Как написать dungeon synth

Наивное искусство

В школе я увлекался тяжелой музыкой, и в частности блэк-металом — жанр притягивал подростка в пубертате своим броским нонконформизмом. В середине 2000-х я купил дешевенький синтезатор и начал активно заниматься музыкой «в стол» — записывал на диктофон мобильника свои «симфонические» попытки перевести блэк-метальную мрачность на язык синтезированных струнных и духовых.

Я не делился своей музыкой с кем-либо, но каково же было мое удивление, когда я узнал, что другие люди на протяжении 1990-х и 2000-х занимались буквально тем же самым и не робели — распространяли свои записи на кассетах (а потом и на дисках) в андеграунде метал-сообщества. И у этой странной музыки уже было название — данжен-синт.

Сперва данжен-синт может показаться комичным, потому что напоминает саундтреки стареньких RPG. Тут вместо живых инструментов играют топорно звучащие синтезаторные эквиваленты, выдающие любительскую «домашность» происхождения. Эту музыку, как и любое другое наивное искусство, делают в первую очередь «для себя». Искусствовед Ксения Богемская в своей книге пишет следующее:

Данжен-синт — это убежище в далеком вымышленном королевстве для музыкантов и слушателей, увлеченных блэк-металом, тянущихся к уединению, ностальгии по фэнтези-мирам и древним культурам. Нелепость звучания дешевых синтезаторов становится главным достоинством жанра, потому что своей игрушечностью напоминает о старых и забытых чувствах из детства.

В тени блэк-метала

Перед тем как стать предметом ностальгии, музыка данжен-синта долгое время существовала в состоянии безымянной разобщенности на периферии блэк-метал-сцены 1990-х. Сегодня альбомы этого периода называют «классическим» данжен-синтом, но тогда самого термина не существовало — его изобрели позднее.

Первые проблески будущего жанра можно найти в традиции инструментальных вступлений к блэк-метал-альбомам второй волны и особенно в раннем симфоник-блэке. Это сразу подводит нас к обстоятельству технического характера: речь идет о сцене, где открыто выступали против прилизанного звучания и находились в оппозиции к мейнстриму. Многие блэк-металлисты предпочитают записывать свою музыку в домашних студиях. И многие блэк-металлисты были тогда попросту бунтующими подростками. Поэтому речи о дорогом оборудовании и не шло. Но именно в конце 1980-х и начале 1990-х на рынке появляются первые доступные модели синтезаторов с семплами — ромплеры. Это и позволило делать инструментальные интро и целые электронные альбомы внутри блэк-метала.

Сама необходимость создавать инструментальную музыку продиктована интересом музыкантов сцены к фольклору, фэнтези, симфонической и традиционной электронной музыке. Среди источников вдохновения для классического данжен-синта были Tangerine Dream и Клаус Шульце, Жан-Мишель Жарр и Dead Can Dance, саундтреки к «Конану-варвару» Джона Милиуса и «Властелину колец» Ральфа Бакши. Сформировалось фирменное «подземное» звучание: мимикрия фольклорных, средневековых и ренессансных мелодий, произведенная в логике берлинской школы электронной музыки.

По-настоящему реализовать свои электронные задумки удавалось тем, кто решился на создание соло-проектов. Фронтмен из Satyricon в 1995-м выпускает первый и последний альбом под вывеской Wongraven. Двое музыкантов из Mightiest вместе и порознь в течение 1995–1997 годов создают череду проектов: Depressive Silence, Solanum и Gothmog. Наконец, Варг Викернес (Burzum), осужденный за убийство, в тюрьме записывает два культовых инструментальных опуса (1997–1999). Другие электронные альбомы от малоизвестных авторов-одиночек, рожденные и тут же забытые, тускло мерцают в тени блэк-метала.

Но самый главный вклад делает Ховард Эллефсен, басист Emperor, который в 1993 году покидает группу, чтобы основать собственный проект — Mortiis. Именно Mortiis образца 1993–1999 годов считается «отцом» данжен-синта, хоть сам музыкант долгое время об этом и не подозревал.

Свое раннее творчество Эллефсен называл dark dungeon music, однако этот термин не прижился. До конца 2000-х такую музыку именовали блэк-эмбиентом, просто дарк-эмбиентом, дарквейвом, неофолком или неоклассикой. Всё это время «почвой» для разрозненного, но всё же развития данжен-синта оставался блэк-метал. В странах, куда он приходил, со временем появлялись проекты-одиночки с синтезаторами и темной заунывностью. Они разбросаны по всему миру — от Северной Европы до Греции и Ирана.

Эта музыка могла так и остаться побочным продуктом блэк-метала, если бы не один энтузиаст, фанат Mortiis, который целенаправленно искал похожие вещи и решил поделиться результатом своих поисков с другими людьми через интернет.

Жанровый бриколаж

В марте 2011 года на просторах сети появляется блог под названием Dungeon Synth. Первый пост гласит:

Автор этих строк, Эндрю Вердна, рассказывает, что он пришел к такому названию и вообще к идее блога после того, как наткнулся на другой блог — Asmodian Coven. В нем Эндрю нашел много знаковых альбомов, которые окончательно убедили его в возможности опознать в этой массе забытой электронной музыки отдельный жанр. Нужно было только удачно его назвать. Сначала планировалось отдать должное Mortiis и использовать его формулировку dark dungeon music, но такое длинное название музыкальному стилю не шло. Эндрю опускает избыточные dark и music, остается dungeon. Слово synth добавляется для чествования ключевого элемента этого старого нового жанра — синтезаторов.

Вердна искал и связывался с действующими музыкантами, чтобы продвигать их творчество у себя в блоге, параллельно публикуя классический данжен. Он находил одиночек, которые занимались музыкой как хобби, добывал пыльные кассеты прошлого.

Он конструировал жанр из разбросанных во времени и пространстве осколков музыкальной культуры.

«Наивность» становится единой творческой концепцией. Блог активно велся вплоть до 2015 года, чтобы к 2018-му успокоиться в молчании (и в 2021-м неожиданно восстать из склепа).

Этого оказалось достаточно, чтобы познакомить многих музыкантов друг с другом и с концепцией самого жанра — лоскутное одеяло было сшито. Появились группы в фейсбуке, авторы начали создавать странички на Bandcamp. В России информацию о данжен-синте распространяют с 2012 года в одноименном паблике во «ВКонтакте». На ютубе с 2015-го вещает канал The Dungeon Synth Archives, который с тех пор привел в «подземную» тусовку многих людей. Основывают лейблы и веб-журналы. Прибывают новички, которые равняются уже не только на Mortiis и Burzum, но и на современные проекты. Выделяются тематические поджанры — винтер-синт и форест-синт, — где делают акцент на умиротворенность эмбиента и более светлую атмосферу. Повсеместным стал тег «фэнтези-синт», что говорит о желании музыкантов и слушателей еще глубже погрузиться в эскапизм.

Возможно, самый яркий эпизод в истории данжен-синта (по крайней мере в контексте никому не нужного завоевания мейнстрима) случился в 2020 году, когда вышла компьютерная игра The Longing. Ее автор, по всей видимости, осведомлен о данжен-синте и активно его слушает. Саундтрек, помимо того, что целиком исполнен по заветам самых темных подземелий, включает в себя треки таких данжен-проектов, как Spectral Kingdom, Vindkaldr, Dungeontroll и Erang.

Концепция игры максимально «в теме»: чахлый слуга, коим управляет игрок, дожидается пробуждения подземного короля на протяжении 400 дней реального времени.

Можно блуждать по огромным залам и исследовать пещеры без какой-либо цели — и всё это в полном одиночестве. Мрак, забытость и древняя крипта.

Смысловой мир жанра

Тексты, окружающие музыкальные проекты, — важное обстоятельство в восприятии самой музыки. В этом убеждаешься, послушав первые два-три десятка «подземельных» альбомов: повторяющиеся образы, апеллирование к одним и тем же эмоциям и местам, доминирование определенных тем. Это наиболее отчетливо заметно в альбомах, которые вышли после 2011 года, когда жанр расцвел (или был изобретен).

Я отобрал 500 названий данжен-синт-проектов. После сортировки повторяющихся в них слов выявилась пятерка лидеров: old (14), knight (14), tower (10), forest (10) и forgotten (9). Эти 57 слов неплохо намечают смысловой каркас жанра, который можно легко переформулировать в виде художественного образа: рыцарь у одинокой забытой башни посреди старого леса. 60% слов удалось объединить в три крупных семантических кластера: прошлое (187), уединенность (147) и мрачность (136).

Кластер «прошлое» включил в себя такие подгруппы, как фэнтези (77), религия и фольклор (44), магия (36) и Средневековье (30). Средиземье Толкина вдохновляет данжен-синт еще с 1990-х — люди, стоящие за музыкой Burzum (burz — «тьма» на одном из толкиновских наречий), Summoning и Mortiis, читали «Властелина колец». К 2021 году к литературному фэнтези добавились компьютерные игры вроде серий The Elder Scrolls и Dark Souls.

Волшебное фэнтези, язычество и увлеченность средневековыми мотивами в данжен-синте — это тихое эскапистское отшельничество и отказ от суматохи взрослого мира. Могущественные колдуны, процветающие королевства и мифические существа — всё это так или иначе артефакты ностальгии, то есть тоскливый взгляд в воображаемое прошлое и способ исключить себя из мучающего своей неопределенностью настоящего.

В кластере «уединенность» собраны следующие значения: природа (56), одиночество (36), неприступность (23), укромность (22), тишина (10). Именно родом из этого кластера оказался популярный knight. Рыцарь — это романтическая фигура одинокого приключенца, которому присущи черты маскулинности, чувство чести и ореол знатности: те свойства, которые слушатель хочет присвоить и тут же оплакать их недостаток в современном мире (судя по статистике пабликов, большая часть слушателей данжен-синта — мужчины).

В основном же уединенность достигается за счет упоминаний природы, каменных укреплений и подземелий. Так происходит конструирование символического пространства данжен-синта. Дремучие леса, туманные горы и ледяные сугробы — дикий пейзаж, в центр которого помещают древние замки и полуразрушенные башни с безмолвными катакомбами под ними.

Фантазм обособленности, нахождения по ту сторону урбанизированной современности, воссоздает позицию самого музыканта, который добровольно укрылся в своей комнате-келье.

Наконец, кластер «мрачность» окутывает нас темами ночи (55), покинутости (47), печали (18) и воинственности (16). После того как мы забрались в подземелья, башни и замки, обрели одиночество и отринули реальный мир — пришло время для сладкой меланхолии в свете луны. Старость и забытость, плач оставленного всеми, но и тайное наслаждение и эстетизация каждого момента этой печали. А на краю — боевая готовность отстоять свои границы и крепостные стены.

Другой источник для семантического анализа данжен-синта — самоописания авторов на Bandcamp и в пабликах, которые таким образом подкрепляют и разъясняют настроение своей музыки.

Читайте также

Настоящие панки — это готы. Ультимативный гид «Ножа» по готик-року, самому бескомпромиссному и непредсказуемому жанру в истории музыки

Например, на странице Aindulmedir в описании исполнителя оставлено короткое авторское послание — «зимняя музыка для библиофилов и отшельников». А у Old Tower под альбомом дается резкое идеологическое резюме: «Old Tower — это сопротивление современности и ее пустым ценностям, на которых построено наше общество». Любопытен альбом «Драконья кровь» (2021) питерского проекта Dragon’s Blood, так как его предваряет мистический пассаж:

Другой отечественный проект — Vongrath — дебютировал с описанием целой сюжетной канвы, стоящей за названиями треков. Музыка становится саундтреком к вымышленной истории:

Подобные мини-рассказы не редкость — так многие авторы пытаются концептуализировать свои работы. Иногда это сопровождается авторскими декламациями в музыке, но чаще вот такими текстами или просто названиями треков.

Визуальные образы жанра

Блуждая по сети и собирая данжен-синт-названия, я начал коллекционировать обложки с одинокими башнями, замками и их руинами. Уже через час у меня в папке набралось 121 изображение. Отчего такой интерес к башням и замкам в жанре, который в своем названии посвящен подземельям?

Во-первых, сделать удачную и наглядную репрезентацию подземелья не так уж просто. Пещеры, склепы и шахты не имеют границ в привычном понимании места как пространства со структурой «внутри — снаружи». Если же показывать подземелье изнутри, то его легко спутать с помещением обычного наземного строения (того же замка). А вот с башнями, например, достаточно одного силуэта.

Во-вторых, башне и замку удается соединить в себе темы уединенности, прошлого и мрачности. Башня — это не только тюрьма для принцесс, но и фэнтезийное обиталище магов — мудрых отшельников, которые потеряли интерес к мирской тщете и с головой ушли в старинные рукописи и запретные ритуалы. Замок, в свою очередь, уже давно воспет готическим романом и оброс таинственными и темными ассоциациями. В конце концов, подземелья — это в некотором смысле зарытые в землю крепости.

Дизайн классических данжен-синт-альбомов продолжает традиции второй волны блэк-метала и подпольного распространения музыки. DIY-эстетика кассетных релизов, нарочитый примитивизм, корпспейнт и общая черно-белая гамма. Это во многом обусловлено техническими ограничениями музыкантов-любителей в 1990-х, но такую стилистику намеренно повторяют и сейчас.

Вместе с тем в век цифровой дистрибуции появилось больше вариантов самовыражения благодаря онлайну. Можно быстро найти художника и договориться с ним об арте для обложки, легко получить доступ к огромному количеству цифровых изображений, а цветная печать уже стала частью домашнего быта. Состаривание и ухудшение качества изображений соседствует с использованием гравюр, книжных иллюстраций, картин классиков и оригинальных рисунков.

Визуальность данжен-синта повернута прочь от современности: причем это не столько удовольствие от вида древности, сколько укромное место для сеанса интроспекции и стремление к «простоте минувших дней».

Кроличья нора ностальгии

Сегодня данжен-синт можно назвать глубоко ностальгической музыкой, что выражается на многих уровнях: особенности звучания, семантика названий, оформление альбомов. И тогда можно не удивляться, что такой изначально мрачный и меланхоличный отпрыск блэк-метала со временем дал начало музыке, чья мелодичность и атмосфера оказались противоположны всякой мрачности и печали.

Часть этой тенденции наметили проекты, в которых авторы полностью отдались ностальгии по старым компьютерным и настольным ролевым играм. Готическую отрешенность сменила стилизация под былые детские увлечения. Например, проект Quest Master подается как «любовное послание к RPG 1990-х», а музыку Basic Dungeon описывают как «потерянный саундтрек к ролевой видеоигре из ранних 1980-х»:

Минималистичное восьмибитное звучание усиливает «игрушечность» такой вариации данжен-синта: это уже не эхо блэк-метала, а уютная музыкальная миниатюра; не фантазия о настоящем подземелье, а воспоминание об игрушечной модели подземелья из партии в Dungeons & Dragons.

Можно сказать, что игры сопутствовали данжену с момента появления первых альбомов — Варг Викернес с детства играл в ролевые игры, а теперь разрабатывает собственную. К 2011 году, когда жанр переродился, музыкой занялись те, кто в 1990-х и 2000-х уже были заядлыми геймерами. Всё это вылилось не только в скромное упоминание игр как источников вдохновения — дошло до того, что делаются саундтреки специально под конкретные игровые модули в духе ранних редакций D&D.

Лучше всего сущность этого поворота в сторону ностальгии по детству изобразил автор проекта The Wandering Knight, который самостоятельно изготовил обложку для альбома Road to the Adventure (2020):

Это оммаж детским рисункам, по которому разбросаны памятные артефакты среднего слушателя данжен-синта: винил с альбомом Burzum, игровая консоль и миниатюрное средневековое снаряжение, которым вооружился человечек с улыбкой.

В это же время появляются проекты, посвященные динозаврам. В шутку или нет, но такой поджанр тут же окрестили диносинтом. Эту тематику можно найти неожиданной, но на самом деле она прекрасно укладывается в логику ностальгии: некоторые мальчики в детстве сильно увлекаются динозаврами — читают красочные энциклопедии и собирают фигурки древних рептилий.

К концу 2019 года в данжен-синт-кругах накопилось достаточное количество альбомов с подобными ностальгическими нотками, чтобы в этом усмотрели отдельное явление. К стареньким видеоиграм добавились альбомы об уютных коттеджах, маленьких пекарнях и спящих собачках. В январе 2020 года на ютубе появился канал The Comfy Synth Archives, где происходит то же самое, что и в блоге Dungeon Synth в 2011-м, — жанровый бриколаж, коллекционирование музыки определенной стилистики и настроения. Из лоскутков шьют новый концепт.

Может быть интересно

Как правильно понимать блэк-метал. Фетва Лорда Тритогенона против ересиарха Сергея Мохова

Летом 2020 года на Bandcamp выходит статья о новом жанре, что дает финальный толчок к формированию полноценной «сцены» внутри данжен-синта.

Комфи-синт — это добрые звуки наивного, ностальгия по семейным вечерам, домашним праздникам и бабушкиным сказкам.

Несмотря на то, что большую часть подобной музыки сейчас делают те же данжен-музыканты, комфи-синт имеет мало общего с интро блэк-метальных альбомов. Сохранились общая простота и лоу-фай-дизайн, но в остальном авторы теперь вдохновляются музыкой мультиков, детскими книжками и семейными воспоминаниями. Средневековый макабр заменили викторианской эстетикой, а башни и рыцари уступили место пасторальной идиллии и рождественской елочке.

«Детская музыка для взрослых людей, разочаровавшихся в жизни» — так кратко и удачно подытожили суть комфи-синта в маленьком и пока единственном паблике с подобной музыкой во «ВКонтакте».

Комфи-синт — это ответ на вопрос, что делать, если Средневековье всё-таки давно прошло, а магии никогда и не существовало. Ответ комфи-синта — окуклиться в детском, вернуться туда, где всё началось, в удостоверенный собственной памятью и чувствами мир без забот и волнений. Если данжен-синт — это концептуальное «нет» современности, то комфи-синт — почти панический удар наотмашь и последняя надежда стареющих металхэдов на спокойствие.

2022-01-08 • 8 min read

Last week, on December 30th 2021, the Milan-based dungeon synth label Heimat der Katastrophe released the fifth edition of their Dungeon Synth Magazine series. This is a series of albums released on cassette tape, each comprising four tracks by four different artists, and each accompanied by a short story in the tape booklet. They usually sell out in no more than half an hour. What’s special for me about this fifth edition of the magazine is that one of the tracks on there is mine, the first track on the A-side, by ICEWIND DALE. (I have indeed named my dungeon synth project after the video game series.) The piece gets its title from the accompanying story, “A Distant Apocalypse” (henceforth ADA). You can listen to it here.

In this post I will outline my method for making dungeon synth, in the hope that it might inspire somebody else, with the obvious caveats that this is just one way of doing it and that I am far from the greatest or most experienced dungeon synth producer.

The general way of it is this. First I compose the thing in MuseScore. At some point I export that to a MIDI file and put it in Ableton Live, where I choose instruments, add effects and mix everything. Then follows a period where I go back and forth between writing notes in MuseScore and changing sounds in Live. When the thing near completion, I add ambience sounds in Live. Then I listen, change things, listen more and change more things until I am happy with it.

Composition #

The method I use to actually write notes is derived from Alan Belkin’s compositional method.^[1] I do this in MuseScore – in other musical projects, I play instruments live, or try to play rather, but when I make dungeon synth, I compose purely on the computer. Here are the preparatory steps, where about half of the composing work is done:

1. Make several varied sketches of musical ideas, things like brief motives or melodies or chord progressions. The more, the better.
2. Select the most promising of these.
3. Expand the chosen ideas into longer sketches, something that could be a small section in a final piece, ideally with several sketches for each idea.
4. Select the passages that will make up the main themes and determine how to order them.
5. Plan a beginning, climax and ending.

At this point, I probably will have written these sketches only in a single instrument, like a piano or an organ. Here are some harmonic sketches that I made for ADA:

(I write all my music in various synthetic scales, which I have rebaptised with more evocative names. I originally generated these scales via operations that Godfried Toussaint used in describing what he called Euclidean rhythms^[2], and only then discovered that they already had names. What I call the Carpathian mode of the Montane scale is really Dorian ♭2, and what I call the Andean mode is the half-diminished. ADA is written in the Carpathian and Andean modes. I like writing in synthetic scales because of their inherent dissonance.)

Having finished the preparatory work, I move the selected passages to a new document and begin work on the final composition. I expand the passages to use more instruments (see the next section). I leave space for a beginning, an ending, planned repetitions and connective passages, and then gradually fill these with music. Most musical forms involve repetition, so there is actually less work to be done here than it might at first seem.

Musical form is recursive: larger forms are often constructed by combining smaller forms. They are boxes that contain other boxes that in turn contain further boxes. More atomic forms are simple phrases, brief musical passages that make some kind of sense on their own. Phrases are themselves made up of motives, which are even smaller units. I find that this is a useful framing, because problems are more easily solved when decomposed into smaller subproblems, and that is what this allows us to do with the problem of musical form. ADA is written in sonata form, with an introduction, two themes, a brief development and a recapitulation where the two themes are repeated with only minor changes. The first theme is in AA’A’’ form. The second theme is in ABA form. And these smaller segments are themselves made up of even smaller cells.

When writing music at this stage, I try not to invent new musical ideas or motives. There is enough material in the passages I already have. The final composition will be more unified if I base introductions, codas, transitions and everything else on the motives and ideas that are already there. It is easy to generate new variations of motives, for instance by changing the rhythm, shifting it to other beats, removing notes, adding ancillary notes, changing the order of notes, embellishing and ornamenting, adding upbeats, changing the harmony and so on.

How does that work in practice? For ADA, for example, I wrote the introduction partly inspired by the introduction of Brahm’s Symphony No. 1, it’s true, but really using only motives based on ideas occurring later on. For example, the dactyl rhythm in the timpani is taken from the first theme, and the very first notes of that theme, which appear just as the introduction has ended, are the model for the ascending line in the harp-like instrument of the introduction.

The thing I find most pleasurable here is writing transitions between two contrasting passages. When doing this, I again follow Alan Belkin’s advice:

1. Find the differences between the two passages.
2. Proceed by changing only one element at a time.
3. Introduce the new ideas while at the same time recalling something already in the listener’s memory.

I don’t write music from beginning to end – I just start editing or continuing on a section that I feel like editing or continuing on. I work on a passage until I am happy with it. If I cannot become happy with it, I delete it and start over. Deleting passages can and should feel liberatory.

Instrumentation #

The dungeon synth I make is mostly orchestral in style. Some of it I suppose you could call chamber music. But these comparisons with traditional European art music are flawed, because dungeon synth is made almost exclusively with synthesisers, which sound very different from traditional instruments like violins or flutes. A symphony has many individual parts and is scored for an orchestra with many instruments. If you try to make a track with that many synthesisers, it will probably sound like a mess, because synthesisers are really rich, full-bodied and laced with overtones. What’s more, synthesisers are usually not recorded in a giant hall, so they sound much closer than orchestral instruments.

The lesson being: for dungeon synth, I find, you can get away with scoring music for only a few parts. I wouldn’t use more instruments than I did for ADA, which I scored for bass flutes, bass oboes, tenor voices, strings, harpsichord and timpani. The precise instruments don’t matter – it’s just important that they sound something like the synths I have in mind for each part in the final piece.

Orchestration #

So at some point, as I am writing the music, I want to get an idea of how it will actually sound with real synths instead of MuseScore’s shoddy MIDI instruments. So I export the project to a MIDI file and import that file into Ableton Live^[3]. (Actually, after exporting and before importing, I run the MIDI file through a neural network of my creation that assigns velocity values to all notes, in other words “humanises” the music. This step, though it adds a lot, can be skipped.) In Live, I experiment with various synths for various instruments. I usually use presets, and only sometimes modify these. I think I often try over a hundred presets from various synths until I find something I am happy with.

This, for me, is the hardest and – maybe not coincidentally – least fun part. But it is important. I find that you can do almost anything in the previous steps and still have it sound like dungeon synth with proper orchestration. Dungeon synth is really an atmosphere more than a style of music, and this atmosphere is based largely on timbre.

I own a few hardware synths but for dungeon synth I only use software synths. Some of the ones I use are:

• Korg M1
• OB-Xd
• Erang’s dungeon synth sample packs

For ADA, I ended up using one of Erang’s string pluck samples for the harp-like instrument and various Korg M1 sounds for the other parts: “Morocco” for the bass flute, “Vel.-Choir” for the bass oboe, “Timpani” for the timpani, “MassiveChoir” for the tenor voices, “Stringorch” for one string part and “Orchestra1” for another string part.

I also add atmospheric sounds at various parts of the track. These are usually sampled recordings from fantasy video games.

Mixing #

The main goal I have with mixing is to give the thing clarity and to make it possible to hear the individual parts – why write passages in a contrapuntal style if the listener can’t hear it? This is kind of difficult with dungeon synth, which tends to sound pretty murky. I don’t have a solid way around this. I usually just tweak stuff until I have reached something like a compromise. Some less obvious things that I find helps give clarity and just generally create a nice sound:

• I turn the lower frequencies mono for all tracks. This makes the mix sound less muddy. You can do this with sends and buses, but I use a plugin called VUMTdeluxe which makes it easy.
• I make heavy use of equalisers, sometimes just to shape the sound of a synth or sample, but sometimes also to give clarity to the mix. This is an old piece of advice, but one thing that works well is, instead of boosting some instrument that is hardly audible, to attenuate some other instruments in the overloaded frequency range.
• I distribute the instruments in stereo space, panning some somewhat – not too much – to the left and some somewhat – not too much – to the right, following the ideal of the symphony orchestra.
• I use a single reverb, put in a bus channel with sends from all instruments leading to it, for the whole track, again to simulate the sound of a symphony orchestra, where there is only the reverb of the orchestra hall. That is, I don’t put reverb effects on the individual instrument tracks (though sometimes a preset uses the synth’s reverb module, in which case, eh, if it sounds good, I’m not going to be a purist about it …). Impulse Record’s Convology XT is an excellent reverb plugin.
• To reduce the problem that comes with the really rich and full-bodied sound of some synths, I use TDR Labs’ Proximity plugin, which does a bunch of stuff like filtering and attenuating the sound to make it appear more distant.
• I use the Waves’s J37, PuigChild and CLA-76 plugins to introduce warmth.

I am not an expert at this stuff, however, so take my advice with a grain of salt. In a perfect world, I could outsource this too to an AI.

Conclusion #

If this all sounds like a lot of work, that’s because it is. I spent many many hours making ADA, which is only 15 minutes long. It tries to optimise for quality, not quantity. If that seems daunting, try using this method to make a very short track, maybe with only two brief contrasting themes, or even with just a single theme (though even in the shortest of pieces you will need some contrasting material). At worst, you will have composed a miniature. But compositions have a tendency to expand organically as you create them, and you may well end up with a longer piece by accident, so to speak.

1. Belkin, A. (2018). Musical Composition. Yale University Press. ↩︎

2. Toussaint, G. T. (2005, July). The Euclidean algorithm generates traditional musical rhythms. In Proceedings of BRIDGES: Mathematical Connections in Art, Music and Science (pp. 47-56). ↩︎

3. I don’t necessarily recommend Ableton Live over other, similar products. It’s just what I’m used to. I used to use Logic Pro and that was fine, too. ↩︎