Как музыканты современные пишут музыку

Как музыканты сочиняют музыку: Слышат ли они музыку в своей голове

О музыке я знаю немного, но, говорят, что музыканты слышат и сочиняют музыку в голове. Они действительно слышат все эти быстрые переходы, сложные аккорды и звуки, которые есть в музыке Листа?

Аноним: У меня есть музыкальное образование, и я занимался музыкой много лет (примерно с 6 до 23 лет). Отмечу, что сейчас я работаю программистом и не осмелюсь назвать себя профессиональным композитором, однако я неплохой музыкант, могу выступать на сцене, дирижировать оркестром, выступать с оркестром, учить детей, сочинять короткие произведения и т.д.

Если вы обладаете музыкальным слухом, и он абсолютный, то можете «слышать» музыку в своей голове, читая ноты. Глядя на партитуру, вы можете представить, как это будет звучать (с очень высокой точностью).

Теперь поговорим о сочинении.

Насколько я знаю, существует по меньшей мере три основных способа создания музыки.

Интуитивный способ или способ на основе вдохновения

В голове рождается целое произведение. Сначала вы его слышите, а потом записываете. Оно просто появляется в вашей голове из ниоткуда. Я написал одно произведение таким способом, и это был странный опыт. Пока я был вдохновлен, меня не покидало ощущение, что я «одолжил» свои руки, и «нечто» сыграло ими композицию, а я записал её на бумаге.

На самом деле, это произошло на экзамене по композиции: я не готовился, пришел за час до экзамена, написал произведение и успешно сдал его (однако я рекомендую готовиться). Недостаток этого метода в том, что если у вас нет вдохновения, то магии не произойдет – не будет музыки.

Вероятно, музыка рождается в вашем подсознании или где-то еще. Я думаю, что идея постепенно формируется в глубине вашего разума и, в конечном счете, превращается в результат. Потом вы ее слышите и записываете. Иногда у вас нет выбора, потому что идея «требует», чтобы ее записали. Это ощущение ни с чем не спутать.

Методологический способ или подход на основе знаний

Если вы хорошо знаете теорию музыки (очень-очень хорошо), то сможете создать композицию так, как её создают компьютерные программы: выбираете основной мотив, а затем сочиняете музыку на бумаге в соответствии с правилами гармонии и другими идеями, которые хотите воплотить. При таком подходе вы создаете музыку «с нуля», корректируя её звучание на каждом этапе.

Музыка, созданная таким способом, может показаться скучной, неэмоциональной или предсказуемой. Я слышал одно произведение, очевидно созданное таким методом, и оно было наискучнейшим. Для написания достойной музыки вам понадобится много теоретических знаний.

Комбинация двух способов

Трудно получить всю мелодию целиком только на основе вдохновения. Также трудно создать целую мелодию, основываясь лишь на теоретических знаниях. Поэтому вы можете смешать два этих метода. Вы придумали мотив, который вам нравится (вдохновение), а затем, используя знания, вы превращаете его в полноценную композицию (гармонию). Во время игры к вам может вернуться вдохновение и принести с собой оставшуюся часть мелодии.

Использование смеси двух техник – вероятно, наилучшая идея. Дело в том, что, когда мелодия «оказалась у вас в голове», вы не сможете записать её полностью – одну минуту максимум. Этого недостаточно для полноценного произведения.

То, что я рассказал выше, подойдет для написания музыки с использованием реальных музыкальных инструментов.

Для электронной музыки существует еще один способ – метод проб и ошибок. Сначала вы запускаете музыкальную программу с пустым шаблоном, потом начинаете повторять какой-нибудь музыкальный рисунок и постепенно добавляете звуковые эффекты, наблюдая за изменениями. Если вам нравится то, что вы слышите, то проект сохраняется, и процесс наложения эффектов продолжается.

Изменяйте ритм, слушайте – меняйте такт, добавляйте биты. Проигрывайте снова. Накладывайте другие шаблоны и так далее. Этот процесс совершенно отличается от методологического способа и больше подходит для электронной или нестандартной музыки. В качестве аналогии можно привести ребенка, играющего в кубики. Необходимо понимание изменений, происходящих при добавлении того или иного эффекта.

Кертис Линдсей (Curtis Lindsay): Когда мы слушаем «Венгерские рапсодии» Листа, то слушаем музыку, которая, скорее всего, была рождена в ходе импровизации.

Лист, как и многие другие великие музыканты того времени, был невероятно опытным импровизатором и превосходил в этом многих композиторов. Вероятно, не все «Венгерские рапсодии» были рождены одинаково, однако ключом к их созданию стала импровизация. После того, как мелодия была готова, она просто дорабатывалась и шлифовалась.

Другое объяснение – у композиторов разные методы работы, но почти все они связаны с воспроизведением и обработкой музыки «в голове». Никто не садится сочинять музыку по формальным правилам теории. Теория музыки – это аналитический метод, он не предназначен для её создания.

Как правило, большинство композиций создаются с помощью музыкальных инструментов, чаще с помощью клавишных, например, фортепиано. Но иногда композиторы предпочитают работать без них, используя только свой разум и бумагу.

Деннис Хоффманн (Dennis Hoffmann): Лично я, особенно в течение последних лет, всегда представляю новую песню у себя в голове. Или хотя бы её часть. Обычно в тот момент, когда что-то зарождается в моей голове, я достаю телефон и напеваю мелодию на диктофон, чтобы не забыть.

Если мотив получается очень хорошим, то я могу начать сочинять песню целиком. Я ужасный барабанщик, но могу представить, как будут звучать барабаны… басовая партия… гитарная партия… как должна звучать гитара.

Моя сильная сторона – это написание текстов песен. Когда я был моложе, то сначала писал слова, а потом накладывал музыку. Но с годами изменил свое мнение – сейчас я сначала сочиняю музыку, а затем пишу слова песни, сокращая или удлиняя некоторые части композиции, чтобы уместить все, что мне нужно.

Однако во многих случаях структура песни может меняться. Сейчас я по большей части работаю один и сам записываю несколько дорожек, создаю барабанный ритм, добавляю синтезатор, записываю партии гитары и бас-гитары и т.д. В процессе творения (особенно когда программирую синтезаторы) я могу что-нибудь изменить, потому что нашел звук, который изначально не планировал использовать, но который хорошо подходит. Безусловно, здесь много свободы действий.

Иногда я записываю живую игру музыкантов, а не создаю синтетические звуки, потому в финальную композицию могут вноситься изменения – всему виной стиль игры исполнителя. Я считаю, что это не самый приятный способ создания музыки.

Мне песня нравится такой, какой я ее написал, и я не люблю, когда кто-то портит ее своей игрой. Но иногда это необходимое зло – я не всегда могу получить нужный мне звук искусственным образом, потому я нанимаю человека, который сможет его сыграть.

Если вкратце, то, действительно, все начинается в моей голове.

P.S. Больше материалов на тему музыкального творчества, акустических нюансов и звуке в нашем блоге и подкастах.

Научитесь: Профессия Сонграйтер
Узнать больше

Обучение написанию хитовой песни может показаться невероятно пугающим. В конце концов, хитовые песни кажутся настолько легкими, что бывает трудно понять, как они вообще были написаны. К счастью, большинство хитовых песен имеют ряд общих черт, которые можно использовать в качестве уроков для того, чтобы начать писать свои собственные хиты.

Ниже мы рассмотрим анатомию хитовой песни, чтобы вы могли стать своим собственным автором песен. Давайте погрузимся!

Определите, что значит для вас хитовая песня

Прежде чем думать об элементах хитовой песни, необходимо определить, что для вас значит «хит». Конечно, песня, занимающая первое место в чарте, — это очевидный признак успеха, но чтобы достичь такого уровня известности, могут потребоваться годы маркетинга и творчества. Определение вашей текущей траектории успеха может снять часть давления и помочь вам писать лучшие песни.

Возможно, хитом для вас является создание песни, в которой идеально передан личный опыт. Возможно, ваша цель в написании песен — начать фокусироваться на создании более запоминающихся мелодий. Возможно, вы хотите больше сосредоточиться на запоминающейся структуре песни.

Что бы это ни было, позвольте себе сосредоточиться на одном элементе за раз, совершенствуя свои навыки написания песен. Вопреки мнению некоторых, хиты создаются годами: Это означает, что «ночной успех» вложил годы упорного труда, прежде чем пробиться.

Песни, написанные в начале карьеры артиста, могут быть превосходными, а могут быть и невнятными. Важно отметить, что любой артист может стать хитом в течение своей карьеры, если он будет постоянно работать над написанием песен.

Например, мало кто помнит первую песню Майкла Джексона «Got to Be There», но в дальнейшем он создал бесконечное море хитов:

Что делает песню успешной?

Большинство хитовых песен имеют схожую структуру, что делает их привлекательными для подавляющего большинства слушателей. Мы проанализируем некоторые ключевые элементы, на которых должен сосредоточиться каждый автор песни, чтобы создать потрясающую композицию:

Относимость

Когда вы слушаете музыку, что заставляет вас привязываться к одному произведению искусства, а не к другому? Скорее всего, это не маркетинговая стратегия звукозаписывающей компании или количество долларов, вложенных в рекламную кампанию. Эти факторы могут помочь, но великая музыка по-прежнему имеет вес и без помощи профессиональной команды.

Мы слушаем песни, потому что они соотносимы с нашим личным опытом. Искусство написания песен заключается в том, чтобы взять сложные эмоции и сгустить их в приятные лирические фразы, которые слушатели могут воспринять.

Именно вам, как автору песни, предстоит разрушить эти барьеры. Что вы можете сказать такого, что заставит слушателя мгновенно почувствовать, что он знает вас или то чувство, которое вы описываете? Как вы можете разрушить эти стены? Все дело в сознательном создании надежности.

Знакомство

Как меломаны или музыканты, многие из нас любят слушать то, чего раньше не слышали. Однако важно помнить, что подавляющее большинство обычных слушателей больше настроены на более знакомые композиции.

Черпать вдохновение у других исполнителей и песен — это совершенно нормально, более того, это рекомендуется. Вы, конечно, захотите создать свои собственные песни, но поиск вдохновения в общих аккордах, мелодиях и структурах песен может помочь вам создать убийственную музыку.

Новинка

Лучшие песни достаточно знакомы, чтобы привлечь скептически настроенных слушателей, и достаточно новы, чтобы помочь вам завоевать преданных слушателей. Каждый раз, когда вы пишете песни, вы должны понять, в чем заключается ваша уникальность. Что делает вашу песню особенной? Это авторская песня? Запоминающееся исполнение? Актуальная тема песни? Сочетание всех этих элементов? Должно быть очевидно, почему ваша песня выделяется из толпы.

Очевидное ремесло

Для написания хороших песен требуется много практики. Не отчаивайтесь, если ваши первые треки звучат совсем не так, как хитовые песни. Просто послушайте первую опубликованную работу Эда Ширана:

За последние годы он явно отточил свое ремесло. Чтобы написать потрясающую музыку, нужно написать кучу некачественной музыки. На создание собственного звучания могут уйти годы, но не позволяйте этому обескуражить вас! Постарайтесь помнить, что любой музыкант может стать великим артистом, если он готов вложить достаточно времени и усилий в свою историю и в то, что он делает.

Сильная авторская песня

Если вы замечательный автор песен с глубоким пониманием их структуры и ремесла, вы готовы. Есть причина, по которой фолк и другие акустические, достаточно инструментально бесплодные произведения сохраняют популярность и по сей день. Отличное написание песен может компенсировать отсутствие продюсирования или инструментальной сложности, потому что оно пробивается сквозь шум. Если ваша музыка способна вызвать глубокий резонанс у слушателя, значит, вы нашли способ достучаться до него.

Ваша лирика должна быть способна держаться сама по себе, без помощи мелодии или аккордовой прогрессии. Вы должны использовать такие элементы умной игры слов, как метафора, гипербола и предвестие.

Как написать хитовую песню за 7 шагов

Теперь, когда вы понимаете ключевые ингредиенты хитовой песни, пришло время применить свои знания на практике. Обратите внимание, что эти шаги не обязательно должны выполняться в порядке прослушивания; мы просто хотим предоставить базовую схему на случай, если вы не знаете, с чего начать. Без лишних слов, вот как именно нужно писать хитовую песню.

1. Найдите свою тему

Каждая великая песня должна иметь сильную, связную тему, которая чувствуется на протяжении всего произведения. Прежде чем писать текст или мелодию, проведите мозговой штурм с самим собой и выясните, какой смысл заложен в вашей песне.

Если вы можете использовать личный опыт, это замечательно! Если вы пишете о чем-то, что является для вас подлинным, это будет выглядеть более искренне и поможет вам установить более глубокую связь со слушателями.

Выберите несколько ключевых слов, которые вы захотите включить в свою песню и которые отражают ваше отношение к выбранной вами теме.

2. Постройте свою лирику

Начните вырабатывать фразы и полноценные тексты из вашего мозгового штурма. Ваша лирика должна быть достаточно сильной, чтобы читаться как стихотворение, нести смысл, связанный с вашей темой, и, в идеале, включать рифму и другие литературные приемы.

Однако не зацикливайтесь на мелочах. Вы всегда можете вернуться назад и подправить слова по своему усмотрению. Слишком много самоанализа на начальном этапе может помешать вам перейти к более глубокой стадии процесса. Пишите лучшие тексты, на которые вы способны, но имейте мужество продолжать. Легко запутаться в собственных мыслях, но знайте, что у вас еще будет время вернуться и пересмотреть свое творение с учетом контекста.

3. Найти аккордовую прогрессию

Аккордовые прогрессии
— это строительные блоки любой песни, поэтому вы захотите как можно скорее интегрировать аккордовый рисунок в свою музыку. К счастью, существует множество проверенных и верных
аккордовых прогрессий для поп-музыки
, которые можно попробовать, если вы не знаете, с чего начать. Выберите простую аккордовую структуру песни, например, I — ii — IV — V или I — V — vi — IV.

4. Построение мелодий и басовых линий

После того как вы определились с мелодией или басовой линией, вы можете начать накладывать риффы на свое творение. Достаньте приложение для голосовых заметок или DAW и начните записывать текст и аккордовую прогрессию. Дайте волю своему творчеству и стройте свою песню так, как считаете нужным.

5. Вставьте все в контекст

Теперь у вас есть все мелодические элементы вашей песни. Чтобы сделать еще один шаг вперед, включите ритм с барабанами, чтобы заиграл грув. Сосредоточьтесь на взаимосвязи между всеми отдельными частями вашей песни. Соединяются ли они в единый, целостный контекст? Отрегулируйте свои части, чтобы они сливались в единое целое.

6. Отредактируйте свою работу

Теперь, когда вы добавили в свою песню инструментальные и мелодические элементы, пришло время отредактировать свое творение. Потратьте день на то, чтобы все обдумать, а затем внесите улучшения в свою музыку. Можете ли вы создать более запоминающуюся мелодию? Освободить место для более умной игры слов? Доверяйте своим инстинктам и вносите правки.

7. Исполняйте свою музыку вживую

Есть что-то такое в живом исполнении песни, что заставляет задуматься обо всем. Исполнение музыки вживую — это еще и прекрасный способ наладить связи и расширить свой круг общения как музыканта. Выйдите на сцену и сыграйте свою песню другу, на вечерах с открытым микрофоном или на своем собственном шоу! Посмотрите, может быть, во время живого исполнения вы узнаете что-то новое, что поможет вам улучшить качество написания песен.

Советы о том, как написать хит

Готовы ли вы написать свою первую потрясающую песню? Вот несколько профессиональных советов по написанию песен, которые помогут вам создать свой первый хит:

Подражать и приукрашивать

Для того чтобы стать автором хитов, вам необходимо уделять время прослушиванию хорошо написанных песен. Возьмите на себя труд изучать музыку с помощью критического прослушивания. Если вы найдете песню, которая заставит вас узнать больше об исполнителе или глубоко погрузиться в его дискографию, знайте, что в ней есть что-то особенное.

Попытайтесь понять, что заставляет вас глубже погружаться в творчество того или иного художника. Возьмите то, что вы узнаете из наблюдений, и примените эти уроки в своем собственном творчестве.

Не бойтесь отдаться магии музыки

Иногда в процессе написания песен или создания музыки нет ни рифмы, ни причины. Вы обнаружите, что на создание некоторых песен уходят месяцы, а другие вы можете написать менее чем за час. Не позволяйте этим противоречиям обескуражить вас.

Не все хитмейкеры пишут музыку одинаково, и это нормально. Позвольте себе найти то, что работает лучше всего для вас, и корректируйте свой процесс по ходу дела. Как и в любом виде искусства, не существует единственно верного способа творить. Ваш процесс творчества постоянно развивается в зависимости от ваших потребностей в любой момент времени.

Количество порождает качество

Хитовые песни не пишутся сами по себе. Хотя вам может повезти, и вы напишете настоящий хит в течение первых нескольких сессий сочинительства, это не характерно для большинства музыкантов. Большинство артистов, даже тех, кто одарен от природы, должны написать кучу плохих песен, чтобы в итоге создать сильную.

Позволяйте себе неудачи и эксперименты — это единственный способ улучшить свои навыки. К счастью, количество порождает качество, поэтому если вы пишете часто и стремитесь стать лучше, вы обязательно создадите потрясающую песню в какой-то момент своей карьеры.

Слушайте самую разнообразную музыку

Слушая музыку разных жанров, вы станете более информированным автором песен и музыкантом. Это также поможет вам понять, почему хиты так популярны и какие музыкальные элементы имеют успех во всех жанрах. Ради своего искусства и языка как музыканта попробуйте регулярно слушать музыку не только тех жанров, которые вы предпочитаете.

Работа с другими художниками

Не зря большинство современных ведущих артистов имеют целую команду писателей, креативщиков и других звуковых визионеров. Научиться хорошо работать с другими артистами — залог вашего успеха как музыканта.

Хорошая новость заключается в том, что практически каждый может начать творческое сотрудничество, даже если вы относительно недавно пришли в музыкальную индустрию. Вы легко можете организовать кружок по написанию песен или регулярные джем-сейшены со своими друзьями или местными музыкантами.

Если вы не знаете никого, кто мог бы заинтересоваться, вы можете найти людей для сотрудничества в Интернете через социальные сети или темы Reddit. Еще одним маленьким шагом может стать использование конкурсов «открытый стих» или функции «дуэт» на TikTok. Налаживание связей — это ключ к тому, чтобы стать успешным артистом в музыкальной индустрии, поэтому найдите способ начать, независимо от того, на каком этапе карьеры вы находитесь.

Научиться писать хитовые песни легко, а вот применить это на практике может оказаться настоящим испытанием. Реальность такова, что для создания хита могут потребоваться годы целенаправленной, упорной работы. Надеемся, что это руководство облегчит вам использование ваших навыков написания песен и приблизит вас к написанию вашего хита. Наслаждайтесь процессом написания песен!

У меня нет традиционной музыкальной школы (6 лет на пианино), но я закончил 2 года Рок-лицея в ДК «Красный Химик», прослушав класс по основам сольфеджио и отучившись у двух преподавателей по классу гитары. Примерно с 14 лет я начал играть в группах, и продолжаю это делать до сих пор, сейчас мне уже «более чем за 30», и можно смело сказать, что музыкой я занимаюсь больше чем половина жизни. При этом я не профессиональный музыкант, я работаю в ИТ, и музыка, моё хобби. Я выступал с разными группами на концертах в маленьких клубах («Свалка», «Китайский Лётчик Джао-Да», «Молоко», и больших музыкальных фестивалях «Нашествие», «Мотоярославец».

С самого начала занятия музыкой я решил для себя, что буду сочинять собственные музыкальные произведения, и не будут играть чужие песни. Не могу сказать почему я так решил, но факт остаётся фактом.

За много лет общения с теми, кто играет и сочиняет музыку, основной болью является то, как сочинять свою собственную «авторскую» музыку. Я выделил 5 методов или способов, как сочинять музыку.

1. Способ на основе вдохновения

Состояние при котором мелодия рождается у вас в голове, и вы просто переносите музыкальное произведение «на бумагу». Ваш «внутренний» голос сам «всё делает» за вас, нужно только поймать это состояние и запомнить полученный результат. Очень удобно, вам кажется что мелодия приходит к вам «из вне», или из таких глубин подсознания, что в обычном состоянии, туда добраться не возможно. Кажется удивительным, что такую мелодию мог сочинить именно ты, так как в обычной жизни подобное кажется нереальным.

Из минусов отметим то, что вдохновение «капризно» и может подолгу не посещать вас.

Также возможен вред причиненный здоровью, при попытках «стимулировать» вдохновение, которое к сожалению стимулировать невозможно.

2. «Методологический» способ

Вы профессионал и просто «пишите» композицию по всем правилам создания музыки, опираясь на стилистические «жанровые» особенности. Это профессиональный подход на основе знаний, получившейся результат может быть не очень интересен с точки зрения искусства в целом, но зато это эффективный способ создания творческой продукции.

Вся популярная музыка использует этот метод, так как он наиболее предсказуем и понятен в попытках завоевать симпатию конечного слушателя. Но несмотря на это, доля непредсказуемости все равно остаётся даже при использовании этого метода, так как нельзя на 100% предугадать что «зайдёт» слушателю, а что нет.

3. «Реферальный» способ

Способ, когда вы берёте за основу чужую композицию и имитируете её с небольшими отличиями «особенностями», настолько существенными, что бы ваша композиция уже не напоминала оригинал, которым вы были «вдохновлены». До некоторой степени копируется звук, музыкальная форма и настроение.

Автор «сочинитель» берёт композицию «пример», пропускает её через свои «мозги» и выдаёт новую «авторскую» версию оригинала. Есть мнение, что таким способом придумывается всё, так как ничего нового уже придумать не возможно, а возможны только «вариации на тему». Автор в данном случае просто адаптирует идею согласно местным особенностям и предпочтениям.

4. «Генеративный» способ

Метод, в котором сочетается знание основ музыкальной композиции, владение определимым музыкальным жанром и умение использовать приборы и программы, генерирующие в случайном порядке ноты, создавая таким образом мелодии и звуковую палитру, из которой и собирается будущая музыкальная композиция.

Данный метод больше всего использует звуковой дизайн (саунд-дизайн) и чаще используется при создании музыкальных композиций в электронной музыке. Метод случайного поиска, проб и бесчисленных вариаций. Надо отметить, что при кажущейся механизации и роботизации процесса сочинения, до сих никакой Искусственный Интеллект не смог написать сам что то более менее стоящее, используя данный метод, то ест роль автора все равно остаётся центральной.

5. «Импровизационный» метод

Данный метод часто используется в «живой» музыке, когда музыканты договариваются о тональности и темпе «рыбы» и дальше начинают играть «импровизировать» в поисках новых тем и ходов для будущей композиции. При таком методе важно вовремя фиксировать «выделять» получающиеся эпизоды и собирать из них новый материал. Лучше всего такие импровизации записывать на диктофон, качество записи здесь не играет роли, главное что бы на записи можно было распознать мелодию и основные детали. Далее с этим можно продолжить работу дома, дополняя и комбинируя сочинение.

Я не стал выделят в отдельный метод гибрид выше описанных способов, который позволяет сочинять собственную музыку, возможно есть ещё какие-то методы или вариации способов.

Поделитесь, если вам есть чем дополнить этот список.

В чём отличие снейра от хай-хэта и из чего вообще состоит музыка: лекция саунд-дизайнера и композитора «Мор (Утопия)» Андриеша Гандрабура.

Композитор, музыкальный продюсер, автор саундтреков к «Мор (Утопия)» и другим играм Ice-Pick Lodge, а также основатель музыкальной школы DOS Андриеш Гандрабур, открыл образовательную сцену, которую в парке Горького на «Плюс Даче» организовала команда сервиса по продвижению артистов BandLink и «Яндекс Музыка».

В своем выступлении Гандрабур рассказал о базовых инструментах, которые нужно освоить, чтобы создавать электронную музыку, мельчайших составляющих звука и основных технических приёмах.

Редакция «Яндекс Музыки» законспектировала лекцию композитора, ну а мы публикуем её — с примерами и всеми пояснениями.

Drums (ударные)

Не секрет, что зарождение музыкального искусства начиналось именно с ритм-секции. У первобытных людей, конечно, не было ни ударной установки, ни продвинутых секвенсоров (DAW), но руками и ногами они создавали первые ритмические рисунки, которые по сей день используются в музыкальном производстве, достаточно вспомнить «We Will Rock You» легендарной группы Queen.

Ключевыми ударными элементами в современном музыкальном производстве являются Kick, Snare и Hat. Этого достаточно, чтобы создать необходимый танцевальный грув и побудить тело к движению. Дело в том, что эти элементы заполняют основные частотные диапазоны — нижний, средний и верхний.

Kick — он же бас-бочка или большой барабан в классической ударной установке. Этот тяжелый низкочастотный стук сложно с чем-то спутать, к тому же он отвечает за самый простой и распространенный приём в танцевальной музыке — «Four on the floor» или «прямая бочка».

Этот бит строгий и последовательный — бочка отыгрывает на каждую долю такта, позволяя слушателям легко следовать ритму и качать головой. При воспроизведении губами получится что-то вроде «туц-туц-туц-туц». Но это лишь один из простейших приёмов, ведь грува можно достичь и неожиданными ломаными ритмами, смещая акценты с сильных долей такта на слабые, таким образом создавая брейкбит.

Snare — малый барабан в ударной установке и самый громкий инструмент в ритмической секции. Выбору подходящего снейра особенно важно уделить внимание, потому что он сильно повлияет на музыкальный стиль будущего трека.

Этот элемент несет в себе больше всего информации, так как заполняет средние и верхние частоты. На таких же частотах располагается и человеческий голос, поэтому наше ухо будет очень явно и точно считывать этот звук. Он сравним с хлопком руками, поэтому вместо snare часто еще используют clap (хлопок).

Расставить snare или clap в ритмическом рисунке очень просто. Под прямую бочку он будет попадать на вторую и четвертую долю такта — «бочка-снейр-бочка-снейр». Такого универсального паттерна уже достаточно, чтобы достичь ощущения драйва в любом темпе и различных музыкальных стилях.

Hi-Hat — это тарелки со стойкой в барабанной установке. Они бывают открытыми (Open) и закрытыми (Closed), в зависимости от этого издавая протяжной звуц «тссс» или короткий «ц ц ц».

Хэты очень влияют на скорость и динамику ритм-секции — чем чаще они звучат в паттерне, тем быстрее кажется трек. Зачастую их используют для разделения куплетов и припевов. А ещё расстановка хэтов открывает большой простор для экспериментов и различных сочетаний.

Стоит отметить, что грамотный подбор сэмплов ударных составляет 50% успеха ритм-секции. Если взять kick из рок-музыки, snare из Future Bass и hi-hat из трэпа — сочетание получится мягко говоря неудачным, хоть и бывают примеры интересных решений.

Начинающим музыкантам следует обратить внимание на сэмпл-паки (Sample Pack) или Drum Kit с тэгами по жанрам. Например, в BandLab они уже вшиты и, как правило, содержат по несколько вариантов каждого элемента ударных и, вероятнее всего, будут сочетаться между собой.

Кстати, необязательно прописывать дорожки ударных по отдельности, ведь помимо сэмпл-паков, существуют ещё и лупы (Loop) — заранее приготовленные сбалансированные шаблонные решения для саунд-продюсеров и музыкантов. Достаточно подобрать луп ударных на свой вкус, кинуть на дорожку, зациклить и можно двигаться дальше.

Percussion (перкуссия)

После того как основа подготовлена, не помешало бы внести разнообразие. Здесь на помощь приходят перкуссионные инструменты. Их очень много и все они разные — тамбурин, бубен, маракасы, ковбелл, колокольчики, шейкеры, конго, бонго, треугольник, трещотка, этот список можно продолжать бесконечно.

Кроме того, проявив находчивость, любой повседневный звук можно превратить в перкуссионный инструмент — будь то хлопок двери или удар сковородкой.

В электронной музыке перкуссионные инструменты придают некую остроту, подвижность и определенную направленность. Зачастую продюсеры используют их готовые лупы, например шейкеры (shaker), чтобы развить динамику в припеве. Прописать свой паттерн уже сложнее, но интереснее, ведь порой можно достичь неожиданных результатов.

Для написания перкуссии используют Piano Roll, где можно регулировать не только расстановку элементов, но и продолжительность их звучания, высоту по нотам и громкости, панораму (лево-право-центр) и так далее. Хорошая перкуссия складывается из мелочей и не сильно выделяется на фоне ведущих ударных инструментов, создавая им вспомогательный фон.

Bass (бас)

Bass — это ещё один элемент ритм-секции. Он играет только корневые ноты (нижние ноты аккордов), создавая тем самым «фундамент» гармонии. Бас вместе с бочкой берут на себя весь нижний частотный диапазон и работают в тандеме.

В некоторых электронных жанрах, например Dubstep, бас используется, как полноценный музыкальный инструмент, и исполняет все мелодические слои трека. Но для этого потребуются многие часы практики и навыки синтеза.

Если мелодия в треке уже присутствует, то следует подбирать ноты баса под её тональность, прописывая их через Piano Roll. Если мелодии нет, то следует определиться с тональностью самостоятельно и расставлять ноты в её пределах. Возможности тонкой работы в пиано ролле позволят достигнуть чёткого взаимодействия баса с бочкой, что немаловажно для достижения грува.

Pad (пэд)

Ритмическая основа готова, а фундамент гармонии заложен в басовой линии, но всё ещё не понятно, в каком настроении будет звучать трек. Внести ясность помогут пэды — разновидность музыкальной партии, которую можно сыграть как на синтезаторе, так и на традиционных «живых» инструментах.

Это словно подкладка из протяжённых аккордов и тембров, которая отвечает за гармоническую структуру, заполняет пространство композиции и создает дополнительную глубину и объём. В случае с пэдами уже не стоит рассчитывать на готовые лупы — маловероятно удастся найти что-то подходящее.

Обладая навыками синтеза (процесс генерации звука, представленного в виде дискретного сигнала) можно накрутить свой уникальный пэд, но для начала лучше воспользоваться готовыми пресетами в VST-синтезаторах.

Piano Roll позволяет ставить аккорды одним нажатием мышки: таким образом, двигаясь по корневым нотам баса, прописывается аккордовая последовательность (прогрессия).

Кстати, для большей атмосферы пэды можно ещё и леерить. Лееринг подразумевает, что одни и те же аккорды кладутся слоями друг на друга, но используются разные инструменты, для создания насыщенного звучания. Леерить можно практически всё, что угодно, включая барабаны, но только не стоит накладывать несколько слоев баса.

Arpeggio (арпеджио)

Арпеджио — прохождение по нотам гармонии попеременно сверху-вниз или снизу-вверх. Это самый простой способ нанести мелодический орнамент или узор на готовый скелет композиции.

Достаточно открыть арпеджиатор (часто вшит в синтезатор), подобрать подходящий инструмент и зажать одну ноту или аккорд, тогда арпеджиатор доделает всю остальную работу за вас и сыграет перебором следующие ноты гармонии или перебор аккорда.

Pulse Chords (пульсация)

Пульсирующие аккорды — это распространённые элементы в танцевальных жанрах, которые пульсируют вместе с барабанами, придавая больше движения треку и помогая достичь грува. Из инструментов здесь больше всего подойдут клавишные, гитары, синтезаторы — можно попробовать разные варианты.

Секвенсоры позволяют прописать паттерн аккордов и потом менять инструмент, который будет этот паттерн проигрывать. Таким образом, вы услышите, какой из инструментов будет не на своем месте.

Vocals (вокал)

В танцевальной музыке вокальная партия не всегда необходима, но парочка заедающих в голове строк может существенно повысить шансы трека на успех.

Любой современный секвенсор обладает функциональностью для записи голоса напрямую в микс без задержки, но для этого понадобится дополнительное оборудование — внешняя звуковая карта и микрофон. К счастью готовые решения для вокала тоже есть в виде вокальных сэмпл-паков.

Зачастую тексты в таких записях нейтральны по смыслу, но хорошо и качественно исполнены. А проявив находчивость, даже самую неприметную строчку можно засемплировать и модифицировать во что-то интересное. Только новички, увлекаясь процессом, часто забывают, что тональность вокала должна совпасть с тональностью трека.

Структура

Очень важно позаботиться о грамотной структуре композиции. Инструментов много, но не обязательно использовать всё и сразу. У трека должно быть начало, конец и что-то посередине — своего рода сюжет, по которому будет двигаться слушатель.

Стоит начать с малого, например, бас и барабаны, а потом каждые 4-8 тактов добавлять новый элемент. 4 такта — это квадратное мышление танцевальной музыки, понятное и продюсеру, и слушателю на подкорке. Разнообразить структуру можно ямой (breakdown), которая придаст необходимый саспенс перед дропом (drop).

Дроп — самая яркая и мощная часть трека. Именно она заедает в голове у слушателей и отвечает за хитовость, поэтому так важно проработать и оформить грамотную подводку к этому месту.

Mixing (сведение)

Любому треку необходимо хотя бы минимальное сведение. Первое, о чём стоит позаботиться, это баланс громкости инструментов в миксе. Практически не бывает такого, что все элементы с ходу звучат сбалансировано. Порой при успешном балансе громкостей дальнейшее сведение может уже не потребоваться или будет сведено к минимуму. Для сведения чаще всего используют следующий ряд обработок:

Всё это опционально и используется по мере нужды, но чтобы избежать частотных конфликтов эквализацию лучше применять всегда и на всех инструментах.

Mastering/Rendering (мастеринг/рендер)

Прежде чем рендерить трек (переводить в mp3/wav формат), следует его хотя бы минимально отмастерить. Без мастеринга громкость трека будет заметно уступать всем остальным, а сама композиция покажется некачественной.

В большинство секвенсоров плагины для мастеринга уже вшиты и обладают готовыми пресетами, так что для начинающих музыкантов достаточно будет просто подобрать подходящий. Какие-то из них могут обернуть микс в более лоуфайную оболочку, другие — усилить панч нижних частот, насытить верхние. Также увеличить громкость можно компрессором или максимайзером, но не стоит прибавлять громкость обычным ползунком Volume в децибелах. Это частая ошибка новичков, которая может убить весь микс.

Знание этих элементов, умение сочетать их между собой — это основа музыкального продюсирования. Именно эксперименты с разными комбинациями и вариантами звуков помогут начинающим музыкантам создавать новое звучание. Ещё больше этому поможет знание технических приёмов и секвенсоров (DAW). Подробную инструкцию с горячими клавишами и инструментами можно посмотреть на записи лекции после бесплатной регистрации на сайте BandLink в разделе «Курсы».

Подсайт развивается при поддержке «Яндекс Музыки»

Всего лишь несколько десятков лет назад процесс создания песни требовал от музыкантов серьезной подготовки. Как писать музыку без плагинов и многодорожечного секвенсора? Нужно отрепетировать материал до автоматизма, прийти на студию и сыграть все идеально ровно, синхронно и без фальши.
Затем появились компьютерные программы, а с ними возможность записывать множество дублей и редактировать дорожки (не резать пленку, а просто кликать мышкой). Сегодня же можно сделать хит не выходя из дома. Это подтверждается опытом многих современных артистов.

Что требуется для создания музыки?

Бесспорно, дорогая профессиональная студия обладает значительными преимуществами по части оборудования. Здесь вам предоставят просторные тон-залы с отличной акустикой, железные компрессоры и эквалайзеры, большой парк микрофонов, аналоговый пульт, хорошую контрольную комнату с несколькими мониторными линиями и многое другое.
Зато домашняя студия дает преимущества в плане скорости и бюджета. К тому же, если вы пишете электронную музыку только с помощью компьютера и плагинов, тон-залы и горы микрофонов вам не нужны. Ведь вы не собираетесь снимать скрипичный оркестр, барабаны или рояль. Запасаетесь только самым необходимым и работаете. Что входит в полный комплект оборудования для домашнего продакшена?

• Компьютер
• Секвенсор с плагинами
• Аудиоинтерфейс
• Мониторы
• Наушники
• Микрофон
• Миди-клавиатура
• Гитара, бас-гитара (если вы играете)
• Приглушенное помещение
• Стойки и провода

Сегодня, чтобы писать музыку собственного сочинения, не обязательно устанавливать на компьютер гигабайты программного обеспечения. Такой секвенсор, как Amped Studio, позволяет заниматься продакшеном прямо в окне интернет-браузера. Все необходимые функции, инструменты и плагины прилагаются. Здесь есть и редактор аудио, и миди-редактор, синтезаторы, семплеры, эффекты обработки. Так что, по сути, онлайн-секвенсор позволяет вообще обойтись без софта.
Какое еще оборудование не обязательно приобретать, чтобы писать музыку? Мониторы можно заменить хорошими наушниками. В этом случае не понадобится и акустическое оформление помещения. Если у вас нет миди-клавиатуры, просто рисуйте ноты карандашом в миди-редакторе. В Amped Studio можно одним нажатием рисовать целые аккорды. Микрофон пригодится, но только если вы планируете записывать вокал.
Как мы видим, для того чтобы писать музыку, достаточно только компьютера, наушников, звукового интерфейса и выхода в интернет. Но, если у нас нет мониторов и микрофона, то по большому счету и аудиоинтерфейс нам ни к чему. А получится ли сделать песню вообще без компьютера? Сегодня и такое возможно. Занимайтесь мобильным продакшеном на смартфоне или планшете.

Как писать музыку без компьютера?

Онлайн-секвенсор запускается через веб-браузер компьютера, ноутбука, планшета или смартфона. Следовательно, для написания песен вы можете использовать любое мобильное устройство, подключенное к интернету. Особых системных требований у таких программ нет. При этом не нужно скачивать софт, загружать библиотеки семплов, искать виртуальные инструменты и плагины эффектов.
Онлайн-формат помогает писать музыку быстро и без лишних действий. Музыкальные идеи часто приходят в самый неподходящий момент: когда под рукой нет компьютера с секвенсором, когда вы находитесь на прогулке, учебе или работе. Просто достаете смартфон или планшет, открываете сайт и быстро набрасываете мелодию, бит или хук. А через некоторое время, находясь дома, дорабатываете этот проект на компьютере.
Онлайн-секвенсор Amped Studio очень просто и понятно устроен, при этом он предоставляет все возможности для создания музыки. Работает в многодорожечном формате. Записывает аудио и миди с внешних источников. Редактирует аудио- и миди-клипы. Дает пользователю набор лупов, семплов и миди-паттернов. Имеет встроенные виртуальные инструменты и плагины. Только с помощью них уже можно писать музыку. Вот основной набор.

• Синтезатор
• Семплер
• Драм-машина
• Компрессор
• Эквалайзер
• Дилей
• Ревербератор
• Хорус
• Дисторшен

При этом к Amped Studio подключаются и VST с компьютера. Обычно у онлайн-секвенсоров нет такой функции. Еще одна нестандартная функция позволяет превратить напетую мелодию в последовательность миди-нот. И то, чего нет у стационарных программ: возможность работать коллективно над одним проектом с разных компьютеров. Распределите задачи в своей продакшен-команде и занимайтесь одной песней одновременно из разных мест.
Такой софт в первую очередь помогает писать музыку битмейкерам, композиторам и сонграйтерам. Отлично подходит и для аранжировки. Вокалист, гитарист и клавишник тоже найдут применение этой программе, так как здесь есть функция звукозаписи. Amped Studio пригодится даже микс-инженеру: здесь можно выстроить балансы и обработать дорожки эффектами.

Обязательно ли для создания музыки знать теорию?

Наверное, вас это расстроит, но без теории музыкант не может обойтись. Хорошая новость в том, что ее не нужно специально заучивать. Погружаясь в музыкальный мир, вы невольно знакомитесь с его понятиями и законами. Даже если вы не владеете терминологией, ничто не мешает вам сочинить мелодию. Некоторые музыканты отлично владеют техникой и быстро придумывают интересные ходы, но даже не знают, как их приемы называются в профессиональной среде.
Пока вы пишете музыку, вам приходится разграничивать мажор и минор (а затем и другие лады), знакомиться с интервалами, размерами, аккордами и т.д. Вы можете четко различать настроения, которые дают кварта и секста, но так и не узнаете, что эти интервалы называются именно так. Какие-то термины вообще знать не обязательно. Если вы обозначаете темп числом (например, 120 ударов в минуту), зачем вам запоминать, что такое «адажио», «модерато», «аллегро» и т.д.
Многие почему-то сомневаются, можно ли писать музыку без знания нотной грамоты. На деле сложно найти причастного к продакшену человека, который использовал бы в своей работе нотную запись, расставлял на линейках точки с флажками. А скоростное чтение нот с листа пригодится разве что музыкантам оркестра. Но не композиторам и аранжировщикам. Хотя знания могут облегчить и ускорить работу, а также сделать произведение более интересным.
Кто-то пишет музыку наугад, подбирая ноты на слух. Это тоже метод. Но тот, кто знаком, к примеру, с кварто-квинтовым кругом, интервалами, ладами, расположением диезов и бемолей в разных тональностях, сможет уже в голове подобрать все ноты и быстро найти их на клавиатуре или грифе. Когда у музыканта нет вдохновения, он может опираться исключительно на логику и знания, если владеет теорией. Это становится хорошим подспорьем. Но ни в коем случае данный момент не должен вас тормозить. Практика всегда на первом месте.

Из чего состоит песня?

Вся современные песни, рассчитанные на широкую аудиторию, собираются из повторяющихся паттернов. Чтобы писать музыку для песен, не нужно придумывать сложные композиции и закрученные сюжеты, как в детективных романах. Конечно, если речь не идет об опере или произведениях в классическом стиле. Вот основные части, из которых состоит типовая песня.

• Вступление (Intro)
• Куплет (Verse)
• Вход в припев (Pre-chorus)
• Припев (Chorus)
• Проигрыш (Bridge)
• Кульминация (Middle, Build-up)
• Развязка (Drop, Solo)
• Заключение (Outro, Coda)

Не обязательно именно так писать музыку. Не всегда используется кода: бывает, произведение завершается припевом или соло. Не везде вы услышите кульминацию. В каких-то песнях повторяются только куплет и припев, а аккомпанемент представляет собой сплошное зацикленное арпеджио. Вход в припев – это тоже необязательная часть. Но каждый возможный элемент композиции заслуживает внимания.
Вступление. Чтобы писать музыку, не обязательно следовать канонам. Многие хиты начинаются сразу с куплета, а некоторые даже с припева. В стандартном варианте интро совпадает с бриджем и кодой. Иногда оно повторяет мелодию припева, какой-либо мотив или один из хуков. Но может быть и совершенно уникальным.
Основная часть. Традиционный вариант, как писать музыку без финтов, – просто чередовать куплеты и припевы. Обычно их повторяют по два-три раза. Но все равно стоит создавать динамику и драматургию. Куплеты должны быть более спокойными, повествовательными, простыми, обычно они поются в низкой тесситуре и как бы создают декорации для главного действия. А главное действие – это припев. Он должен быть более энергичным, ярким, мощным, мелодичным, насыщенным по аранжировке, высоким по тесситуре. По сути на него и работает вся песня.
Pre-chorus. При создании музыки нередко эту часть опускают. Но с ней получается более драматично и интересно. Pre-chorus меняет настроение куплета на более напряженное. Он выступает в качестве перехода от спокойного периода к взрывному, готовит слушателя. Что-то вроде желтого сигнала светофора.
Build-up. Этот прием помогает писать музыку с еще более драматичным развитием. Это место представляет собой затишье, замедление, перемену настроения. Бывает, что здесь исчезает барабанная партия. Обычно меняется вокальная мелодия. Вариантов множество. Сменить минор мажором, сломать ритм, сделать брейкдаун, перебраться в другую тональность… Но можно и вообще обойтись без этой части.
Соло или дроп. Как писать музыку с гитарой в руках и не впасть в бесконечное соло? Помнить, что впереди есть специальное место, где соло-гитара развернется во всю ширь. В электронных направлениях соло нет, но на смену затишью и разгону приходит мощный танцевальный ритм с жирными синтезаторами – дроп. Иногда в этом месте слушателя ждет рэп, а иногда пустой прогон куплета.
Кода. Завершающей части при создании музыки обычно не уделяют много внимания. Здесь либо просто еще раз вставляют бридж, либо подводят соло к точке, либо делают еще один припев, на котором песня и заканчивается. Но все в ваших руках. Если придумаете уникальное завершение, будет круто.
Бриджи и перебивки. Сложно писать музыку, в которой одна часть красиво перетекает в другую. Да и не каждому слушателю такое понравится. После мощного припева нужен небольшой перерыв: просто аккордовый квадрат, бриджевое соло или другой проигрыш. А внутри каждой из частей обычно делают барабанные сбивки, хуки или гармонические микропереходы.
Развитие – один из основных принципов создания музыки. Мы поняли, что песня состоит из повторяющихся кусков. Но было бы скучно, если бы все было так просто. Второй куплет все же должен развиваться относительно первого. То же самое с припевами. Все время нужно что-то добавлять, чтобы слушатель не заскучал. В идеале каждый такт должно происходить что-то новое.
Как писать музыку, чтобы различались куплеты? Добавьте во второй куплет какой-нибудь мелодический инструмент контрапунктом. Добавьте перкуссию, ответные подпевки, вторую гитару. Уплотните бас. Приоткройте хэт. Немного измените гитарное арпеджио. Вставьте заполняющий пэд. Заставьте бас играть дополнительные вставки. Это работает и на припевах.
Не нужно использовать все сразу. Одного-двух приемов будет достаточно. Существует бесконечное множество вариантов, как писать музыку интересно. Придумать что-то новое – это и есть творчество. Чем больше оригинальных решений вы придумаете, тем лучше: творчество – это не повторение, а сочинение нового. Но повторы все же нужны, чтобы песня засела в голову.
Создание музыки – это баланс между проверенными методами и экспериментами, развитием и повторением. И это всегда обман ожидания. Слушатель привыкает к повторам, впадает в своего рода гипноз, но затем в звучании или композиции что-то ломается, и слушатель просыпается. Так мы держим его под контролем.
Инструментовка и аранжировка. Мы рассмотрели, как писать музыку, в динамическом аспекте. В синхронном же аспекте она состоит из инструментов и инструментальных групп. У каждой песни свой набор инструментов, который работает на протяжении всей композиции. Их костяк не должен меняться, иначе песня будет разваливаться и звучать странно. Что сюда входит?

• Вокал или синт-лид (это главная партия)
• Ритм-секция (барабаны и бас)
• Инструменты, поддерживающие ритм и гармонию (ритм-гитара, пианино, орган и многое другое)
• Второй соло-инструмент (соло-гитара, синт-лид, разговаривающий с вокалом, синт для дропа и другие мелодические партии)
• Заполнители (пэды, эффекты, перкуссия и прочее)

Чтобы писать музыку, которую приятно слушать, все партии нужно выстраивать в общей тональности, а также избегать диссонансов. Если два инструмента играют в секунду, тритон или септиму, это режет слух. Хотя, если эти интервалы сыграет один инструмент, они в определенном стиле и контексте могут звучать замечательно. Ритмических разнобоев тоже следует избегать.
Создание музыки – это процесс сплетения инструментальных линий между собой. Взаимодействие между инструментами здесь тоже ограничивается только вашей фантазией. Но есть несколько расхожих приемов. К примеру, гитара и бас-гитара могут вступать в диалог по принципу вопрос-ответ, образовывать общую мелодию или вообще играть в унисон (в песнях, построенных на риффах, это практикуется постоянно).
Как писать музыку с четким ритмом? Просто подстраивайте все элементы под ритмическую основу. К примеру, клавишную партию можно организовать так, чтобы она стала одним инструментом с барабанами. Кик обычно толкает бас-гитару, то есть попадает четко в ее акценты. Рисунок бас-гитары, в свою очередь, может частично повторять мелодию вокала. Вот мы и сплели музыкальную текстуру.
Когда пишете музыку придерживайтесь стилевых норм (или обыгрывайте их). Например, ска отличается четкой пульсацией гитары на каждую слабую долю. Фанковый бас любит синкопы. Во всякого рода металле нет аккордов как таковых, но паттерн здесь образуется риффом, который постоянно повторяется.
К слову о теории создания музыки. Вы только что встретили несколько специальных терминов, которые, возможно, нуждаются в пояснении. При большой заинтересованности вы отправитесь в поисковик, чтобы узнать, что такое «синкопа», «слабая доля», «септима» или «контрапункт». А затем попробуете освоить эти штуки. Так вы и будете постепенно знакомиться с теорией. Если же учить ее намеренно и без применения на практике, то толку не будет. Без закрепления теория быстро сотрется из памяти.

Как создается песня?

Писать музыку сегодня все равно непросто. Рядовому обывателю кажется, что самый магический, сложный и важный процесс – непосредственно сочинение. Для авторов, которые не занимаются продакшеном самостоятельно, возможно, это тоже верно. Но в реальности, прежде чем песня выйдет на широкую аудиторию, ее несколько раз переработают. Сырую идею ждет несколько этапов.

• Сонграйтинг
• Аранжировка
• Звукозапись
• Редактирование
• Сведение
• Мастеринг

В идеале писать музыку должен автор, аранжировать – аранжировщик, записывать – инженер записи, редактировать – помощник звукорежиссера, сводить – микс-инженер, финализировать – мастеринг-инженер. Но часто автор сам аранжирует свои песни, а один звукорежиссер занимается и записью, и редактированием, и сведением.
Сонграйтинг. Тому, кто пишет музыку, и принадлежит авторство. Автором становится тот, кто придумал мелодию вокала и простенький аккомпанемент на пианино или гитаре. При этом текст может написать уже кто-то другой. Затем песенный эскиз отправляется профессиональному аранжировщику.
Аранжировка. По сути вся магия создания музыки совершается именно на этом этапе. Аранжировщик подбирает инструменты, делает окончательную гармонизацию, придумывает музыкальные идеи, ходы и хуки. Только после его работы произведение начинает играть всеми красками.
Звукозапись. Под готовую аранжировку следует записать как минимум чистовой вокал. Если вы пишете музыку с живой инструментовкой, нужно также снять барабаны, гитары, скрипки, трубы, рояль и все, чем наполнил песню аранжировщик. Для этого уже нужны музыканты и студия.
Редактирование. Миди-партии легко квантизировать, а вот с микрофонными дорожками придется повозиться. Даже если вы пишете музыку только с вокалом, вам нужно выбрать удачные дубли, выровнять дорожку по ритму и громкости, подтянуть ноты, очистить партию от щелчков, стуков, шорохов и прочего мусора.
Микширование. Когда все дорожки приведены в идеальное состояние, с ними начинает работать звукорежиссер. Он выравнивает их по громкости, обрабатывает эквалайзерами, компрессорами, сатураторами, ревербераторами. Это тоже трудоемкий процесс, зачастую сводить не проще, чем писать музыку.
Мастеринг. Если звукорежиссер работает со множеством дорожек, то мастеринг-инженер получает всего один файл – готовый микс. Он доводит его звучание до идеала. В этом ему помогают дорогие мониторы, высококлассное оборудование и идеальная акустика рабочего помещения.
Продвижение. Этот этап вообще не касается того, как писать музыку. Но он не менее важен. Нужно помнить о нем и закладывать определенный бюджет на рекламу, акции привлечения внимания и размещение песни на стриминг-платформах. Иначе даже потенциальный суперхит рискует остаться без должного внимания.

Несколько советов на заметку

1. Не закапывайтесь в теорию. Начать писать музыку легко, если не стопорить самого себя мыслями о том, что ты чего-то не знаешь или не умеешь. Берите из теории только то, что требуется вам в данный момент. Обращайтесь к ней только тогда, когда чувствуете, что вам не хватает знаний.
2. Анализируйте любимые песни. Лучшее обучение – разбор хитов. Чтобы писать музыку как гении, нужно понять их логику. Разбирайте успешные произведения, пробуйте полностью повторить их, отмечайте для себя интересные решения. А при работе над своим материалом используйте референсы.
3. Стремитесь к оригинальности. Многим кажется, что для создания музыки все успешные авторы используют какие-то общие законы. Но если вы проанализируете несколько нетленных хитов, то поймете, что у каждого из них есть своя изюминка. Экспериментируйте и ищите то, что удивит слушателя.
4. Следите за трендами. Чтобы писать музыку, которая будет востребована сегодня, поймите, что нравится современному слушателю. Конечно, никто не хочет зависеть от чьих-то вкусов, но вы можете найти и то, что будет созвучно вашим собственным музыкальным предпочтениям.
5. Пишите музыку легко. Старайтесь делать аранжировку быстро, не зацикливайтесь и доводите дело до конца. Проблема многих музыкантов в том, что они на определенном этапе начинают утопать в незавершенных демках. Иногда стоит пожертвовать своим перфекционизмом.

И главный совет: действуйте. Не ждите, пока научитесь писать музыку, освоите теорию, запасетесь оборудованием своей мечты. Практика даст вам больше, чем любой плагин. Собственный опыт укрепится в вашем мозге сильнее, чем любые теоретические выкладки.
Нет мониторов – используйте наушники. Нет софта – откройте бесплатную версию онлайн-секвенсора. Сегодня достаточно включить компьютер, и вы уже имеете мощнейший инструмент для создания музыки. А со временем вы обязательно получите желанное оснащение. И к тому моменту вы можете уже быть крутым продюсером. Все зависит только от вас.