’ll also need to compose a harmonic background to give context and depth to your melody. Harmony is a way of moving a melody forward, providing an opportunity for tension and resolution. But don’t underestimate they value of just melody. Many times when people start out composing, their melodies have too may chords in them and it is hard to pick out exactly where the melody is.^[1]
4
Punctuate the music with dynamic contrasts. Good compositions should swell and subside, should punctuate moments of extreme emotion and melodic peaks with louder dynamics.
- You can signify dynamic changes in the sheet music with Italian words that signify basic descriptions of loud and soft. «Piano» means that you should play softly, and is usually written below the staff when the music should be played quietly. «Forte» means loud, and is written in the same way. Note the original name of the Piano, the Piano forté; this may help you in remembering that one of the exceptional features of the instrument is it’s ability to be a percussion instrument (That also utilizes strings) that can both increase and diminish in sound. If you’re not intending a great amount of dynamic contrast in your piece, or don’t want to worry about this yet, or you prefer to focus on tonality and rhythm while learning to write, you may consider it’s older relatives, the pipe organ and the harpsichord, which have different strengths and will help your fluency on piano.
- Gradations can be suggested by drawing an elongated «<» or «>» sign under the staff, where the music should either crescendo (get louder) or diminish your sound, depending.
5
Don’t over-complicate your music from need to impress people. The expression process through music is already pretty complicated for most, and there’s no need to throw extra dross on that. Depending on your ambitions for your piece, you may want to have multiple parts and polyrhythmic structure, or you may want to have a simple piano melody unaccompanied. Don’t be afraid of starting small and refining your work, or leaving a melody undeveloped. Some of the most iconic and memorable lines are the most effective and the most elegant.^[2]
- If you want a reference point from the past century, Erik Satie’s «Gymnopedies» provide a classic example of «less-is-more» music writing, and he was considered by many musicologists to be one of the first to write minimalist music.^[3] Minimalism in music is a relatively recent trend, as it wasn’t popular till after Satie’s death, though it has gained considerably popularity today, and is often characterized by techniques such as: Use of a single rhythm or tone structure throughout a piece, primitive melody structure, use of only one or two scales or modes in the context of an entire piece, and exploration of a single theme using a minimal frame: notable examples of minimalism in the last fifty years include works by George Crumb, Phillip Glass, Steve Reich, John Cage & Terry Riley, with an incredible volume of music including such works as minimalist opera and other vocal music (Einstein on the Beach, and Tehillim, for example) Satie’s first Gymnopédia was used countless times in ads and film, but there remains something beautiful and moving in it’s melancholy melody, though it only uses whole notes and a tonal note structure, not straying from diatonicism for most of the piece.
- Study Mozart’s variations on «Twinkle, Twinkle, Little Star» for an example of turning maybe the most universal of children’s melodies into a complex exercise in variation and adornment.^[4] It exemplifies the Theme & Variation form, which is one of the most popular and straightforward forms one can write in. Other accessible examples of this form include: Beethoven’s «Diabelli Variations», which were a response to a composition his publisher submitted, Michel Rondeau’s variations on «Pop Goes the Weasel» and the Enigma variations by Edward Elgar.

Add New Question

Question

Is it a good idea to keep replaying your tune as you compose?

Yes, doing so allows you to notice parts you might want to change. It will also help you remember your tune as you continue writing.
Question

What is the best way to come up with a harmony?

Think of each note in the chord as it’s own voice, and know that each voice has to go somewhere. That way, the chords stay interesting. Think of the C major triad (CEG). The tonic voice can stay C, but you can change the other two notes to make maybe a sus4 chord (CFG) or a 7th chord (CGB). Have a general idea of where you want your notes to go, and put chords between that sound nice.
Question

Does 8va always mean to play one octave higher than written or can it sometimes mean to play one octave lower when placed below the bass staff?

Yes, 8va means play it one octave higher when the music is at the top of the staff (I’m going to assume we’re in treble here). It’s only there so that no one has to read a ton of ledger lines. However, when the music goes too low, it can also mean raise it up an octave (usually used in bass clef). So — yes and yes.

See more answers

Ask a Question

200 characters left

Include your email address to get a message when this question is answered.

Submit

Video

Have fun, and experiment with all the different possibilities.
It’s okay to find inspiration from other people’s music but don’t try to copy someone.
Don’t be afraid to scrap your first couple of ideas. Don’t get too attached to certain phrases. If its not working out, its not working out. Maybe you can use those phrases in another song.

Show More Tips

Thanks for submitting a tip for review!

Make sure you use pencil at first. Composing is a messy business.
Your notation may not be understood by anyone else unless you tell people how your music must be played.

References

About This Article

Article SummaryX

Did this summary help you?

Thanks to all authors for creating a page that has been read 366,499 times.

Reader Success Stories

«This answered several questions I had, thanks! A melody sprung into my head a little over a week ago (it’s exactly…» more

Did this article help you?

Источник

У нас уже было две попытки найти репетитора по фортепиано для дочери, и, наконец, мы нашли своего преподавателя — Наталью. Она замечательная! Во-первых, это…

Она замечательная!
— Москва

Я не присутствую на занятиях моей дочки с Натальей Владимировной, я только вижу их результат. Мой ребёнок получает хорошие оценки в музыкальной школе, и…

Я вижу результат
— Москва

До сих пор мы сотрудничаем с репетитором по фортепиано Натальей Владимировной. Если кратко, то Наталья Владимировна очень обаятельная женщина и прекрасный преподаватель. Умеет замечать…

Замечательный преподаватель
— Москва

Замечательный преподаватель, очень тактичный и внимательный. Сразу нашла подход к ребенку, виден результат буквально со второго занятия. Ребенок занимается с удовольствием.
Милена

Замечательный преподаватель
— Москва

Наталья Владимировна — хороший преподаватель сольфеджио. Мы продолжаем наши занятия до сих пор, так как уровень знаний и профессионализма преподавателя полностью соответствуют моим целям….

Хороший преподаватель
— Москва

Источник

Загрузить PDF

Умение писать ноты является ценным навыком, если вы хотите запечатлеть красивую сложность музыки, которую вы слышите в голове, или играя на инструменте дать возможность сыграть ее другим людям. К счастью, компьютерная техника позволяет нам гораздо легче генерировать ноты, перенося звук непосредственно на нотный стан. Если вы хотите научиться делать это старомодным способом, вы можете начать с основ и разрабатывать более сложные композиции. См. Шаг 1 для получения дополнительной информации.

1
Скачайте и распечатайте нотную бумагу. Обычная нотная бумага состоит из полос, на которых можно записывать ноты, маркеры и делать другие заметки для музыкантов, которые будут пытаться воспроизвести то, что вы написали.
- Если вы хотите писать ноты вручную, по старинке, как Моцарт и Бетховен, не обязательно чертить с помощью линейки нотный стан. Вместо этого найдите его в Интернете, распечатайте и быстро начинайте заполнять нотами вашей композиции.
- На многих сайтах вы даже можете предварительно добавить ключи и маркеры, не заполняя их вручную. Настройте нотный стан, как вы хотите, загрузите и распечатайте файлы.^[1]
- Напечатайте сразу много листов и делайте записи карандашом. Это может быть достаточно грязной работой, когда вы пытаетесь перенести свои сложные идеи на бумагу, поэтому вы должны иметь возможность стереть и сделать небольшие изменения без необходимости все это переписать.
2
Скачайте музыкальное программное обеспечение. Если вы хотите заполнять нотный стан на компьютере, вы можете использовать программное обеспечение для перетаскивания нот, делать быстрые изменения и поправки. Это обеспечивает вас легким доступом и сэкономит время. Сочинения на компьютере становится все более популярными среди современных композиторов, экономя ваше время и усилия в написании музыки.
- MusicScore является популярным программным обеспечением, простым в использовании и совместимым с произвольными составляющими или MIDI входом. Вы можете записывать непосредственно на нотный стан или работать путем создания своей композиции, накладывая ноты на ноты. ^[2]Большая часть программного обеспечения также имеет функцию воспроизведения MIDI, так что вы можете сразу услышать то, что вы только что записали в цифровой версии.
- GarageBand также входит в стандартную комплектацию большинства новых компьютеров Mac и может быть использован для написания нот, посредством выбора проекта «написание песен». Вы можете записывать живые звуки или ввести звук инструмента непосредственно, чтобы расшифровать запись в виде нот, а затем можно нажать на иконку Scissor в нижнем левом углу, чтобы проверить ноты.
- Загрузите программу и начните новый проект, чтобы начать экономить свое время. При подключении клавиатуры MIDI к компьютеру с помощью кабеля USB вы сможете играть свою мелодию непосредственно на клавиатуре и программное обеспечение будет наносить вашу музыку на нотный стан. Это так же просто, как играть. Вы даже можете разложить музыку по слоям, в исполнении разных инструментов, чтобы начать работу на этой симфонией.
3
Подпишитесь на бесплатный онлайн ресурс композиторов. Также, существуют Интернет сообщества композиторов и читателей, которые сочиняют музыку. Вы можете с помощью программного обеспечения составить свою мелодию прямо онлайн и сохранить эту работу, а затем обнародовать ее и получить обратную связь от других композиторов или оставить ее для личного пользования и закрыть к ней доступ.
- http://www.noteflight.com/login (Noteflight) является одним из таких свободных сообществ, а также отличный ресурс как для обучения чтению и написанию музыки, так и для исследований композиций других народов и размещения своих собственных.
4
Выберите инструмент или группу инструментов, для которых вы собираетесь сочинять. Хотите наметить некоторые партии трубы для песни R&B или написать пару строк для баллады? Наиболее распространена работа над одной фразой или над одним инструментом за раз, и только потом можно начать беспокоиться о гармонии и контрапункте, когда у вас уже есть готовая первая часть. Общие проекты набросков могут включать:
- Секции трубы для трубы (в Bb), саксофона (в Eb) и тромбона (в Bb).
- Струнный квартет для двух скрипок, альта и виолончели
- Диаграммы для сопровождения фортепиано
- Вокальные партии
Реклама

1
Запишите скрипичный ключ в нотном стане. Нотный стан состоит из нот и пауз, написанных на пяти параллельных линиях и пробелах между ними. Линии и пробелы отсчитываются снизу вверх, то есть самые высокие ноты на нотном стане будут выше всех. На нотном стане отмечаются басы или скрипичные ключи, которые находятся в крайней левой точке в начале каждой линии. Маркер ключа покажет вам, какие линии соответствует набору нот:
- «Скрипичный ключ» также известен как «G ключ», который по форме напоминает амперсанд (&), напечатанный на левой стороне нотного стана. Это самый распространенный ключ для нот. Гитара, труба, саксофон и большинство инструментов высших регистров будут использовать для написания нот скрипичный ключ. Ноты, начинающиеся в нижней строке и идущие вверх, — E, G, B, D и F. Ноты в пробелах между линиями, начиная с пробела между первой и второй, — F, А, С и Е.
- «Басовый ключ» выглядит немного как изогнутая цифра «7» слева от каждой строки нотного стана. Басовый ключ используется для инструментов нижнего регистра, таких как тромбон, бас-гитара и тубы. Начиная с нижней или первой линии, ноты поднимаются G, B, D, F и А. В пробелах это А, С, Е и G, идущие от основания к вершине.
2
Напишите музыкальный размер (такт). Тактовый размер определяет количество нот и ударов в каждом размере нотного стана. На нотном стане такты будут разделены периодическими вертикальными линиями, разделяя нотный стан на мелкие отрезки. Только направо от ключа будут два числа, одно над другим как дробь. Верхнее число представляет число ударов в каждом отрезке, в то время как нижнее число представляет ценность каждого удара.
- В западной музыке наиболее распространенным является такт 4/4, который означает, что есть четыре удара в каждом такте и на одну четверть тона приходится один удар. 6/8 тоже распространенный такт, который означает, что есть 6 ударов в каждом такте и удар приходится на восьмую ноту.
3
Определите тональность. Более подробная информация, которая будет включена в левую часть каждой строки нотного стана, включает в себя диезы (#) или бемоли (b), что определят, какой тональности вы будете следовать во время всего отрезка композиции. Диезы повышают ноту на пол-тона, а бемоли понижает на пол-тона. Эти символы могут появляться повсюду, для каких-то отдельных нот, или могут ставиться в начале части, чтобы оставшаяся часть песни игралась с учетом этого знака.
- Если, например, вы видите диез в первом пробеле в скрипичном ключе, вы будете знать, что каждую ноту, которая есть в этом пространстве, нужно играть на пол-тона выше. Аналогично с бемолями.
4
Изучите различные виды нот, которые вы будете использовать. На нотном стане будет напечатано множество различных типов нот и пауз. Стиль нот относится к их длительности и размещение на нотном стане будет относиться к высоте ноты. Ноты могут рисоваться как угодно, могут быть в виде точек, могут быть в виде кружков и палочек, которые выходят из них вверх или вниз, в зависимости от размещения нот.
- «Целые ноты» выглядят как овалы и показывают длину каждой.
- «Половинки» похожи на целые, но с прямыми палочками, выходящими из них. Они используются для того, чтобы показать половину длины целой ноты. В такте 4/4 было бы 2 половинки на такт.
- «Четвертные ноты» имеют твердые черные головки и прямую палочку. В такте 4/4 есть 4 четвертных ноты в отрезке.
- «Восьмые ноты» выглядят как четверные с флажками на конце палочки. В большинстве случаев, восьмые будут сгруппированы вместе для каждого удара, с тактами, соединяющими нотами, чтобы показать ритм и сделать музыку более удобной для чтения.
- «Паузы» придерживаются аналогичных правил. Каждая пауза выглядит как черная полоса на средней линии нотного стана, в то время как пауза четвертной ноты выглядит немного как буква «к» курсивом, строя палочки и флажки, поскольку они разламываются на дальнейшие подразделения такта.
5
Читайте ноты. Западная музыкальная нотация является довольно сложным символическим языком, который вы должны понимать и читать в первую очередь, если вы надеетесь посредством его писать музыку. Это все равно, что надеяться написать роман, не понимая слов и предложений. Вы не можете писать ноты, если вы не можете прочитать ноты и паузы. Прежде чем пытаться записать ноты, разработайте практические знания:
- Различные ноты и паузы
- Линии и пробелы на листе
- Маркеры ритма
- Динамические маркеры
- Ключи
6
Выберите свой состав инструментов. Некоторые композиторы сочиняют с помощью карандаша и бумаги, некоторые сочиняют на гитаре или пианино, а некоторые сочиняют с валторной в руке. Нет правильного способа начать писать ноты, но полезно играть самому, чтобы практиковать небольшие отрезки и слышать, как они звучат.
- Перебирать клавиши на пианино особенно полезно для композитора, так как фортепиано является наиболее визуально понятным инструментом для понимания нот.
Реклама

1
Напишите хорошую мелодию. Большая часть композиции сосредоточена на мелодии или ведущей музыкальной фразе, которая развивается по ходу всей композиции. Это «напев» любой части песни. Если вы пишете для сольных диаграмм одного инструмента или начинаете свою первую симфонию, мелодия – это основа, с которой вы начинаете, когда пишете ноты.
- Поскольку вы начинаете писать, охватите все удачные и неудачные моменты. Нет таких частей, которые бы получились полностью сформированными и совершенными. Если вы ищете что-то новое, чтобы следовать за мелодией, джемуйте на фортепиано или на другом инструменте, который вам больше нравится, и следите за тем, куда вас уведет муза.
- Если вы чувствуете себя особенно экспериментальным, исследуйте мир алеаторики композиции. Один из главных светил в этом деле Джон Кейдж, чьи алеаторические композиции вводят элемент случайности в процесс написания. Например, кидание костей, чтобы определить следующую ноту в 12-тоновой шкале, или подбрасывание монетки для создания нот. Эти композиции звучат диссонансом, в некоторых случаях, но это может быть хорошим способом создать неожиданные фразы и мелодии.
2
Напишите отдельные фразы, создайте цепь фраз, чтобы заставить музыку говорить. Если вы начинаете с мелодии, как вы переместите музыку вперед? Где она должна проходить? Как группа нот станет композицией? Хоть и нет простого ответа на секретный код Моцарта, хорошо начинать с небольших фрагментов, называемых фразами, и постепенно наращивать их в полноценные музыкальные отрезки. Ни одна часть не бывает полностью сформированной.
- Постарайтесь сгруппировать фразы с точки зрения эмоций, которые они вызывают. Гитарный композитор Джон Фэйхи (самоучка-инструменталист и композитор) писал путем объединения небольших фрагментов на «эмоциях». Даже если они не обязательно исходили из одного ключа или звучали так, как будто принадлежали друг другу, если разные фразы воспринимались как капризные, или несчастные, или задумчивые, он объединял их вместе, чтобы сформировать песню.
3

Создайте фон мелодии гармоническим сопровождением. Если вы пишете для аккордового инструмента (инструмент способен играть более одной ноты одновременно) или вы пишете для более чем одного инструмента, вам также необходимо составить гармонический фон, чтобы придать мелодии контекст и глубину. Гармония является способом выдвижения мелодии на первый план, обеспечивая возможность для напряженности и разрешения.^[3]
4
Акцентируйте музыку динамическими контрастами. Хорошие композиции должны набирать мощность и исчезать. Следует акцентировать моменты экстремальных эмоций и мелодичные пики с громкой динамикой.
- Вы можете показать динамические изменения в нотах итальянскими словами, которые показывают основные описания громких и мягких звуков. «Пиано» означает, что вы должны играть спокойно, и, как правило, написано ниже нотного стана. «Форте» означает, что вы должны играть громко, и записывается таким же образом.
- Градацию можно предположить, опираясь на удлиненный «<» или «>» знак под нотным станом, где музыка должна быть либо крещендо (громче), либо уменьшать свой звук.
5
Придерживайтесь простоты. В зависимости от ваших амбиций, вы можете иметь несколько частей и сложные ритмы или вы можете иметь простую фортепианную мелодию без сопровождения. Не бойтесь простоты. Некоторые из наиболее знаковых и запоминающихся линий являются очень простым и самыми элегантными.^[4]
- Эрик Сати в «Gymnopedie №1» является классическим примером пика простоты. Эта мелодия была использована бесчисленное количество раз в рекламе и кино, но есть что-то красивое и скользящее в этих простых нотах и ленивом ритме.
- Изучите вариации Моцарта «Twinkle, Twinkle, Little Star», чтобы понять, как самая универсальная из детских мелодий может преобразиться в сложную композицию с вариациями и украшениями.^[5]
Реклама

Советы

Получайте удовольствие и экспериментируйте, используя разные возможности.
Используйте стандартные музыкальные обозначения, если хотите, чтобы ваши ноты были понятны кому-то еще. Вы должны убедиться, что люди понимают ваши обозначения.

Предупреждения

Убедитесь, что используете карандаш. Написание — это грязная работа.
Ваши ноты могут быть не поняты кем-либо еще, если вы не говорите людям, как ваша музыка должна звучать.

Об этой статье

Эту страницу просматривали 38 684 раза.

Была ли эта статья полезной?

Источник

Каждый человек хоть раз в жизни задумывается о том, чтобы получить музыкальные навыки и, возможно, даже самому научиться сочинять мелодию. На самом деле, все не так сложно, как может показаться на первый взгляд. Конечно, необходимо будет изучить теорию музыки и некоторые нюансы композиции. Но все это мелочи по сравнению с возможностью творить чудеса. По прочтении данной статьи, вопрос «Как писать ноты?» станет неактуальным.

Подготовительный этап

Прежде чем приступить к творческому процессу, необходимо подготовить необходимые инструменты. В первую очередь это, конечно, блокнот с карандашом. Можно приобрести специализированную тетрадь либо начертить нотный стан самостоятельно. А также понадобится музыкальный инструмент, для которого и будет написано произведение.

И, конечно, самое главное, чтобы написать ноты, как профессиональный композитор, потребуется вдохновение, чувство такта и хороший слух.

Длительность знака

Каждый человек, который имеет отношение к музыке, знает, что ноты на письме обозначаются с помощью кружочков и палочек. Именно последние и влияют на продолжительность звучания определенного знака.

Сама по себе нота — это кружок на определенной ступени стана. Обозначаются знаки с помощью кружка, который, в свою очередь, может быть как заштрихованный, так и пустой внутри.

Нотоносец представляет собой 5 параллельных линий, самая первая нота до, располагается ниже всего и к ней пририсовывается дополнительная строка. Каждый последующий знак обозначается на линии и между ними поочередно.

В начале нотного стана всегда идет знак, в котором будет исполняться мелодия, и диезы или бемоли, необходимые по тональности. Потом идет отделение вертикальной чертой и уже после пишется само произведение. Таким образом, написать ноты, как минимум за месяц, вполне реально.

Название длительности звуков

Целая — незаштрихованная нота без всевозможных вспомогательных элементов — это самый долгий звук.

Половинная — обозначается точно так же, как и целая, но с добавлением штиля от ноты.

Четвертная — точная копия половинной, за тем исключением, что сам кружок является заштрихованным.

Восьмая — если нота написана одна, то к штилю добавляется флажок, но если знаки сгруппированы, то они просто соединяются дополнительными линиями. Одним из самых популярных вопрос является «Как писать восьмые ноты?». На самом деле, неважно, как красиво и правильно получится флажок, самое главное, чтобы было понятно, какая длительность звуков обозначена.

Шестнадцатая — изображается точно так же, как и восьмая, только штиль будет иметь 2 флажка.

Все остальные знаки пишутся по такому же принципу, но они встречаются достаточно редко. Для начинающего композитора хватит первых 4-х значений.

Написать ноты как попало не получится, так как у любого знака есть свое место. Штиль от кружочка должен быть всегда перпендикулярен. При этом если ноты находятся в первой части стана, то палочки направляются вверх и рисуются с правой стороны. Если же во второй части, то штиль расположен внизу с левой части ноты.

Как правильно писать ноты

Помимо того, что каждая нота имеет свое место, для удобства написания и понимания были придуманы ключи. Поскольку произведения пишутся для различных инструментов, то и высотные области будут отличаться. Именно для этого и были разработаны ключи — так называемые точки отсчета.

Данный условный знак всегда ставится в начале строки. За исключением моментов, когда рука должна перестроиться на другой ключ.

Конечно, пока мы учимся писать ноты, лучше всего использовать 1 знак и не усложнять конструкцию лишними действиями. Всего выделяется несколько десятков ключей. Но в современных реалиях используют 2 основных и 2 специфических знака.

Скрипичный ключ

Или по-другому этот знак можно назвать Соль. Такая специфика вызвана тем, что свое начало ключ берет именно с этой ноты в первой октаве. Чтобы написать знак, потребуется некоторое время, так как он не является простым в исполнении.

Данный ключ является самым популярным для написания легких мелодий. Для более сложных произведений, знак используется как основа правой руки.

Басовый

Или второе название — ключ Фа. Написание этого знака не займет много времени, он намного проще, чем вышеописанный собрат. Свое начало ключ берет на звуке фа в малой октаве. А две точки, которые находятся немного отдельно, располагаются на четвертой линии.

Данный ключ используется для тех произведений, в которых задействована вторая рука. Если речь идет не про клавишные инструменты, то знак используется для низких мелодий.

Именно эти два ключа и являются основными для написания большинства произведений. Но все же есть музыкальные инструменты, для которых этого мало. Поэтому можно воспользоваться третьим знаком в двух вариантах.

Ключ До

Как научиться писать ноты для басовых инструментов? На самом деле, процесс не намного сложнее, чем для привычной гитары или фортепиано. В первую очередь понадобится ключ двух видов: альтовый и теноровый.

Первый имеет значение при таких музыкальных инструментах, которые находятся в диапазоне до первой октавы на 3 строчку. А теноровый, наоборот, устанавливает звук на четвертой линии.

Из самого названия альтового ключа ясно, что необходим он при игре на альте или тромбоне. А теноровый знак создан для виолончели и фагота.

И также существуют музыкальные инструменты с особой спецификой, которые имеют свои ключи. Но подробно останавливаться на них не стоит.

Знаки альтерации

Помимо того, что существуют различные ключи, которые влияют на диапазон воспроизводимой мелодии, если и ограничивающие знаки. Всего существует пять альтераций: диез, бемоль, дубль-диез, дубль-бемоль и бекар. Каждый из символов имеет свое предназначение.

Диез служит для того, чтобы повышать высоту производимой ноты на полтона. Если пьеса создана для фортепиано, то вместо белой клавиши необходимо будет нажать ближайшую черную справа.

Бемоль же действует обратно, с помощью него можно понизить звук на полтона. Если рассматривать в примере опять же фортепиано, то здесь различие лишь в том, что черная клавиша будет слева.

Дубль-диез и дубль-бемоль — повышают и понижают ноту на весь тон соответственно

Бекар — это отменяющий знак, то есть нота играется чистой, без каких-либо знаков.

Чаще всего уже в самом начале произведения отмечается, в какой тональности оно будет. То есть все знаки, написанные сразу после ключа, должны исполняться в течение всей мелодии.

Именно в этих случаях будет актуален бекар, который и отменит знак тональности. А также альтерации могут быть написаны непосредственно около необходимой ноты. В этом случае знак применим только на конкретный звук один раз.

Упражнение

Помимо теоретических знаний, для закрепления информации необходимо переходить к практической части. Для начала нужно выучить, как пишется та или иная нота и как обозначается длительность звука. После этого можно приступать к несложным упражнениям.

Для начала можно попросить кого-либо записать знаки словами, а потом самому воспроизвести их на нотном стане. Например, пишем ноты: соль, ми, до, фа, ре. Теперь эту гамму нужно правильно построить.

Следующим заданием будет — научиться слышать ноты. Для этого понадобится инструмент. Запомнив звучание каждого знака, можно приступить к угадыванию звука. Начать лучше с одной октавы, постепенно расширяя ее.

А уже после можно приступить непосредственно к творческой части, к написанию для начала коротких мелодий. А в скором времени, возможно, и романсов, и даже опер.

Источник

Как писать по нотам

Нотная запись по системе Гвидо д’Ареццо – самый популярный на сегодняшний день способ графического оформления музыкального текста. В основе этой системы лежит расположение нот на пятилинейном нотоносце или нотном стане.

Инструкция

Чтобы начать запись нотами, сперва напишите ключ в начале нотоносца. Его разновидности: скрипичный (ключ «соль»), басовый (ключ «фа»), система ключей «до» (сопрановый, меццо-сопрановый, альтовый, теноровый, басовый). Из последней системы сейчас популярны альтовый (для записи партии альта) и теноровый (для виолончели в некоторых случаях). Ключ служит точкой отсчета, показывая, на какой линейке будет располагаться опорная нота конкретной октавы (ее именем называется ключ).
Нота «до» первой октавы в скрипичном ключе будет располагаться на первой добавочной (снизу) линейке, в альтовом – на средней (третьей линейке), в теноровом – на верхней линейке, в басовом – на первой добавочной сверху. Ключ выбирается в соответствии с удобством записи для инструмента с высоким или низким диапазоном.

После ключа идут знаки альтерации: диезы, бемоли. Порядок их написания определяется кварто-квинтовым кругом.

Следом идет размер произведения в виде простой дроби: числитель – количество долей, знаменатель – их длительность. В каждом такте произведения (до соответствующих пометок) будет такое количество таких длительностей, как указано в размере.

Дальше идут сами ноты. В зависимости от мелодии они располагаются на разной высоте. Другая их характеристика – длительность, то есть протяженность во времени. Самые короткие из используемых длительностей – шестьдесят четвертые. Далее по возрастанию: тридцать вторые, шестнадцатые, восьмые, четверти, половины, целые. Если за единицу времени взять счет «раз», то 1/64-х нот придется шестнадцать, 1/32-х – восемь, 1/16-х – четыре, 1/8-х – две, 1/4-я – одна. На половину приходится два счета, на целую – четыре.

Как только общая сумма длительностей совпадет с размером, ставится вертикальная тактовая черта. Следующий такт заполняется нотами по тому же принципу и отделяется от третьего.

Видео по теме

Войти на сайт

или

Забыли пароль?
Еще не зарегистрированы?

This site is protected by reCAPTCHA and the Google Privacy Policy and Terms of Service apply.

Источник

Подготовительный этап

Длительность знака

Название длительности звуков

Целая — незаштрихованная нота без всевозможных вспомогательных элементов — это самый долгий звук.

Половинная — обозначается точно так же, как и целая, но с добавлением штиля от ноты.

Четвертная — точная копия половинной, за тем исключением, что сам кружок является заштрихованным.

Шестнадцатая — изображается точно так же, как и восьмая, только штиль будет иметь 2 флажка.

Как правильно писать ноты

Скрипичный ключ

Басовый

Ключ До

Знаки альтерации

Дубль-диез и дубль-бемоль — повышают и понижают ноту на весь тон соответственно

Бекар — это отменяющий знак, то есть нота играется чистой, без каких-либо знаков.

Упражнение

Просмотры: 52

Источник