Как написать хорошую музыку

Эта статья написана для тех, кто только начинает писать музыку и столкнулся с непониманием, почему музыка не получается. Исходя из своего опыта, я расскажу, как быстро научиться писать хорошую музыку и создавать качественные и уникальные композиции.

Заодно мы поговорим о ментальных проблемах и путях их решения — я сам сталкивался с такими проблемами и искал способы их побороть. Текст пригодится не только музыкантам, его можно применять и для смежных видов творчества, ведь суть там будет почти та же.

Статья не расскажет, как работать с клиентами и как продвигать музыку. Она для тех, кто застрял в творческом кризисе, не понимает, как развиваться в своих потоках и не хочет всё забросить, сломавшись под грузом стресса.

Предисловие

На свой первый альбом (послушать его можно здесь) я затратил много сил, а по ходу работы наступил на кучу граблей. На мой взгляд, альбом провалился по той причине, что я не умею продвигать музыку и у меня нет маркетинговой стратегии. Так или иначе, но в написании музыки я наступил на достаточное количество граблей, чтобы рассказать, как их избежать.

Для начала: бесплатный трек из моего первого альбома.

Прослушав мои музыкальные работы, не в первый раз люди задают вопросы наподобие:

О, круто, ты закончил консерваторию, наверное? У тебя есть музыкальное образование? Где ты этому научился? Наверное, музыкальную теорию хорошо шаришь?

Ну, нет. Я нигде особо не учился. Музыкального образования у меня нет. Я не то, что музыкальную теорию не знаю, я даже сольфеджио почти не знаю. Однажды думал подучить сольфеджио, но звуковик, с которым я работал, мне сказал: «Тебе поздновато сольфеджио учить».

В общем, всему этому я научился за два года. В чём мой секрет? Просто интенсивно задрачивал черновики и научился как-то. И всё, вот и весь секрет.

Но тебя, скорее, интересуют другие вопросы:

1. Как научиться так же быстро?
2. Что нужно совершить, чтобы уметь так же?

Вот мои тезисы.

Не загоняйся по теории, учи только базу

Для опытного музыканта этот заголовок может показаться какой-то шуткой, после которого он посчитает меня некомпетентным чмом. Как это: без теории писать музыку?! Ты что, сошёл с ума?!

Безусловно, теория помогает разобраться, как устроена музыка. Но есть одна закавыка: чтобы научиться писать музыку — её нужно писать. Зеленые композиторы, которые только начинают свой путь в музыке, пытаются углубиться в теорию в надежде найти какую-то совершенную формулу, по которой они сделают музыку хорошо.

Дело в том, что сама по себе музыкальная теория не научит писать музыку — она лишь поможет понять, как описать какие-то свойства музыки, но не более того. Поэтому в неё стоит заглядывать, если хочется понять, как и почему у тебя что-то работает.

Теория — это своего рода справочник того, что можно понимать абстрактно и делать импульсивно. У музыки настолько низкий порог вхождения, что можно легко научиться ей без этого самого справочника. Заглядывать в него нужно только по необходимости или в тех случаях, когда появляется желание разобраться в конкретных деталях. Зачем знать весь справочник, если ты можешь смотреть в него время от времени?

Знание теории не гарантирует, что ты станешь вторым Моцартом, поэтому ничего страшного не случится, если ты не будешь знать весь пласт сольфеджио, который преподают в музыкальной школе или консерватории. Даю слово!

В общем, можно изучать теорию сколь угодно долго, но без практики в этом нет никакого смысла.

Тогда как же научиться писать музыку? Одни с боем прорываются через неизведанное и всё изучают самостоятельно методом проб и ошибок. Другие обращаются за помощью ментора и справочника. Но так или иначе, всё сводится к следующему пункту.

Используй референсы

Когда я только начинал писать музыку, то вообще не думал быть каким-то оригинальным и особенным. Я просто брал любимые треки и пытался перенять из них идеи/трюки в свои композиции.

На мой взгляд, для новичка это самый удачный путь: так ты изучаешь, как работает музыка на примере того, что тебе по душе. В итоге ты начинаешь разбираться в том, как устроен тот или иной стиль, как работают какие-то приёмы. Вместе с этим появляется понимание, как использовать эти вещи в своём творчестве.

В самом начале музыкального пути нужно собрать пять-десять песен, которые нравятся тебе больше всего. Пусть это будут треки, в которых ты нашёл что-то особенное для себя. Эти песни нужно вдумчиво послушать и выявить в них те идеи, которые привлекают тебя больше всего. Их-то и нужно пробовать повторить.

Мотивы и мелодии желательно учиться писать самостоятельно, не оглядываясь на кого-то. Если не получается, то списывай их. Твоя задача в том, чтобы понять, почему они работают. Если это сложно — подглядывай в «справочник» или просто повторяй чьи-то мотивы, а затем пробуй переделать их под себя.

Можно ли считать всё, что получится в итоге, хорошей музыкой? Условно, да. Люди, которые услышат твою работу, заметят то, что им очень нравится и нравится тебе. Здесь проявится мнение большинства: те, кто уже много слышал какие-то стили или приёмы, услышат их в твоей музыке снова и, скорее всего, будут этому рады. Значит, музыка с большой вероятностью будет хорошей.

Получив абстрактное представление о том, как устроены и как работают референс-треки, ты будешь способен делать не уступающую по качеству похожую музыку в короткие сроки.

Вспомни, как ты учился разговаривать, когда был ребёнком: ты слушал папу и маму, братьев и сестёр, крёстных и соседей. Ты слушал, как они разговаривали и пробовал говорить так же.

Чего точно не стоит делать, так это говорить, какая именно музыка послужила референсом, особенно если ты планируешь получать от музыки финансовую выгоду. История знает немало случаев судебных разбирательств на этой почве, поэтому язык лучше держать за зубами. Пусть люди сами гадают, чем именно ты вдохновлялся.

На всё это мне могут возразить, что в таком случае музыка становится какой-то комбинаторикой и теряет оригинальность. Что делать?

Проблема оригинальности

Под оригинальностью обычно понимают что-то уникальное и подлинное. Следовательно, чтобы сделать оригинал, нужно понять, как устроено то, что уже существует, чтобы неосознанно не изобрести велосипед.

Креативность не умеет создавать оригинальные вещи из вакуума. Мы не можем сделать что-то новое из ничего, поэтому создание чего-либо нового возможно только из того, что уже существует.

Для создания оригинальных вещей нужно научиться собирать в единое целое то, что ты уже умеешь и то, что ты уже знаешь. Итог и будет тем самым новым, оригинальным и уникальным. Я не просто так предлагаю учиться писать музыку с нуля по референсам: зная, как устроена чужая музыка, собирая и компонуя приёмы и стили из чьего-либо творчества, ты создаёшь новую, оригинальную музыку.

Вместе с этим уйдёт иллюзия создания оригинальной вещи из вакуума. Твоя креативность всегда достаёт из сознания куски мелодий, которые ты уже сто раз слышал. Это неизбежно.

Написав музыку «из головы» и показав её с горящими от радости глазами другу, ты с большой долей вероятности услышишь от него: «Чувак, это же Металлика!». Сразу за удивлением от его реакции ты испытаешь разочарование от мысли о том, что свою музыку ты не придумал, а списал с чужой мелодии. В общем, чтобы не обманывать себя и облегчить свою жизнь, запомни, что оригинал нельзя сделать из ничего.

Люди ещё не раз скажут, что они всё это уже слышали, нот всего 12, а все аккорды и ходы давно известны. Что это скажет о тебе, как о композиторе? То, что ты не единственный, кто учился, слушая вдохновителей. Тысячи композиторов писали схожие треки, даже не осознавая этого. В общем, помни об этом и не списывай, обводя по трафарету.

Для раскрытия темы референсов приведу в пример видео, в котором показано, чем вдохновлялся композитор Кодзи Кондо, написавший музыку к Super Mario, Legend of Zelda и Metroid:

Итак, достаточно ли сбора референсов, чтобы научиться быстро писать качественную музыку? Нет, пригодится ещё кое-что.

Научись пользоваться стандартными инструментами DAW

Начинающие часто грешат тем, что ходят по онлайн-магазинам программного обеспечения в поисках некой волшебной таблетки среди плагинов и библиотек, которая уж точно сделает их музыку хорошей.

Конечно, далеко не все решения внутри используемой DAW могут быть удачными. Часть инструментов просто не представлена в функционале программ (привет всем пользователям Reaper!). Но, как бы там ни было, для начала лучше научиться работать с тем, что есть.

Не нужно покупать или скачивать очередной эквалайзер, если он и так присутствует в твоей DAW. Научись для начала пользоваться стандартными решениями.

С виртуальными библиотеками музыкальных инструментов и наборами сэмплов вопрос обстоит чуть сложнее, но и здесь, как правило, любая DAW предлагает достаточно контента для старта. Если хочется научиться писать, то лучше пользоваться встроенными решениями.

Желательно дополнительно ограничить себя в количестве инструментов и голосов. Для себя я решил вопрос радикально: я пишу всю музыку на 5-7 дорожек, в каждой использую обычную квадратную волну. Зачем? Это помогает абстрагироваться от технических вопросов вроде общего звучания и сведения, и помогает слышать ошибки в написании композиции. К тому же, ограничив себя, я не буду понтоваться саунд-дизайном, а сконцентрируюсь на аранжировке.

Только после того, как трек будет написан, я начинаю подбирать инструменты, делать реаранжировку, работать со звуком, чтобы обогатить свою музыку. Работать проще и удобнее, когда есть какой-то готовый скелет, на который ты уже нанизываешь звуки.

К тому же так я не страдаю от поиска ответа на вопрос, почему музыка вдруг не работает — из-за не правильно подобранного инструмента или плохой мелодии. В общем, так легче понять, что именно работает не так, и сделать так, как нужно.

Правильный ли это подход? Я не знаю, каждый решит сам. Возможно, ты найдёшь более подходящее решение. В любом случае, когда я ещё не умел в баланс громкости, не знал, как работают инструменты, не умел в динамику и ноты, такие ограничения сильно помогали мне прокачаться в вопросе написания.

Но, эй, я хочу гитару! Дайте мне гитару пожалуйста, хочу гитару в своём треке! Что делать, если мне хочется гитару? Если тебе захочется использовать в треке или мелодии определённый инструмент (ту же гитару), то стоит изучить, как этот инструмент работает, и как на нём играют.

А ещё лучше самому приобрести инструмент и освоить его — понимание появится намного быстрее. При приемлемом понимании сути инструмента можно писать черновики через его призму — это хороший подход.

Экспериментируй

Мало просто собирать кусочки идей чужих произведений, нужно ещё пробовать свои варианты. Как? Просто «методом тыка», серьёзно. Референсы помогут ускорить процесс обучения и производства музыки, но экспериментировать всё равно нужно. Ты никогда не узнаешь, какое решение подойдёт, поэтому нужно пробовать снова и снова.

Вместе с этим также растёт понимание, как сделать лучше и быстрее. Всё это хорошо аккумулируется в голове, а с новыми решениями писать музыку становится легче и проще. За последние два года я написал больше 70 черновиков, я много пробовал и изучал, и всё это сказалось на скорости производства.

Учись писать музыку быстро и своевременно

Если твоя музыка работает только по будильнику, то вряд ли тебя ждёт что-то хорошее в музыке. Нужно уметь писать сразу, при первом желании или предложении заказчика. Чем быстрее ты напишешь композицию, тем лучше.

К сожалению, людей слабо интересует, как долго ты писал музыку. Намного важнее для них контент — итог твоих стараний. Чем больше контента ты способен сделать, да ещё и по щелчку пальца, тем больше будет охват аудитории. Поэтому важно найти баланс между качеством и скоростью.

Задай себе условный срок: например, написать трек за месяц. Постепенно сокращай время: две недели, неделя, половина недели, день, половина дня, пару часов, час. В процессе обязательно оцени, как устроен твой проект, подумай, что можно сделать, чтобы разработка мелодии ускорилась. Повторяй попытки и анализ до тех пор, пока не будешь уверен, что достиг необходимой скорости производства.

Не зацикливайся на какой-либо проблеме, если что-то не получилось. Намного важнее завершить работу в срок, получить законченный трек. Проблему исправлять стоит в новом треке, не затягивая производство той песни, над которой работаешь сейчас.

Обычно в ответ на это мне говорят: «Зачем? Может, я просто хочу почилить, написать музыку по фану и без спешки». Но ведь в этом и вся прелесть! Разобравшись, как устроена музыка, собрав логическую цепочку из своего опыта, ты научишься по фану и чилу писать музыку чуть ли не за день (вечер, час, полчаса). Зачем писать музыку долго, когда можно получить результат здесь и сейчас, и быть удовлетворённым этим?

Писать музыку быстро легче, чем мучиться с ней длительные сроки. Пусть творчество станет гладким и хорошо изученным путём, который ты практически не ощущаешь — так музыка и будет весёлым времяпрепровождением.

Используй всё новое как стрессовый барьер к первым шагам

Конечно, для новичка путь будет связан с ошибками и стрессом, которого захочется избежать. Всё новое — неизбежный стресс и боль для головы. Стресс и боль будут сильнее только по одной причине: если откладывать новое на потом.

Преодолеть барьер к новому довольно непросто. Решение — кристальное, как горная вода: начни заниматься новым прямо здесь и сейчас.

Звучит просто, но очень важно научиться брать инициативу. Откладывая, ты только усиливаешь стресс. Можно бояться несколько дней, недель и месяцев, и так и не начать ничего делать. Но ты же определённо хочешь начать?

Как скоро прекратится стресс и уйдёт боль, никто не знает. Всё зависит от твоей настойчивости. Возможно, тебе придётся помучиться пару недель, чтобы начать. Возможно, времени потребуется больше. Тебя будут расстраивать результаты и то, что некоторые вещи не получаются, и в какой-то момент мозг просто скажет: «Забей! Вот, посмотри, что интересного в Твиттере и Инстаграме. Посмотри этот фильм, съешь мороженое и забудь».

Все эти отвлекающие факторы принесут удовольствие, но только в краткосрочной перспективе. Удовольствие уйдёт так же быстро, как пришло. Поэтому нужно пробовать и не останавливаться на достигнутом, так как именно достижение желаемого результата принесёт удовлетворение в долгосрочной перспективе. Удовольствие от сделанной работы не уйдёт ещё несколько месяцев.

Да, это тяжело, но оно того стоит. Кто знает, может, стресс продлится неделю, а может месяц? Как же этот срок сократить?

Помни, что чем чаще влезаешь в новое, тем проще превозмогать стрессовый барьер.

Итак, ты чему-то научился, у тебя начинает получаться, стресс сходит на нет, в голове становится легче, а от прогресса и результатов начинает вырабатываться дофамин. Это супер, но всегда остаётся что-то, что надо попробовать, чтобы зайти дальше и уметь больше.

И тут нас снова ждёт стресс, снова боль и всё по кругу. Закончится ли это когда-нибудь? Да, ведь стресса и проблем становится меньше каждый раз, когда ты без страха влезаешь во что-то новое. Через какое-то время это новое будет ощущаться интересным приключением, которое даёт куда больше дофамина, чем стресса. И тебе уже ничего не будет страшно. Останется только ускорить процесс обучения и довести навыки до автоматизма.

Нейроны и синапсы

Вместе с этим ты столкнёшься с другой проблемой. В голове появятся вопросы «Зачем я это делаю?» и «Зачем мне оно?». Ответы на них ты, скорее всего, не пытался искать.

Чем меньше у тебя ответов на эти два вопроса, тем слабее твоя мотивация и цель. А значит, всё развалится как карточный домик, ведь ты не знаешь, зачем занимаешься музыкой.

Следом появятся и другие непростые вопросы: «Почему я забываю то, что выучил?», «Кто я?», «Что я здесь делаю?», «Почему не могу просто забросить творчество?».

Наш мозг — это всего лишь куча нейронов внутри черепной коробки. Эти нейроны обладают какой-то частью информации, но не всеми данными. Чтобы построить полную картинку, нужно соединить нейроны вместе, чтобы получились синапсы. Последние генерируются мозгом постоянно, когда мы учимся чему-либо. Нейроны же генерируются при отдыхе, общении с людьми и физических упражнениях.

Нужно помнить, что мозг не способен постоянно создавать синапсы, ему нужен отдых. Поэтому, если ты выучил что-то новое, стоит это закрепить практикой, а затем на какое-то время расслабиться, пока мозг не склеит новые связи во время отдыха. Со временем мозг научится создавать синапсы на автомате, стресса станет меньше — именно поэтому стоит чаще влезать во что-то новое, и именно поэтому стресса становится меньше.

Повторяй на практике старое, чтобы укрепить синапсы, ведь «повторение — мать учения».

Забыть что-то станет сложнее, если постоянно повторять это. А если что-то всё-таки забудется, то это, скорее всего, было тебе не очень нужно. Ничего страшного: всегда есть справочник, в который можно подглядеть.

Остаётся только решить, зачем ты пишешь музыку. Может, тебе это просто нравится? Или ты хочешь стать популярным композитором? Может быть, ты хочешь кого-то радовать своим творчеством? Ты должен найти ответы за год, пока занимаешься музыкой. Год — достаточный срок для поиска ответов на эти вопросы.

Если не найти ответ, то появляется огромный риск всё забросить, ведь ты не понимаешь, зачем тебе это нужно. Получить ответы до старта очень сложно, так как у тебя пока что нет результатов, а значит нет и представления о том, зачем ты этим можешь заниматься. Когда у тебя нет объяснений, очень сложно начинать что-то новое или продолжать старое. Тебе придётся пройти через стену стресса, чтобы найти ответы.

Механизмы наград дофамина

Не менее важно снимать стресс и получать удовольствие от процесса и результатов. Значит, тебе нужно найти способы получать дофамин.

Мы уже разобрались, как работают нейроны и синапсы, теперь нужно поговорить о нейропластичности. Это такая штука, которая даёт возможность восстанавливать потерянные синапсы гораздо быстрее.

Существуют два способа запустить нейропластичность: фокус (сознательное усиление) и чувство срочности. Мы уже поняли, почему так важна срочность и сфокусированность в написании музыки, поэтому не будем повторно говорить об этом.

Так или иначе, но оба пункта не работают без дофамина. Мозг должен вырабатывать его, получая дофамин от твоих успехов в музыке. В итоге достижение цели заставляет тебя копать дальше, ведь стресса становится меньше, а удовольствия — больше.

Существуют два типа механизма наград дофамина — внешние и внутренние. Первые появляются, когда тебя хвалит кто-то другой. Вторые — при самостоятельной оценке своих результатов.

Внимание нужно концентрировать на внутренних механизмах, так как внешние будут с тобой не всегда. Чем больше внутренних механизмов наград ты используешь, тем легче идёт процесс, и тем меньше становится стресс, постепенно и вовсе сходя на нет. В общем, чем больше внутренних наград, тем проще проявлять волю и учить что-то новое с большой скоростью.

Для дофамина нужны ресурсы: деньги, нормальные условия жизни, адекватное общество, с которым ты тусишь. Если этих ресурсов нет — количество дофамина падает, потому что прогресс идёт слишком медленно, ты его почти не видишь. Но как быть, если нужных ресурсов нет?

Учись делегировать, если в одиночку слишком сложно, а процесс замедляется. Не отчаивайся, если каких-то ресурсов у тебя попросту нет — их компенсирует дофамин, который ты заработаешь в процессе обучения и практики.

Помни, что методика «сам добился, каждый сможет» либо враньё, либо отвага безумца. Это очень опасная практика, которая может высосать из тебя все силы и всё время, из-за чего ты рискуешь поломать себе психику.

Делать ли что-то в одиночку за всех? Решай сам, но соглашайся на такое только в том случае, если ты готов к этому.

Не пиши музыку в стол!

Самая популярная ошибка новичков — писать музыку «в стол», никому не показывая черновики. Причин такого поведения не так много: одни боятся показать что-то недоработанное, вторые стыдятся, что всё сделано плохо, третьи — боятся, что никто не оценит работу.

Поскольку мы разобрались, как работают механизмы наград, и знаем, ради чего пишем музыку, мы можем теперь чхать, если что-то кому-то не нравится, и не бояться этого. Зачем же тогда показывать другим черновики? Всё дело в том, что у тебя нет понимания, что является хорошей музыкой. Не спорю: понятие о хорошем слишком субъективно, ведь каждый по-своему воспринимает то, что хорошо.

Увы, ты никогда не напишешь музыку, которая понравится всем. Тем не менее ты можешь написать музыку, которая понравится определенному кругу людей. Пока ты начинаешь первые шаги, ты сможешь уже набирать небольшую аудиторию, изучать мнения и поддерживать постоянство контента.

Когда ты пишешь в стол, появляется риск сломать своё восприятие происходящего. Именно поэтому очень важны мнения со стороны. Ты не знаешь, что может понравиться людям и пишешь музыку, опираясь на свою интуицию. К тому же ты не можешь увидеть всех ошибок, которые могут быть виднее со стороны.

Чем чаще показываешь свои работы кому-то ещё, тем выше твоя продуктивность — хочется показать ещё и ещё. От постоянных попыток музыка будет становиться лучше и лучше.

Вместе с тем важно фильтровать мнения. Если кому-то не понравилась твоя музыка, ничего страшного. Спроси, что именно ему не понравилось, что он слушает и что хотел бы услышать. Может быть, этот человек не будет твоим слушателем — так бывает. А может, в процессе общения ты придёшь с ним к консенсусу и сделаешь какие-то полезные выводы.

В любом случае общение сыграет тебе на руку: ты будешь общаться с аудиторией или заказчиками, научишься их понимать. Это хороший тон, чтобы перестать бояться мнений и получать в ответ поддержку и новую информацию. Если же человек просто делает резкие заявления и отказывается дальше что-то говорить, то игнорируй его.

Вместо заключения

Вот и всё. Пожалуй, я перечислил всё, что считаю важным для ускорения творческого процесса. Надеюсь, этот ликбез поможет тебе каким-либо образом, а тебе стало понятнее, что делать дальше.

Если этот текст помог тебе, то в знак благодарности просто подпишись на мой канал в Телеграме. А ещё лучше расскажи о нём другим. В канале я рассказываю и показываю много интересных штук, связанных с электроникой, музыкой и всякой кухонной философией, да и в целом говорю о своей жизни.

Творческих узбеков!

Написание песни — это приятный процесс для каждого автора-исполнителя, но если вы спросите его об этом, он, несомненно, признает, что с этим связана борьба. Мы склонны воспринимать великих авторов песен, таких как Джон Майер, как артистов, которые набрасывают новые идеи на
отличную мелодию
, и она чудесным образом звучит хорошо без какого-либо творческого процесса. В действительности же каждый великий автор песен имеет сложный процесс написания песен, которому он тщательно следует, чтобы создать хорошую песню.

В сегодняшней быстро развивающейся музыкальной индустрии у нас нет возможности увидеть музыкальное путешествие за треком. Мы слушаем его и идем дальше, не зная, как он прошел путь от первоначальной идеи до целой структуры песни. Нас устраивает то, что мы чувствуем, но мы никогда не смотрим дальше и не пытаемся понять процесс написания.

Написание текстов, без сомнения, является одним из самых важных аспектов написания песен. Музыкальные продюсеры знают это и предпочитают нанимать автора песен, который знает свой процесс, а не просто беспорядочно набрасывает тексты на свои музыкальные идеи.

Даже успешные группы приходят к тому моменту, когда им необходимо привлечь автора песен, отличного от первоначального автора-исполнителя. Это помогает им повысить качество процесса создания музыки и в некоторых случаях
преодолеть писательский блок
. Это показывает, как много работы происходит за занавесом, которую мы не замечаем.

Вы начали свою музыкальную карьеру, наложили красивую
аккордовую прогрессию
на запоминающийся ритм. Теперь вам нужно писать, но тексты, которые вы кладете на бумагу, не могут вас удовлетворить. Скорее всего, это проблема процесса написания, и в этой статье мы хотим показать вам 10 действенных методов, которые дадут ощутимые результаты.

Эти советы по написанию песен применимы к любому типу авторской карьеры, и, прочитав их до конца, вы сможете распознать все типы блоков в вашем творческом процессе. Затем вы сможете преодолеть их с помощью одного из этих действенных советов, которые мы собираемся представить.

Вы сможете писать песни быстрее, подлиннее и не теряя себя в размышлениях.

Давайте погрузимся.

1. Будьте проще.

Это один из тех советов, которые легче сказать, чем сделать. Вполне понятно, что вы одержимы идеей написать песни, которые потрясут вашу аудиторию, но ирония заключается в том, что подавляющее большинство хитов
поп-
и
рок-музыки
в основном просты. Аккордовые прогрессии легко воспринимать и двигать телом, а тексты песен не отличаются сложностью.

Мы думаем, что нам нужен какой-то революционный
лирический контент
, благодаря которому наше имя будет звучать повсюду, но возьмите наши любимые песни за всю историю, и вы поймете, что они пережили время, потому что были просты для запоминания.

Важно то, что вы хотите сказать своей аудитории. Когда вы
пишете песню
, думайте о своих слушателях и сделайте так, чтобы им было просто понять ваше послание и запомнить ваши мелодии. Именно это делает многие поп-хиты запоминающимися и незабываемыми.

2. Запишите себя.

Очень часто авторы песен отвергают новую песню еще до того, как запишут черновой вариант, и только после того, как она попадает на пленку, видят, что она нравится другим людям. Постарайтесь взять за правило записывать себя время от времени в процессе работы. Каждый раз, когда вы что-то добавляете или меняете, доставайте
микрофон и записывайте это
. Это даст вам представление о том, как вы звучите, что подходит для вашего стиля, а что нет.

Даже если в итоге она вам не понравится, у вас появится больше идей, к которым вы сможете вернуться позже при создании музыки. Это прекрасное чувство — вернуться к старой идее на диктофоне и понять, что у нее есть потенциал. Кроме того, все уже было заложено вашим прошлым.

Запись себя — это также отличный способ поделиться со своими друзьями и семьей для получения отзывов, поскольку автору песни необходимо получить представление о том, как аудитория отреагирует на его/ее стиль.

3. Работайте над мелодической линией.

Иногда ваша мелодия не соответствует тому, что вы пытались передать в своем произведении, и поэтому вы разочаровываетесь в себе. Вы изо всех сил стараетесь добавить басовую линию или написать текст, но это просто не звучит правильно.
Попробуйте поработать над мелодией
или даже изменить ее.

Перемены вдохновляют, поэтому творцы любят менять обстановку, когда у них возникает писательский блок. Изменение одного или многих аспектов вашей мелодии создаст новое ощущение песни, давая вам другой музыкальный мысленный пейзаж, который может вас вдохновить. Не стесняйтесь попробовать.

Поработайте над аккордовыми прогрессиями, используйте другой инструмент или даже добавьте новые. Это может запустить ваш мозг и дать ему свежий набор новых идей. Конечно, рекомендуется сохранить черновой вариант мелодии, прежде чем начать работать над ней или полностью изменить ее.

4. Делайте перерывы.

Когда мы работаем над своими песнями, мы стремимся сделать их личными. Если при написании музыки у нас возникает писательский блок, мы пытаемся заставить себя закончить песню. К сожалению, творческий мозг работает не так, скорее всего, вас прорвет на следующий день, когда вы будете принимать душ или невинно пить кофе на улице.

Творческий мозг лучше работает в условиях низкого стресса, где он может расслабиться и соединить точки, чтобы получить больше идей. Так что если вы чувствуете, что застряли с песней, сделайте перерыв. Для нашего мозга так важно время от времени отдыхать. Форсирование процесса написания песни обычно ухудшает ее качество.

Мы живем в обществе, которое поощряет высокую активность мозга с момента пробуждения и до сна, но это не обязательно должно быть так. Если вы проведете исследование самых творческих людей на земле, то обнаружите, что они не относятся к отдыху своего мозга легкомысленно. Для них это такой же важный процесс, как и их творчество.

5. Практика на черновых набросках.

Не каждая песня должна быть написана для публикации, особенно если вы новичок. Вам нужны черновики, чтобы нарастить мускулы вашего авторства. Это один из самых важных
советов по написанию песен
. Мы набрасываем несколько аккордовых прогрессий, добавляем удар и треск и решаем, что это будет следующая песня. Это не обязательно так. Думайте об этом так же, как культурист, который должен повторять одни и те же движения годами, прежде чем показать себя на соревнованиях, так и ваше написание песен нуждается в таком же повторении, чтобы достичь определенного мастерства.

Не бойтесь играть и экспериментировать над своим треком. Послушайте и решите, хорошо ли вы звучите, затем потренируйтесь делать больше музыки. Нужный трек появится, и вы поймете, когда будете готовы к публикации. Признание того, что вы работаете над черновым вариантом, даст вашему мозгу разрешение на большую свободу при работе над песней. Никогда не знаешь, когда черновой вариант может превратиться в хорошую песню.

6. Установите некоторые ограничения.

В творчестве есть аспект спонтанного вдохновения, который привлекает художников, и в этом есть свои плюсы. Тем не менее, введение некоторых ограничений для вашего вдохновения может помочь вам стать более эффективным в процессе написания песен. Определите персонажей, короткий сюжет, ограниченное количество аккордов или что-то еще, что задаст направление и облегчит принятие решений в процессе сочинения.

Эта структура будет способствовать вашему прогрессу настолько естественно, что вы даже не заметите, как продвинетесь в своей песне. Вы думаете, что придерживаетесь только тех границ, которые сами для себя установили, но вместо этого вы развиваете свое песенное творчество в том же направлении. Таким образом, каждый элемент вашей песни будет вписываться в ваше видение, потому что он был определен еще до начала работы.

Нет нужды говорить, что большинство песен в наши дни имеют одну и ту же общую структуру с небольшими изменениями, чтобы придать ей другое звучание. Особенно это касается поп-песен.

7. Фиксируйте свои идеи.

Одна из самых распространенных ошибок начинающих авторов песен — оставить идею непроверенной до того, как они окажутся в студии. Большинство наших идей приходит, когда мы принимаем душ, едим или едем по шоссе, и самый распространенный рефлекс, который мы испытываем, — это оставить их до возвращения домой. В конце концов, мы приходим домой и ничего не находим, поскольку идея была похоронена под разговорами на работе или чем-то еще.

Вот почему авторы песен должны иметь при себе диктофон для записи мелодий и звуков и блокнот для записи лирического содержания. Как только у вас появляется идея, вы записываете ее на бумаге и записываете на диктофон, как, по вашему мнению, она будет звучать. Тогда ваша идея будет надежно защищена и готова к использованию в студии.

Если вам кажется, что носить с собой блокнот и диктофон слишком накладно, все это может сделать ваш телефон. Просто фиксируйте свои идеи и увидите, как ваша продуктивность взлетит до небес.

8. Изучите ссылки на свои треки.

Во время написания песни очень полезно держать в голове ссылку на трек. Используйте песню, которая вдохновляет вас на то направление, в котором вы хотите писать песню. Изучите ритм, разберите басовую линию и проанализируйте аккордовые прогрессии. Это даст вам возможность сравнить свою песню по качеству звучания и общей завершенности.

Это обычная практика среди музыкальных продюсеров. Когда вы работаете с ними, они обычно просят предоставить им эталонный трек. Это дает им представление о том, как будет развиваться песня, и в целом облегчает процесс работы.

Вы можете использовать этот совет в любой момент вашего процесса, даже если вы не пишете музыку. Возьмите свои любимые песни и разберите их от названия до заставки. Постепенно узнайте, что делает их великими песнями, и вы найдете эту информацию готовой, когда будете писать песню в следующий раз.

9. Изучайте теорию музыки.

Теория музыки расширит ваше понимание музыки и, следовательно, даст вашему мозгу больше элементов для синтеза в музыкальные идеи. Она заставит вас по-другому взглянуть на обычные аккордовые прогрессии, и вы сможете логически развивать простые идеи.

Вам не нужно изучать все сразу, достаточно просто понять некоторые основы, чтобы повысить качество ваших материалов и музыкально понимать, что вы делаете. Например, вы можете начать с теории мажорного аккорда или минорной аккордовой прогрессии и выучить различные формы для их воспроизведения.

Может показаться, что это модное слово, но теория музыки — это смысл, стоящий за всем, что мы делаем в музыке. Это пойдет только на пользу вашему сочинению песен, и вы больше не застрянете на одних и тех же четырех аккордах.

Вот список того, что, по нашему мнению, поможет вам в написании песен прямо сейчас:

• 
  Ритм:
  Временные подписи, внебитовые ритмы и т.д.
• 
  Чтение музыкальных листов:
  Клише, длительности нот, ритмы и т.д.
• 
  Аккордовые прогрессии:
  Общие аккордовые прогрессии, каденции, формы аккордов и т.д.
• 
  Шкалы:
  Мажорные и минорные гаммы, ключи.

10. Пишите вдали от своих инструментов.

Может показаться очень логичным не отрываться от пианино при написании текстов, однако это не самый инновационный способ. Он может отлично сработать, но есть риск попасть в привычные шаблоны написания песен.

Ваши навыки игры на инструменте ограничены, а ваше воображение — нет. Поэтому вместо того, чтобы начинать играть на инструменте, прогуляйтесь и напевайте мелодии.

После того, как вы получите основную линию и структуру, идите домой и создайте аккордовую прогрессию, поддерживающую ее. Речь идет о том, чтобы привести ваши инструменты и средства в соответствие с вашим видением, а не наоборот.

У знаменитого Тома Уэйтса был очень уникальный способ написания песен. Он садился около четырех или пяти радиоприемников и включал на каждом из них свой канал. Он слушал бурю накладывающихся друг на друга песен и черпал вдохновение для своей следующей песни. Это показывает, что иногда нужно отойти от своих инструментов и попробовать уникальные способы найти вдохновение.

Одна из самых распространенных ошибок новичков — создать целую песню без текста, а потом с трудом его вписать. Ваш проект должен развиваться вокруг текста, поскольку он является ключевым компонентом структуры песни.

11. Выучите структуру песен.

Если вы начнете собирать пазл, не зная, как будет выглядеть конечный результат, вы, скорее всего, будете вслепую гадать, какой кусочек куда положить. То же самое относится и к написанию песен. Вам нужен холст для творческого процесса, и он должен быть индивидуальным. Каждой песне — своя песенная структура.

Существует множество структур песен, и они различаются в зависимости от жанра, к которому вы стремитесь. Самая известная — поп-структура
(куплет
, припев,
припев
), которая работает настолько хорошо, что стала формулой. Рецепт успеха.

Конечно, если вы стремитесь к чему-то другому, существуют и другие структуры песен, которые вы можете попробовать и посмотреть, подойдут ли они вам. Самое главное здесь — узнать, как они могут быть использованы для построения вашей песни, и помочь вам развивать свой проект, используя выбранную структуру в качестве компаса.

12. Разнообразьте свои подходы к написанию песен.

То, что могло сработать в предыдущей песне, может не сработать в нынешней. Вот почему иногда вам будет трудно справиться с песней, даже если вы используете тот же подход, что и в предыдущей работе. Это совершенно нормально, и это хорошо, что вы испытываете такие трудности с песней. Это значит, что в вашей песне есть новизна, а к новизне нельзя относиться так же, как к старым проектам. Вам нужен новый подход.

Под новым подходом мы подразумеваем, что вы должны изменить свой процесс в ту или иную сторону, по крайней мере, до тех пор, пока что-то не сработает. Если вы привыкли
писать музыку перед текстом
, попробуйте сделать наоборот. Если вы всегда пишете музыку на гитаре, попробуйте в этот раз использовать клавиатуру. Если вы пишете название перед песней, попробуйте наоборот. Используйте все, что угодно, чтобы дать понять своему мозгу, что вы делаете это не по-старому, и это принесет вам больше идей.

13. Поразмышляйте над своим личным опытом.

Лучшие песни — это песни, которые нам близки. Нам нравятся красивые мелодии и сложные барабанные партии, но когда в песне говорится о ситуации, которая вам знакома или через которую вы прошли, это воспринимается по-другому. Вот почему мы рекомендуем использовать ваш личный опыт в качестве якоря для вашей песни.

Попробуйте определить, каким опытом вы хотите поделиться со своей аудиторией, и задать атмосферу, в которой вы хотите писать. Это задаст тон и облегчит принятие решений в процессе работы, просто приведя каждый элемент вашей песни к той же истории, которую вы пытаетесь рассказать. Это облегчит вашу жизнь и даст вашей аудитории песню, которая будет иметь смысл и для них. Особенно если они понимают, о чем вы говорите.

Вот почему такие песни, как «Imagine» или «We are the world», имели вечное международное влияние. Все могли соотнести их с рассказанными историями, и все понимали песню во всех ее однородных элементах.

14. Иди куда-нибудь еще.

Творчество и рутина — это как вода и масло, они совершенно не сочетаются. У вашего мозга гораздо больше шансов быть творческим, если его стимулировать, а что может быть лучше, чем новизна? Если вы всегда работаете в своей студии, смените обстановку и сходите в парк. Если вы всегда находитесь в окружении одних и тех же людей, позвоните старому другу или познакомьтесь с кем-то новым. Попробуйте все, что нарушит рутину и заставит ваш мозг работать в режиме открытий.

Среди певцов и авторов песен очень часто случается так, что они уединяются от повседневных дел и через некоторое время возвращаются с готовыми текстами для своих песен. Здесь нет никакой магии, просто захватывающая пища для нашего мозга — новизна. Это, конечно, рекомендуется до определенной степени, когда ваша социальная жизнь не страдает от этого.

15. Попросите о помощи.

Мы могли бы оставить его в конце статьи, но это один из самых необходимых советов по написанию песен. Ни один артист не добился успеха в одиночку, особенно в музыкальной индустрии. Чтобы добиться успеха, нужна целая команда, и автору песен необходимо просить о помощи.

Обратитесь к своим друзьям, спросите знакомых в индустрии или даже отправьте письмо профессору поэзии. Не стесняйтесь учиться и развиваться, ведь именно обратившись к ним, вы сможете получить ответы на вопросы о том, как улучшить свою музыкальную карьеру.

Самые большие идеи приходят через сотрудничество, и артисты это знают. Это основная причина, по которой «перфомансы» являются важным аспектом музыкальной индустрии. Возможно, вы больше верите в то, что «все сделаю сам», но это не поможет вам в долгосрочной перспективе. Придет время, когда вы обратитесь за помощью, и лучше сделать это сейчас.

16. Используйте образцы.

Сэмплирование — одна из основных техник среди музыкальных продюсеров. Это процесс, в котором вы работаете с готовыми к использованию материалами
(петли мелодий
, паттерны ударных и т.д.) в качестве частей песни, которую вы пишете. Это облегчает процесс написания, и в то же время вы обращаетесь за помощью, поскольку используете чужой материал. Как будто кто-то помогает вам с вашей песней, предоставляя часть, которая улучшит ваш продакшн.

Вокруг этой практики возникла своего рода дилемма, когда многие критики посчитали ее неаутентичной. Однако некоторые великие произведения были созданы художниками с использованием сэмплов, и в этом нет ничего плохого. Музыка — это все те же 12 клавиш, повторенные разными способами и в разных паттернах.

Заключение: Где есть воля, там есть и путь.

Существует множество других действенных способов, которые могут помочь вам улучшить качество написания песен, это лишь те, которые мы сочли наиболее практичными. Некоторые из них могут понравиться вам больше, чем другие, но обязательно держите их в голове. Они обязательно пригодятся. Не забывайте, что сочинение песен — это прежде всего веселье, и убедитесь, что вы пишете искренне. Остальное приложится.

У меня нет традиционной музыкальной школы (6 лет на пианино), но я закончил 2 года Рок-лицея в ДК «Красный Химик», прослушав класс по основам сольфеджио и отучившись у двух преподавателей по классу гитары. Примерно с 14 лет я начал играть в группах, и продолжаю это делать до сих пор, сейчас мне уже «более чем за 30», и можно смело сказать, что музыкой я занимаюсь больше чем половина жизни. При этом я не профессиональный музыкант, я работаю в ИТ, и музыка, моё хобби. Я выступал с разными группами на концертах в маленьких клубах («Свалка», «Китайский Лётчик Джао-Да», «Молоко», и больших музыкальных фестивалях «Нашествие», «Мотоярославец».

С самого начала занятия музыкой я решил для себя, что буду сочинять собственные музыкальные произведения, и не будут играть чужие песни. Не могу сказать почему я так решил, но факт остаётся фактом.

За много лет общения с теми, кто играет и сочиняет музыку, основной болью является то, как сочинять свою собственную «авторскую» музыку. Я выделил 5 методов или способов, как сочинять музыку.

1. Способ на основе вдохновения

Состояние при котором мелодия рождается у вас в голове, и вы просто переносите музыкальное произведение «на бумагу». Ваш «внутренний» голос сам «всё делает» за вас, нужно только поймать это состояние и запомнить полученный результат. Очень удобно, вам кажется что мелодия приходит к вам «из вне», или из таких глубин подсознания, что в обычном состоянии, туда добраться не возможно. Кажется удивительным, что такую мелодию мог сочинить именно ты, так как в обычной жизни подобное кажется нереальным.

Из минусов отметим то, что вдохновение «капризно» и может подолгу не посещать вас.

Также возможен вред причиненный здоровью, при попытках «стимулировать» вдохновение, которое к сожалению стимулировать невозможно.

2. «Методологический» способ

Вы профессионал и просто «пишите» композицию по всем правилам создания музыки, опираясь на стилистические «жанровые» особенности. Это профессиональный подход на основе знаний, получившейся результат может быть не очень интересен с точки зрения искусства в целом, но зато это эффективный способ создания творческой продукции.

Вся популярная музыка использует этот метод, так как он наиболее предсказуем и понятен в попытках завоевать симпатию конечного слушателя. Но несмотря на это, доля непредсказуемости все равно остаётся даже при использовании этого метода, так как нельзя на 100% предугадать что «зайдёт» слушателю, а что нет.

3. «Реферальный» способ

Способ, когда вы берёте за основу чужую композицию и имитируете её с небольшими отличиями «особенностями», настолько существенными, что бы ваша композиция уже не напоминала оригинал, которым вы были «вдохновлены». До некоторой степени копируется звук, музыкальная форма и настроение.

Автор «сочинитель» берёт композицию «пример», пропускает её через свои «мозги» и выдаёт новую «авторскую» версию оригинала. Есть мнение, что таким способом придумывается всё, так как ничего нового уже придумать не возможно, а возможны только «вариации на тему». Автор в данном случае просто адаптирует идею согласно местным особенностям и предпочтениям.

4. «Генеративный» способ

Метод, в котором сочетается знание основ музыкальной композиции, владение определимым музыкальным жанром и умение использовать приборы и программы, генерирующие в случайном порядке ноты, создавая таким образом мелодии и звуковую палитру, из которой и собирается будущая музыкальная композиция.

Данный метод больше всего использует звуковой дизайн (саунд-дизайн) и чаще используется при создании музыкальных композиций в электронной музыке. Метод случайного поиска, проб и бесчисленных вариаций. Надо отметить, что при кажущейся механизации и роботизации процесса сочинения, до сих никакой Искусственный Интеллект не смог написать сам что то более менее стоящее, используя данный метод, то ест роль автора все равно остаётся центральной.

5. «Импровизационный» метод

Данный метод часто используется в «живой» музыке, когда музыканты договариваются о тональности и темпе «рыбы» и дальше начинают играть «импровизировать» в поисках новых тем и ходов для будущей композиции. При таком методе важно вовремя фиксировать «выделять» получающиеся эпизоды и собирать из них новый материал. Лучше всего такие импровизации записывать на диктофон, качество записи здесь не играет роли, главное что бы на записи можно было распознать мелодию и основные детали. Далее с этим можно продолжить работу дома, дополняя и комбинируя сочинение.

Я не стал выделят в отдельный метод гибрид выше описанных способов, который позволяет сочинять собственную музыку, возможно есть ещё какие-то методы или вариации способов.

Поделитесь, если вам есть чем дополнить этот список.

Об этой статье

Была ли эта статья полезной?

Как писать хорошую музыку

Музыка – это и превосходное средство от плохого настроения, и хобби, и даже работа. Написать хорошую, качественную композицию мечтают многие, но для этого помимо природного таланта требуется знание некоторых тонкостей создания музыкальных произведений.

Вам понадобится

• — музыкальный слух;
• — музыкальные инструменты и навыки игры на них;
• — компьютер;
• — нотный или аудиоредактор.

Инструкция

Определитесь, с какой целью вы хотите создавать музыку. Если вы просто желаете написать интересное и мелодичное произведение для себя или для друзей, то понадобится минимальный набор навыков и умений. Но если же целью является написание профессиональной музыки (для частных заказчиков и компаний или для эстрадных исполнителей), необходимо научиться создавать действительно качественные композиции, которые будут пользоваться успехом у широкой публики.

Подумайте, какую музыку вы желаете создавать. Существует множество различных жанров, и вы должны выбрать именно тот, в котором вы разбираетесь лучше всего.

Узнайте как можно больше об интересующем вас музыкальном жанре и его особенностях. Это означает, что вы должны понимать хотя бы в общих чертах, из чего состоит музыкальная композиция, какие средства необходимы для ее написания. Например, в настоящее время для создания музыки чаще всего требуется мощный компьютер с продвинутой звуковой системой и набором специальных программ (к примеру, FL Studio, Logic, Cubase), позволяющих собирать композиции буквально по частям. Если у вас есть соответствующие знания, музыку можно писать и в нотах (табулатурах) без использования компьютера.

Обучитесь игре на определенных инструментах, если вы хотите создавать музыку с их помощью, и стремитесь постоянно улучшать свои навыки. Для этого вы можете записаться в одну из музыкальных школ или же изучить специальную учебную литературу в библиотеке или в интернете. Помните, что от уровня вашего профессионализма зависит качество музыки.

Создайте каркас будущей композиции в нотах или аудиоредакторе. Лучше начать с мелодии: она должна завораживать, создавать определенное настроение у слушателей и вызывать желание дослушать композицию до конца. Всегда выводите главные составляющие произведения: вступление, основную тему, кульминацию и финал.

Экспериментируйте с музыкальной составляющей. Большинство произведений, ставших классикой своего жанра, обладают отличительными чертами, выделяющих их на фоне другой музыки. Одним из главных элементов любой композиции являются ударные. Их необходимо подбирать в гармонии с основной темой. Попробуйте добиться реалистичности звучания, например, приглушая каждый второй удар. Не забудьте прописать басовую партию. Она должна задавать произведению ритмичность, подчеркивая его мелодию.

Попробуйте добавить подголоски, чтобы еще больше разнообразить вашу композицию. Ими можно заполнить пустое пространство между мелодией и ритм-секцией, то есть средние частоты. Помните, что вспомогательные эффекты не должны заглушать главную тему.

Выполните сведение в аудиоредакторе, если вы работаете в нем. Это завершающий шаг, от которого многое зависит. Даже идеально написанные композиции могут звучать неказисто, если не уделить мастерингу достаточного внимания. Выберите наиболее подходящие звуковые эффекты, которые помогут достигнуть баланса между различными слоями произведения, убрать шумы и призвуки. Если вы работаете в нотном редакторе, то несколько раз проверьте написанный нотный ряд, убедитесь, что отсутствуют любые ошибки и неточности.

Видео по теме

Полезный совет

Перед началом работы постарайтесь задать себе соответствующий настрой. Например, посетите места, с которыми у вас ассоциируется будущая композиция, или же пообщайтесь с дорогими вам людьми, особенно если хотите посвятить музыкальное произведение одному из них.