Как написать рецензию на спектакль образец

Очень важным сегодня является умение человека давать критическую оценку чему-либо. Во многих сферах это можно сделать посредством написания рецензии, которая, в свою очередь, имеет определенные правила создания. О том, как ее писать, рассказывается в нашей статье.

Рецензия как жанр

Рецензия — это жанр журналистики, в том числе научной и художественной критики. В ее основе лежит критическая оценка произведения искусства, науки, журналистики (кинорецензия, рецензия на спектакль, на литературное произведение, мультфильм, научную работу…).

Для чего нужна рецензия?

Цель рецензии— информировать о новом произведении, дать ему критическую оценку, указать на сильные и слабые его стороны. Рецензия должна привлечь внимание общественности к исследуемому вопросу и подсказать, что стоит ее внимания, а что — нет.

Жанровые особенности

Как правило, рецензия пишется в публицистическом стиле, носит полемический характер, также может тяготеть к жанру эссе, литературовед­ческой статье. Она должна быть объективной, поэтому в ней не допускается использование личной эмоциональности, грубых сравнений, изложение субъективных мыслей. Все высказанные суждения должны иметь четкие аргументы (примеры из текста, постановки, стиля, авторской позиции и т. п.). Написание рецензии предусматривает употребление терминов сферы искусства, к которому относится анализируемое произведение.

Рецензия на спектакль в театре

Театральная рецензия – один из популярных жанров театральной критики. Ее цель — оценка спектакля (а не пьесы). Для работы над этой критической статьей необходимо проанализировать постановку, понять творческий замысел режиссера, концепцию постановщика, которая воплощается на сцене через различные средства театрализации: оформление сцены, свет, музыку, актерскую игру, мизансцены.

Рецензия на спектакль дает объективную оценку постановке. Зритель при этом исследует художественный текст произведения, средства выражения авторской позиции (проблематику, конфликт, сюжет, композицию, систему персо­нажей и т. д.). Рецензия на спектакль основана на глубоком и аргументированном анализе, качество которого зависит от теоретической и профессиональной подготовки рецензента. В процессе написания рецензии нужно правильно использовать театральную терминологию.

Этапы создания рецензии

Процесс создания рецензии проходит в несколько этапов:

1. Подготовительная работа (чтение пьесы, по которой поставлен спектакль, изучение прежних постановок по ней, исследование творческого пути режиссера, места данного спектакля в репертуаре театра).
2. Просмотр спектакля.
3. Анализ постановки (включая содержание, форму, образы, режиссерские находки, новизну интерпретации).
4. Непосредственное написание критической статьи.

Структура рецензии

Для того чтобы дать полную оценку постановке, нужно знать, как писать рецензию на спектакль. Это критическое суждение имеет свою структуру:

І. Вступление: обоснование необходимости рецензирования данного спектакля (новая постановка режиссера, поле­мика вокруг творчества ав­тора, актуальность пробле­матики произведения и т. д.).

ІІ. Основная часть: истолкование и оценка идейно-художественного своеобразия постановки.

IIІ. Выводы о художествен­ных достоинствах исследуе­мой постановки и его значимос­ти для театральной и общественной жизни.

План рецензии (примерный)

Для того чтобы дать полную критическую оценку постановке, необходимо взять за основу план рецензии на спектакль. Наличие пунктов и их поочередность в изложении определяется автором.

1. Название спектакля, режиссер, театр (основные сведения), дата постановки.
2. Данные об авторе пьесы, режиссере-постановщике.
3. Сюжетная линия произведения, главные эпизоды (следует аргументировать выбор).
4. Творческий замысел автора и его реализация (авторские: тема, идея, проблематика; особенности и отличие режиссерского замысла от текста пьесы).
5. Жанровые особенности постановки, композиция спектакля.
6. Оценка актерской игры.
7. Основные проблемы, поднимаемые автором, их актуальность.
8. Особенности режиссерской интерпретации текста (неожиданное использование средств театрализации, особенности сценографии, музыкального сопровождения, спецэффектов…).
9. Общее впечатление рецензента о спектакле (насколько постановке присуща новизна режиссерской интерпретации, оправдались ли ваши ожидания относительно увиденного).

Если у вас возникли трудности в работе, не отчаивайтесь. Воспользуйтесь материалами о том, как писать рецензию на спектакль (пример ее составления приведен в данной статье), и вы существенно улучшите свои умения рецензента.

Советы по написанию рецензии:

1. До того как написать рецензию на спектакль, изучите материал (пьесу), который служит основой постановки для того, чтобы во время просмотра вы не следили за сюжетом, а оценивали интерпретацию режиссера-постановщика.
2. Посмотрите спектакль сами.
3. Во время спектакля делайте записи в блокнот, чтобы при написании рецензии у вас было достаточно материала для критики.
4. Пишите рецензию хотя бы через день после просмотра спектакля. Это позволит вам объективно подойти к оценке постановки.
5. В случае, если спектакль вам лично не понравился, умейте находить хорошие моменты в просмотренном и интересные режиссерские находки.
6. Если вы пишете рецензию на постановку по пьесе драматурга-классика, укажите на новизну видения произведения данным режиссером в отличие от других.
7. Не забывайте, что спектакль — это работа целой постановочной группы (режиссера-постановщика, художника по свету, композитора,..), поэтому уделите внимание всем составляющим спектакля.
8. Обязательно приводите аргументы.
9. Помните, что любая рецензия на спектакль — пример грамотного и логического изложения материала, поэтому следите за стилем, структурой статьи и отсутствием грамматических ошибок.

Основные ошибки написания театральной рецензии

1. Употребление фраз субъективной оценки: “нравится” — “не нравится”, «впечатлил меня», “порадовал актер”…
2. Пересказ сюжета вместо анализа спектакля.
3. Акцент на деталях, которые не несут особой смысловой нагрузки.
4. Неграмотное использование терминов.

Образец рецензии на спектакль

В 1878 г. А. Н. Островский написал одну из своих известнейших пьес — «Бесприданницу». Через некоторое время она была признана лучшим произведением драматурга.

Первое сценическое воплощение пьесы состоялось на сцене Малого театра, но оно не произвело должного впечатления. С годами постановка становилась все популярнее, и по сей день она горячо любима зрителями. Секрет неугасимого интереса кроется, скорее всего, в актуальности проблем, поднимаемых в драматургическом материале.

Недавно я побывал на постановке «Бесприданницы» в Драматическом театре. Я окунулся в мир великолепного единства режиссерского замысла, мастерства актеров и захватывающей атмосферы спектакля. Находясь в зале, я чувствовал себя действующим лицом.

Особенно меня впечатлила игра актрисы М. Магдалининой (роль Ларисы). Ей мастерски удалось создать образ мягкой и искренней, чувственной и романтичной героини. В ее движениях сочетались легкость и уверенность, а кружения по сцене очень удачно передавали характер Ларисы. Целостности создания образа способствовал прекрасный мелодичный голос актрисы. Я считаю, что она сыграла свою роль просто блестяще.

Порадовал своим мастерством заслуженный артист России Валерий Потанин (роль Карандышева). Его герой предстал перед зрителями недовольным и ворчливым. Создавалось впечатление, что он может «взорваться» в любую минуту. Прослеживалась постоянная нетерпимость, а иногда даже ненависть к Паратову. Зато в моменты унижения другими героями Карандышева невольно становилось жаль. Образ, переданный Валерием Потаниным в спектакле, отличается от моего представления Карандышева. В моем воображении это был спокойный солидный мужчина, который реагировал резко только в случаях несправедливости и обиды.

Роль Кнурова сыграл, на мой взгляд, очень удачно, заслуженный артист России А. Гладнев. Его герой производит впечатление рассудительного человека. Его движения — продуманы, безукоризненны, четки. Лишь иногда просматривается в образе задумчивость, которая создает впечатление человека-мудреца, повидавшего немало на своем жизненном пути.

С. Карпов сыграл в спектакле Паратова. Ему удалось передать рациональность, спокойствие и страсть в общении с Ларисой. Единственное, что хотелось бы отметить: типаж актера не совсем соответствовал внешностью моему представлению о герое.

На протяжении всего спектакля веселил публику замечательный актер Владимир Зайцев, игравший Робинзона. Образ, созданный актером, был удивительно весел и жизнерадостен. Благодаря игре этого актера режиссеру удалось провести через весь спектакль мотив доброты и оптимизма.

Следует отметить, что подбор актеров бы осуществлен очень удачно, их типажи, а также вокальные данные способствовали созданию удивительных и привлекательных образов спектакля.

Заслуживает внимания работа костюмера и гримера спектакля: вся бутафория, костюмы, грим, парики были созданы и подобраны со знанием дела.

Декорации полностью соответствовали идейному содержанию спектакля. То, что они не менялись в процессе постановки, тоже имело идейно-смысловую нагрузку.

Но, на мой взгляд, недостаточно продуманной была световая партитура спектакля. В данном случае акцент был сделан на задние прожектора, а это, в свою очередь, искажало видение зрителями сцены и негативно сказывалось на игре актеров.

В целом впечатление от постановки хорошее. Синтез профессионализма режиссера-постановщика и мастерства актеров способствовал тому, что давно известная пьеса заиграла в моем сознании новыми красками. В этом, на мой взгляд, и заключается одна из задач театра: привлекать внимание общественности к проблемам, которые актуальны всегда, и содействовать тому, чтобы зритель посредством переживания становился чище и мудрее. Надеюсь, что и последующие постановки этого режиссера также произведут на меня неизгладимое впечатление.

Особенности рецензирования постановок для детской аудитории

Рецензия на детский спектакль соответствует всем жанровым особенностям данной критической статьи. При ее написании важно учитывать единственный момент: постановка спектакля, как правило, рассчитана на определенный возраст детей. Как сам текст пьесы, так и все художественные решения на сцене должны соответствовать указанному возрасту детей. Поэтому анализировать постановку для детей необходимо с учетом возрастных особенностей зрителей.

Рецензия на спектакль – это продукт творчества. Рецензент должен стараться передать дух постановки так, чтобы зритель захотел или не захотел ее посмотреть.

Рецензия на спектакль имеет публицистическую направленность.

Этот жанр увлекательный и сложный одновременно, ведь рецензент должен подать свою точку зрения так, чтобы она была интересной для окружающих.

При этом создается собственное произведение, наполненное объективными рассуждениями автора.

Кто пишет рецензию на спектакль

За рецензирование спектакля может взяться как профессионал, так и дилетант в этой области.

В первом случае от рецензента требуется развернутый анализ спектакля, прочно стоящий на теоретическом фундаменте.

Если же рецензию пишет любитель, можно подать ее в форме эссе (оно основывается на впечатлениях рецензента), но все же познать азы теории также желательно.

Обратите внимание, что большинство театров выделяет для критиков и друзей театра отдельный ряд с хорошим обзором сцены.

Алгоритм действий процесса рецензирования пьесы

Для написания рецензии на спектакль недостаточно его просмотра и прочтения рецензий других авторов.

Чтобы процесс рецензирования не остановился на полпути, а ваша рецензия заняла достойное место среди своих «собратьев», следуйте проверенному алгоритму-инструкции:

1. Предварительный сбор информации: прочтение пьесы, по которой поставлен спектакль (это даст возможность оценить соответствие постановки оригиналу), сбор информации о количестве и местах постановки этого же спектакля.
2. Просмотр спектакля (желательно с блокнотом и ручкой для заметок). В блокноте необходимо зарисовать внешний вид сцены, записать наиболее яркие реплики (по вашему мнению) и впечатления.

Заметки по спектаклю делаются в темноте и очень быстро, поэтому больше напоминают краткие очерки, обрывки фраз.

Для того чтобы ничего не забыть, по приходу домой сразу же приступайте к расшифровке своих набросков: 

1. Беседа с режиссером спектакля (позволит сравнить свое мнение с мнением постановщика и внести интересную нотку в рецензию).
2. Сравнение первых впечатлений с послевкусием.
3. Написание рецензии по плану, предоставленному ниже.
4. Проверка содержания и оформления рецензии.

Работа с набросками сразу после спектакля поможет не упустить ничего важного.

Что должна содержать рецензия на спектакль

Рецензия на спектакль традиционно включает такие элементы:

• общие сведения о пьесе;
• анализ идейного содержания постановки;
• оценка игры актеров;
• особенности сценографии (свет, цветовые решения, декорации, как все это помогло раскрыть содержание, донести идею).

Можно также говорить о соотношении пьесы и ее постановки, содержании.

Эту составляющую включают в анализ идеи или же представляют как отдельный элемент.

В конце рецензии (после выводов) часто вставляют перечисление актеров.

Разберем на примерах

Для разбора наиболее важных частей рецензии на спектакль возьмем примеры таких текстов на спектакли театра «Современник» (http://www.theatre.ru/review/sovr.html или https://drive.google.com/file/d/0BxbM7O7fIyPcd1hSaG9sWmZHdG8/view?usp=sharing).

Итак, в начале каждой рецензии необходимо подать сухие общие сведения о спектакле, чтобы читатель составил общее впечатление о нем.

Пример изложения выглядит так:

«Пигмалион» Бернард Шоу, перевод с английского Е.Калашниковой

Постановка — Галины Волчек

Художник — Павел Каплевич

Премьера — 22 декабря 1994 года

Спектакль идет с одним антрактом, продолжительность — 3 часа 15 минут

Далее приступаем к анализу произведения, помня о том, что первый абзац должен заинтересовать читателя.

Для этого рецензенты используют различные приемы:

• описание начала постановки;
• краткий анализ места пьесы среди других театральных постановок;
• описание примечательной особенности (сравните рецензии на спектакли «Пигмалион» и «Мы едем, едем, едем…», «Аномалия»).

После вступления необходимо дать оценку спектакля по указанным выше параметрам, при этом должна быть четко видна позиция автора, обратите внимание на второй абзац в рецензии на спектакль «Мы едем, едем, едем…».

Автор по порядку перечислил то, чем не доволен, и при этом аргументировал свои замечания конкретными примерами.

Никаких неоднозначностей в его характеристике мы не найдем.

Хороший пример описания сценографии можно найти в рецензии на спектакль «Вишневый сад», а сравнение с текстом пьесы – в рецензии на спектакль «Играем… Шиллера!».

Каждая рецензия должна заканчиваться выводами, представляющими общее впечатление и выводы автора.

Интересный прием для этой части – обращение к читателям, пример такого заключения можете посмотреть в рецензии на спектакль «Уйди-уйди» на указанном сайте.

Советы по типичным ошибкам рецензентов

Не увлекайтесь пересказом содержания спектакля, вам ведь неинтересно смотреть фильм, о событиях которого все знаете.

Выберите самые яркие моменты и обыграйте их в рецензии так, чтобы читатель сам захотел посмотреть спектакль.

Обратите внимание на рецензию к спектаклю «Аномалия», в ней автор явно переборщил с изложением сюжета и припрятал за ним свою позицию.

Нельзя заявлять «нравится»/«не нравится» без аргументации своей позиции.

Если вы говорите об открытиях, новшествах, замеченных в спектакле, обязательно убедитесь, не были ли они введены в театральную практику раньше.

Все эти советы имеют рекомендационный характер, как их воплотить, решать только вам, ведь рецензия – это не просто анализ, а самостоятельный продукт творчества.

В этом видео вы узнаете, как написать рецензию на выставку:

Как написать театральную рецензию

Театральная рецензия – самый популярный жанр театральной критики, цель которого – рассказ о спектакле. Рецензия должна быть посвящена именно спектаклю, а не пьесе. Для написания рецензии необходимо “прочитать” спектакль, понять режиссера, его концепцию, которая воплощается через мизансцены, актеров, сценографию, музыкальное сопровождение. Рецензия, как любой жанр, имеет свою структуру. Существуют нормы написания рецензии, и существует структура рецензии: нужно идти от общего к частному. 

Вначале должен быть общий тезис: о чем спектакль. В рецензии возможно описание ключевых мизансцен, каких-то эпизодов, работы актеров. В процессе написания рецензии нужно внимательно обращаться с театральными терминами. Чтобы избежать неправильного употребления, лучше всего заглянуть в словарь. Очень важно не сбиваться на “нравится” или “не нравится”. Это из области зрительского комментирования спектакля. Такие фразы, как “порадовал актер”, “была убедительна в роли”, “хорошо справилась с ролью”, лучше не использовать. Они не несут никакой информации для потенциальных зрителей и для актеров. Еще одной частой ошибкой является пересказ сюжета. Если это и нужно делать, то очень изящно и кратко. И очень важно не говорить об открытиях, когда их не было. А это часто встречается из-за недостатка опыта у рецензента, незнания истории театральных постановок. Рецензия – это продукт творчества. Рецензент должен стараться передать дух спектакля, чтобы читатель захотел или не захотел его посмотреть.

Советы по написанию рецензии:

1. Проведите предварительную работу. Прочитайте пьесу, по которой поставлен спектакль. Узнайте, когда и где ее уже ставили. Не торопитесь с написанием рецензии. Лучше ее писать на следующий после спектакля день. Сравните первые впечатления с послевкусием. После этого можно приниматься за сам текст. В первой части статьи необходимо предоставить краткую информацию о театре, главном режиссере и его прошлых постановках. Упомяните о пьесе. Необходимо рассказать о традиции ее постановки.
2. Напишите разбор идейного содержания. Продумайте, какую мысль хотел донести до зрителей режиссер, какая атмосфера была на спектакле. Проанализируйте несколько важных эпизодов, отметьте оригинальные режиссерские решения. Приведите аргументы вне зависимости от того, хвалите вы или ругаете. Очень важно сохранить объективность, даже если постановка в целом вам не понравилась. В любом спектакле можно найти положительные стороны. Если речь идет о постановке классических пьес Островского или Шекспира, акцентируйте внимание на том, что нового было в данной трактовке.
3. Оцените игру актеров и актерские находки. Называя героев пьесы по именам, не забудьте в скобках указать фамилии актеров, которые исполняли роли. Не обязательно подробно перечислять всех действующих лиц. Достаточно отметить тех, чья игра действительно вас поразила.
4. Напишите о сценографии спектакля. Расскажите о цветовых решениях, световых сценариях, как форма помогала раскрытию содержания… Стоит уделить несколько слов работе хореографа, костюмера и гримера.

Вы можете использовать следующие слова и сочетания:
важно отметить, что…, в моем восприятии…, больше всего меня впечатлило…, исполнитель главное роли, доминировали актеры, очень удачным мне кажется решение режиссера…, цвето-световое решение, костюмы актеров, декорации были призваны передать…,  оригинальные находки, показалось лишним, не хватило для восприятия, разрушило мои представления, заставило задуматься, осталось в памяти…

Фанатики Вельзевула, или зрители в центре хаоса

Рецензия на спектакль «Повелитель мух» (Академический Малый драматический театр — Театр Европы). По одноименному роману Уильяма Голдинга, режиссер-постановщик – Лев Абрамович Додин.

Автор —Екатерина Чунихина, ученица 11Г класса Государственного бюджетного общеобразовательного учреждения Центра Образования 173, города Санкт-Петербург

Работа написана под руководством учителя русского языка и литературы ГБОУ ЦО 173 Зариной Светланы Георгиевны

«Небо. Самолет. В нем – дети и зрители Театра Европы. Звуки винтовых двигателей становятся громче, они начинают заполнять каждое место в небольшом зале, а сердца пришедших дрожат, чувствуют страх – надвигающиеся беду»

Режиссер и директор театра Лев Абрамович Додин выбрал идеальный роман для постановки на сцене. Место действия – остров, на котором оказались Ральф, Джек, Хрюша и другие. Все они герои эпического произведения Уильяма Голдинга «Повелитель мух». Ограниченное пространство играет на руку постановщику спектакля, ведь зрители ощущают давление, когда понимают, что они оказались в эпицентре катастрофы. И катастрофа здесь – это не крушение самолета на необитаемом острове, а дети, оказавшиеся наедине друг с другом. Если прийти на постановку без знания сюжета романа Голдинга, можно подумать, что ничего страшнее авиакатастрофы уже не произойдет. Но спустя всего 10 минут зритель понимает, что Додин играет на тонких струнах чувств свидетелей безумства обычных детей. Но обычных ли?

Лев Абрамович, возобновив спектакль в 2009 году, по-новому взглянул на «Повелителя мух». Важным изменением стала смена актерского состава. Не совсем дети, не совсем взрослые – именно такими и предстают герои обновленной театральной постановки. Практика исполнения более взрослыми артистами ролей подростков не является редкостью. Обычно это смотрится неуместно, но в данном спектакле «взрослые дети» проецируют на себе современных людей и их проблемы. Не этим ли режиссер и его помощники хотели сказать, что оказавшись в иных обстоятельствах, отличных от привычных, даже ребенок способен нагнать ужас и страх на окружающих и на самого себя? Стоит выйти за рамки, и мы приобретаем иные лица и иногда даже морды. В момент, когда малыш Персиваль (Ярослав Дяченко) говорит о чудовище, выходящем из моря, все герои смотрят в сторону зрительного зала и замирают на пару мгновений. Но эти мгновения длятся для публики так долго и мучительно. Они чувствуют и понимают, что дети так взволновано и пугающе смотрят сразу на несколько сотен чудищ – на зрителей. И Саймон (Станислав Никольский) это подтверждает короткой фразой: «Может, этот зверь и есть. Может, это мы…»

Ощущение «надвигающейся беды» все больше давит на пришедших в театр людей. Пение всех героев в ключевые моменты пьесы или моменты отчаяния, дым и свет со стороны арьерсцены как отражение бушующих эмоций малышей… в такой напряженный момент каждый ищет соломинку, за которую можно схватиться. На сцене их две — демократичный Ральф в исполнении Евгения Санникова и разрушительный Джек, роль которого исполнил Никита Сидоров. С одним ты чувствуешь себя в безопасности, а с другим – спасенным. Но благодаря исполнителям главных ролей зритель осознает – ни с кем из них по отдельности он не будет собой, чувствовать себя в полном здравии или просто живым. Читая роман Голдинга сложно осознать масштаб созданного детьми хаоса, из-за которого они ссорятся, делятся на два лагеря и не могут оставаться друзьями. Останки самолета на темной сцене играют роль зеркала разбитых душ детей. Но, даже собрав все части фюзеляжа в одном месте, собрать железную птичку уже нельзя, как и вернуть лучшие качества детей. Только увидев героев и маленький островок, мы можем осознать, что дальше будет еще страшнее, а кульминация содрогнет весь Малый драматический театр.

Когда эмоции героев спектакля зашкаливают, вместо детей разных возрастов появляются фанатики демона Вельзевула. Музыка и движения, похожие на ритуальные танцы, возвещают о смене личностей малышей. С этого момента они будут не Джеком, Роджером и Саймоном, а вождем, охотником и жертвой. Невинные и цивилизованные мальчики убивают товарища и даже не одного. Лев Абрамович, в конце концов, каждого героя постановки делает жертвой. Физически или морально, но каждый из них перестает быть собой. Замкнутое пространство сцены давит на них, выхода нет, а все, что остается выжившим героям «Повелителя мух» — это смириться. Смириться со своей новой личиной и с присутствием среди них невидимого демона. Но кто же он такой?

Голдинг называл «Повелителем мух» голову свиньи, насажанную на кол, которая вся была облеплена мухами. Эта голова – результат успешной охоты и жертва другому зверю. Но режиссер-постановщик показал не только «тотем» этого демона на сцене, но и изобразил свое личное представление Вельзевула. Лев Додин вместе со стенографистом Давидом Боровским отобразили его в самой сцене. Лучи света, прорывающиеся снизу, повсюду лежат части фюзеляжа самолета, а сам подмосток темнеет на протяжении всего спектакля. В конце сцена оказывается, поглощена тьмой – демоном, который и принес хаос на остров и в души детей.

Хаос – вот, что привнесли в театральную адаптацию «Повелителя мух» режиссер, его помощники и актеры. Они хотят донести до зрителя, что он есть и в нас, и в наших близких. Мы можем потерять лицо в любой момент и превратиться в зверя, уничтожающего собственную жизнь. Мы все – те «взрослые дети» со сцены МДТ. И Лев Абрамович прямым текстом сообщает залу «вы безумны, вы в опасности». Но дает ли театральный руководитель нам шанс на спасение? Думаю, каждый сам выбирает, насколько сильно оно ему нужно. Но Додин дает нам важное наставление – помощь нам необходима и как можно скорее. Режиссер настолько сильно погрузился в текст Уильяма Голдинга и собственную постановку, что теперь может давать советы театралам, пережив состояние героев на себе. А если постановщик смог вкусить плод собственного многолетнего труда и творчества – зритель это оценит и с головой окунется в жуткий мир. Зачем? Чтобы понять, как спасти себя. Не зря, выходя из зала, каждый думает про себя – для сохранения своего сознания им нужно «выглядеть попристойнее».

«Разрушенный самолет. Остров. На нем – дети и зрители Театра Европы. Пение хора и звуки смерти заставляют пришедших задуматься, не являются ли они отражением главных героев, а сцена – родным домом. Покидая театр, каждый в глубине души осознает, что беда настигла их тогда, когда они только появились на свет. Ведь мы и есть причины своих бед»

Спектакль изначально тесно связан с внутренним контекстом немецкого театра — Марталер поставил его как прощальный спектакль с театром Фолксбюнне, с которым его имя ассоциировалось больше 20 лет и где он сделал большую часть своих знаменитых спектаклей, но в итоге с командой Касторфа не продлили контракт.

Именно поэтому в спектакле есть сцены, вписанных именно в этот контекст. Например, здесь Марталер почти цитирует свой спектакль, с которого фактически началась его слава (и слава Фолксбюнне) в начале 90-ых гг. — «Убей европейца». Там герои комично распевали традиционную немецкую песню Danke, кидая чайные пакетики друг другу в чашки. В этом спектакле Марталер не буквально цитирует ту сцену, он меняет музыкальный фон, но визуальная отсылка явно считывается. А слово Danke перешло в финал спектакля, одновременно отсылая и к «Убей европейца», и являясь словом благодарности и прощания с этим театром. Таким образом, автоцитатой сцены Марталер закольцовывает свою историю в театре Фольксбюнне.

Конечно, это уже почти не считывается спустя 2 года и тем более в другой стране, но спектакль по смыслам намного глубже этого узкого контекста.

Прежде всего спектакль впечатляет своей внутренней динамикой — формально в нем нет ни сюжета, ни текста (фактически, из текста — только слова классических немецких песен), но при этом все складывается в единой сюжет.

С первой же сцены узнается традиционный Марталеровский почерк с почти гротескным юмором на немного «левую» тематику. Но эта кажущаяся на первый взгляд гротескность некоторых символов (люди-манекены, которые едят из мисок для собак, сломанные скрипки и т. д.) становится больше чем просто прямолинейной социальной сатирой за счет контекста. Почти с самого начала Марталер намекает, что действие происходит в доме престарелых (хотя все не так однозначно, но про это позже), поэтому эти символы, которые в другом контексте могли бы быть пошлыми, здесь являются символами безумия. Мы как будто видим происходящее глазами этих стариков, полубезумных и поэтому мыслящих этими культурными штампами.

Марталер виртуозно переходит от одной противоположности к другой, где одно в дальнейшем незаметно оборачивается чем-то абсолютно другим. Так, спектакль начинается с явно комического — актеров распаковывают из коробок и целлофана словно музейные экспонаты, после чего они комичными тембрами исполняют классические немецкие песни. Но этот комизм быстро оборачивается, неловким смехом, немного истеричным, потому что где-то на заднем плане умирает женщина, и смех перетекает в плач (все это сделано очень ненавязчиво, поэтому и не кажется пошлым).

В спектакле почти ничего не сказано напрямую, поэтому и место действия не так однозначно. Дом престарелых не называется, но это становится понятно в том числе и по отсылкам к балету Пины Бауш «Контактхоф» — визуально и пластически Марталер явно отсылает к ее балету, где принимали участие только непрофессиональные танцоры старше 65 лет. Много отсылок — и мышь, и переобувание, и умершая никем не замеченная героиня посреди танцев.

Некоторые места действия называются впрямую: передвижная выставка, где вместо экспонатов/манекенов — живые (или уже полуживые) люди; серебряная свадьба, поминки… Но там нет смены места действия, а все это происходит одновременно в разных ситуациях-местах, потому что это не реальный последовательный нарратив, а воспоминание, причем от лица разных персонажей — отсюда это дивертисментная структура.

Такое смещение смысла работает и на текстовом уровне. В какой-то момент персонажи поют «Смело товарищи в ногу», но смысл коммунистической идиотской песни меняется кардинально — героев явно ждет не светлое будущее в коммунистическом смысле, а скорее, загробный мир. Так что это, скорее, поминальная песня, тем более, что она почти соседствует с звучащей Kyrie Eleison в соседней сцене.

Таким образом, получается спираль, в которой зрителя проводят от комического до грустного и загробного, хотя и переходы почти незаметны. И пафосности совсем нет, как могло бы быть в этой теме, потому что Марталер травестирует все серьезное.

Один день в Макондо, или Один день в СТИ

Сто лет истории рода, девять часов на сцене, две части, «Одиночество любви» и «Одиночество смерти», один обед и сотни пылинок пыльцы. Спектакль «Один день в Макондо» в студии театрального искусства — эксперимент для зрителя, вызов самому себе. Смогу я целый день провести в театре, высижу, не усну? Как формат «один день в СТИ» повлиял на восприятие театрального произведения и как изменил литературный источник?

Большое внимание создатели постановки уделили внесценическим способам коммуникации со зрителем. В программке — родовое дерево семьи Буэндиа. В любой момент можно посмотреть, кто кому приходится, кто эти новые персонажи, появляющиеся на сцене. В перерыве между частями спектакля — настоящий обед по рецептам бабушки Урсулы. На столах в фойе вместо традиционных для СТИ яблок — бананы.

Сам режиссер, Егор Перегудов, подчеркивал, что для него было важным перенести на сцену СТИ атмосферу студенческой аудитории ГИТИСа, в которой рождался спектакль и приходили первые встречи со зрителем. Каменная стена 39 аудитории, две двери, ступеньки в зрительный зал, люк — внешние атрибуты родной сцены сохранены с особой тщательностью, но главное, что удалось перенести в стены СТИ — камерность и актеры спектакля, недавние выпускники мастерской Сергея Женовача.

«Один день в Макондо» дышит свежими режиссерскими выдумками и сценическими решениями. Егор Перегудов, взявшись работать с текстом, написанным в стиле магического реализма, удивляет чудесами и своей изобретательностью. Например, эпизод разговоров гостей на свадьбе Урсулы и Хосе, петушиные бои. За магию и волшебство отвечают цыган Мелькиадес в плотном темном пальто с поднятым воротником и люк, в котором появляются то лед, то женские ноги, то летающее одеяло.

Режиссер решает не выводить за кулисы умерших героев, а оставить их на сцене. Они находятся на помосте, который нависает над остальными персонажами. Так пространство спектакля делится на два уровня — мир живых и мир мертвых. Здесь режиссер идет вслед за мыслью Маркеса: граница между мирами исчезает, живые прекрасно уживаются с мертвыми. Там, на небе, они могут наблюдать за своими родственниками, травить друг другу анекдоты с бородой или готовиться к встрече с Урсулой. У каждого героя свой способ, свой пластический рисунок перехода в другой мир. Так, чтобы проводить Ремедиос, семья выстраивается в пирамиду, девушка забирается по ней и оказывается на помосте. Иногда, когда герои становятся призраками-воспоминаниями, они спускаются с помоста и буквально по пятам следуют за своими родственниками.

В любовных сценах помост символизирует наслаждение, вознесение на небеса. Эти сцены одни из самых красивых в спектакле. Их одинаковый пластический рисунок у разных пар подчеркивает роковой повтор одних и тех же ошибок в семье Буэндиа.

Костюмы героев просты — светлые и легкие. Но постепенно одежда темнеет. В «Одиночестве смерти» все персонажи появляются уже в темных нарядах. Впечатляет сцена, открывающая вторую часть. Герои выстраиваются около придвинутой к зрительному залу стены и начинают почесываться от невидимых муравьев.

Отдельно стоит отметить работу режиссера с текстом произведения. В первой части со сцены звучат эпизоды, в которых сохранено всё очарование, обаяние книги. Они вплетены в действие и совсем не усыпляют, а погружают в чувственный, сладостный, телесный, пахнущий мир. Во второй же части из-за большого объема сохраненного текста действие вязнет. Персонажи теряют в своей правдоподобности, из-за того что герои начинают проговаривать слова, принадлежащие всеведущему повествователю.

Как создатели спектакля интерпретируют одну из основных проблем романа — о движении времени? Звучит ответ, прописанный в книге: «Время не идет вперед, а движется по кругу». Но добавляется еще одна мысль: ничего нельзя изменить, всё придет туда, куда должно было прийти. Это можно прочитать в сцене многоминутной перемотки в финале первой части. Герои прокручивают обратно все действия, но постоянно возвращаются к одному и тому же эпизоду — знакомству Аурелиано с Ремедиос. Как ни анализируй прожитое, ничего уже не изменить ни в прошлом, ни в будущем.

История рода Буэндиа в версии Егора Перегудова смотрится как нечто развивающееся однолинейно. Возможно, текст Маркеса, перенесенный на сцену, потерял свою многослойность. Он остался полон чудес и волшебства, чувственности, преступной страсти и любви, но ощущение анахронизма времени, отсутствия упорядоченности этого мира удалось передать не в полной мере. Ход времени теряешь, скорее, не от самого развития действия, а от его продолжительности. Понимаешь, почему 9-часовой марафон — это единственно возможный и наиболее соответствующий формат для театральной постановки романа «Сто лет одиночества». Это и есть магический реализм с его стёртыми временными рамками.

«Один день в Макондо» в СТИ получился больше не про магию и философские размышления, а про бытовое и человеческое. Из-за этого зрители за несколько часов успевают сродниться с суетящейся Урсулой, импульсивным Хосе Аркадио и чудаковатой Ребекой.

Представь, что тебе нужно посмотреть фильм, который прокатывает только один кинотеатр в Москве. А ты Хабаровске. Что будешь делать? Правильно, полезешь в интернет смотреть пиратку. Ну и, как это обычно бывает, качество данного контента оставляет желать лучшего. Конкретно в твоём случае картинка приличная, но пираты оказались творческие, и снимали фильм мультикамерно, акцентируя за тебя внимание на тех или иных сценах, снимая их то с одного плана, то с другого. И так увлеклись визуальной составляющей, что забыли диктофон около колонки, и не оставили тебе ничего другого, кроме то вслушиваться в реплики актеров, пытаясь понять, что они сказали, то закрывать уши от невыносимого гула и перегрузов частот. Естественно, это прямо влияет на твоё восприятие, неминуемо искажая его со знаком минус. К чему я это говорю? Я хочу, чтобы ты держал это в голове, потому что моя рецензия основана именно на таком восприятии спектакля. Итак, речь сегодня пойдёт о работе режиссера Марата Гацалова «Утопия» по одноимённой пьесе Михаила Дурненкова. Посмотреть ее можно в Театре наций.

Сюжет.

Бизнесмен Кирилл находит алкаша Леху и выводит его из запоя с целью возродить Утопию — канувшую в лету пивнушку из 90х, в которой Кирилл с товарищами тусовался в молодости. По голливудским канонам Лёха идёт собирать дримтим, которая состоит из бывшей жены Нади и сына-наркомана Юры (русский колорит). Далее *спойлеры*

Картинка.

Мне кажется, сценография является гордостью этого спектакля. Это тот случай, когда лучше один раз увидеть, но я все же попробую описать. Над сценой наклонено огромное зеркальное полотно, которое отражает происходящее на ней. При этом герои лежат на полу практически весь спектакль, но, отражаясь в зеркале, существуют будто в двухмерном пространстве. И только бизнесмен Кирилл изредка принимает эту условность, когда нужно «спуститься» до уровня простых смертных, чтобы донести им свою мысль. Все остальное время он стоит на сцене. Дримтим же, наоборот, иногда поднимается на ноги, все остальное время проводя в лежачем состоянии. Этот ход показывает нам, насколько герои из разных реальностей. Не думаю, что буду оригинальным, окрестив всю картину Россией в миниатюре. И это настолько просто, насколько и гениально. Вот смотришь на огромное зеркало-Россию, со стороны вроде все нормально, ничего необычного, живут себе люди. Приглядываешься и понимаешь, что показалось, что в действительности люди «ползают», влачат убогое существование, а живёт только вот тот один «бизнесмен из 90х», живёт как человек. На протяжении всего спектакля на сцене валяются яблоки, их очень много. Прямо как ресурсов у самой богатой страны мира, но театральная условность такова, что вкушать эти яблоки может только Кирилл. Или это не только театральная условность?! Ну что, загрузился?! А это далеко не все. Здесь этого в избытке. Очень мрачно (в прямом и переносном смысле) и точно. Большую часть спектакля темно, как в ПГТ после заката. И, как там у Бродского, «Я сижу в темноте. И она не хуже в комнате, чем темнота снаружи». И не лучше. Она именно такая. Несмотря на то, что по сюжету события происходят весной-летом, от картины веет январским холодом. Не могу сказать, чем это вызвано.

Актёры

Есть два состава актёров, играющих Надю и Леху. Я смотрел запись с участием Ольги Белинской и Леонида Тимцуник, Кирилла играет народный артист России Андрей Соколов, Юру — Владислав Долженков.

Что получилось? Действующие лица ведут себя так, как мы и привыкли видеть. Бизнесмен как бизнесмен, алкаш как алкаш и т.д. Ничто не режет ни слух, ни глаз. Настолько органично актёры вписались в своих персонажей и пространство, что лично я до самого конца воспринимал их именно теми, кем они являются по сюжету. Игра актера Владислава Долженкова мне показалась особенно точной. Несмотря на некоторую клишированность образа, он смог достаточно детально показать все грани наркомана Юры в разных его состояниях. Также хочу отметить хореографию. По моим ощущениям, проделана огромная работа с хореографом для того, чтобы изобразить движения в двухмерном пространстве максимально реалистичными, но в то же время с некой долей киношно-комиксно-мультяшной условности.

Моменты.

Есть несколько моментов, которые меня зацепили и вызвали некоторые ассоциации. Не знаю, как их правильно назвать. Пусть будут режиссерские решения. (Могут быть спойлеры)

Когда семья собралась в ресторане, чтобы отметить свой успех, на сцене это показано, как люди, сидящие на дереве. В голове сразу возникает фраза «На людей посмотреть и себя показать». Как тебе такая интерпретация выхода в свет? Нарядные люди, сидящие на голом дереве, напоминают мне островки роскоши, как будто посреди центральной, но ободранной грязной улицы стоит шикарный ресторан с припаркованными люксовыми авто.

Есть сцена, где Юра под веществами плывет вперёд головой по сцене, раскатывая под собой белое полотно, в которое потом закутывается. Полотно очень похоже здесь на дорожку героина. Почему героина, спросишь ты. Потому что на сленге наркоманов его называют тёплым одеялом, в которое и укутался Юра.

Бутылка водки здесь светится. Как одна из наших национальных идей. Она источник света сначала для Лехи, а потом и для Кирилла.

Что в итоге?

«Утопия» Марата Гацалова — невероятно мрачная картина, пугающая своей точностью, простотой и реалистичностью. Ближайшая ассоциация для меня — фильм «Левиафан» Андрея Звягинцева. Не верьте тому, кто будет говорить, что это про 90е. Или верьте, но помните, что они не закончились, они продолжаются. Утопия, которую строили почти целый век, сгорела, оказавшись дешевой пивнухой. И, может и хорошо, что я лишь подсмотрел в замочную щель «пиратской» версии с плохим звуком, доносящимся из-за дверей театра, а не погрузился в лицензионную версию убогой русской обыденности. Хватит мне и пожизненной VR-подписки на нашу «Рашн реалити».

Как на улицах города собрать 300 человек и убедить их построить на несколько часов идеальное государство? Спросите об этом театральную команду Rimini Protokoll — трендсеттеров в области спектаклей-променадов во всем мире. Именно они в сентябре привезли в Петербург новую постановку «Утополис», которая стала самой масштабной среди всех их проектов.

На протяжении 19 лет немецкие бунтари Rimini Protokoll каждый свой спектакль, переворачивающий представления о театре, превращают в социальный эксперимент. Постановка «Утополис», в основу которой вошел труд Томаса Мора, не стала исключением. В декорациях городских улиц и общественно значимых зданий участники должны пройти этапы становления системы и ответить на главный вопрос — какое оно, идеальное государство?

Но на деле все оказывается довольно прозаичным. Придя по секретному адресу, который участники получают в письме за сутки до представления, обнаруживаю пять скучающих зрителей. Сегодня мы — граждане Утополиса, государства, которое создаем вместе. Помогать нам будет голос виртуального проводника, звучащий из колонки. Смущаясь, молча отправляемся по адресу, названному нашим невидимым помощником. На месте назначения встречаемся с группой таких же участников. А потом еще. И еще. Так наша микро-группа становится полноценным обществом с присущим ему хаосом. Метафора прозрачна — до какого момента группа людей способна слышать друг друга и суметь договориться?

Настолько же легко считывается задумка создателей провести участников по зданиям храма, библиотеки, железнодорожных касс и по пати-басу как символу государственных кулуаров. Вот только за зрелищностью маршрута, за громким призывом к размышлениям об идеальном мире и всем масштабом работы, которую проделала команда, катарсиса не случается.

Можно винить в этом партиципаторную практику спектакля-променада, которая каждый показ меняет в зависимости от вовлеченности участников в представление. Пришли пассивные зрители — и спектакль стал похож на детскую игру по станциям. Но для меня проблема оказалась глубже. Как можно жителей России — страны, где власть не меняется уже 19 лет, — заставить создать утопическое государство со всеобщим счастьем?

В финале спектакля-променада, когда все 300 участников встречаются в одном месте и обмениваются размышлениями о том, чего нам не хватает в этой жизни, оказывается, что мы все хотим одного и того же. Любви, искренности, понимания, умения слышать и делать только то, что нравится. Но даже в небольшой группе мы не способны уйти дальше этих размышлений и создать комфортное пространство вокруг себя. Мы безучастно ожидаем от окружающих каких-то действий и продолжаем верить, что Утополис создает себя сам.

В Воронеже показали на пальцах семь смертей

6 и 7 июня в Воронеже состоялись показы спектакля «Холодная кровь». Эта совместная работа лауреата премии «Оскар», режиссера Жако Ван Дормаля, хореографа Мишель Анн де Мей и коллектива Kiss&Cry стала сенсацией прошлогоднего Эдинбургского фестиваля, а также всероссийской премьерой и громким событием IX международного Платоновского фестиваля искусств.

Спектакль представляет собой кино, которое создается и транслируется в режиме реального времени командой из десяти человек, трое из которых хореографы. В миниатюрных декорациях снимаемые с шести камер кисти рук артистов превращаются в действующих лиц: танцуют, прогуливаются, водят машину, любят, живут и умирают.

Зрителям, привыкшим видеть актера целиком и следить за его речью, мимикой и жестами, сложно поверить, что руки могут быть настолько красноречивы и выразительны. Актеры и сами удивляются или немного кокетничают, не желая раскрывать секреты и называя происходящее особой магией.

Действие спектакля представляется сном, зрителей вводят в состояние гипноза, предлагая пережить семь жизней и семь смертей. Каждая из историй связана с определенным каналом восприятия мира. По задумке создателей спектакля, человек перед смертью видит не всю свою жизнь, проносящуюся перед глазами как кинопленка в ускоренном темпе, а переживает какой-то один значимый момент снова и снова. Это могут быть звуковые, визуальные, вкусовые образы, прикосновения, едва уловимые ощущения.

Для смерти подбираются десятки эпитетов и сравнений, несколько из которых наглядно показывают зрителю. Например, глупая, когда из почти ста пятидесяти пассажиров во время авиакатастрофы погибает лишь один, решивший пойти в туалет, или метеорологическая, застигающая снежной бурей женщину, отправившуюся в непогоду за хлебом. Она может наступить и от приготовленной еды у человека, прожившего долгую жизнь, пережившего войну, напалм, голод, рак, болезнь Альцгеймера, остехондроз, но умершего от пищевой аллергии на картофель, поданный в госпитале на ужин.

В спектакле, как и в самой жизни, немало черного юмора и случайного стечения обстоятельств. Разговор об этой непростой теме ведется легко и непринужденно, так же естественно, каковы сами рождение и смерть.

Благодаря кропотливо выстроенным декорациям с множеством миниатюрных деталей, игре света, удивительной хореографии, смене ракурсов, а также переключению камер и режимов съемки, спектакль превращается в прекрасную сказку, создающуюся прямо на глазах.

Когда рассказ о семи смертях завершается, перед зрителем возникает калейдоскоп, где руки, отраженные во множестве фрагментов, образуют все новые и новые сочетания. Эти замысловатые картины показывают многообразие мира и множество людей, сменяющих друг друга из поколения в поколение. Финальной точкой становится вывод из гипноза, пробуждение и возвращение к реальности, от которой действительно отключаешься, полностью погружаясь в происходящее на сцене и на экране. Голос заслуженного артиста РФ Анатолия Белого, читающего закадровый текст, напоминает: «Вы живы».

Елена Гуляева

Рецензия – весьма популярный жанр театральной критики, целью которой является рассказ о спектакле. Театр – тот вид искусства, который нуждается не только в осмыслении, но и быстром отклике зрителя.  Художественное произведение или, скажем, скульптура обладают способностью фиксировать то или иное событие, воспоминание, впечатление. Театральный спектакль, в свою очередь, происходит «здесь и сейчас». Иными словами, занавес опускается, и представление исчезает безвозвратно. Важно учитывать, что каждый спектакль отличается от предыдущего: меняется эмоциональное напряжение, акценты, смысл.

Журналист должен понимать, что рецензия посвящена именно спектаклю, а не пьесе. Как же написать отзыв? Необходимо научиться «читать» спектакль: понять задумку режиссера, концепцию постановки, воплощаемую через игру актеров, музыкальное сопровождение, художественное оформление и др. Театральная рецензия имеет определенную структуру. Следует начать с общего тезиса – лаконично сформулировать основную мысль просмотренного спектакля.  Допускается описание ключевых мизансцен – расположение исполнителей, предметов и декораций на сцене в тот или иной момент действа. При этом стоит уделить внимание и основным компонентам (текст, движения актеров), и дополнительным элементам (свет, музыка, цвет и др.) Можно рассказать о ключевых эпизодах, игре актеров и других выразительных средствах, используемых автором. Виртуозное построение мизансцены свидетельствует о том, что режиссер способен мыслить пластическими образами, передавать чувства и эмоции через движения актеров. Сотрудник средств массовой информации, которому поручено написать рецензию, должен аккуратно использовать театральные термины. Лучше лишний раз открыть словарь. В процессе написания рецензии важно не сбиться на «нравится» и «не нравится». Оставим эти термины простому зрителю. Не следует использовать в тексте следующие фразы: «порадовал актер», «хорошо справился с ролью» и др. Они не несут никакой информации для читателя. Еще одной ошибкой является изложение сюжета. Пересказать, конечно, можно, но емко и изящно.

Существует ряд советов для автора рецензии:

— провести предварительную работу: прочитать пьесу, узнать, в каких театрах ее ставили;

— работать на следующий день после просмотра спектакля, чтобы сравнить первое впечатление с послевкусием;

— рассказать в нескольких словах о театре, режиссере и других его постановках;

— написать разбор идейного содержания (какую основную мысль старался донести автор, атмосфера спектакля и др.);

— проанализировать важные эпизоды;

— отметить оригинальные решения;

— сохранить объективность;

— оценить игру артистов;

— рассказать о световых и цветовых решениях постановки;

— указать фамилии актеров, которые действительно поразили;

— оценить работу костюмера, постановщика танцевальных номеров, гримера;

— поделиться личными впечатлениями.

Помните, первоочередная задача журналиста – передать в рецензии дух спектакля, чтобы у зрителя появилось желание переступить порог театр и составить собственное мнение об увиденном.