Как называются художники которые пишут небо

Небо на картинах. Иван Айвазовский. «Кронштадт», 1897

Небо на картинах выглядит необычайно разнообразно, ведь трудно найти что-то более переменчивое. Небеса могут быть нежно-розовыми, бесконечно-синими, беспросветно-серыми или мрачно-грозовыми. С их помощью можно передать любые эмоции. Но сделать это непросто: реалистичное изображение небесного пейзажа требует большого мастерства. Посмотрим, как выглядит небо на картинах художников, сумевших передать его красоту. Лучшие примеры встречаются в живописи разных стран и эпох.

Небо на картинах известных художников. Саломон ван Рейсдаль. «Вид на Девентер с северо-запада», 1657

Голландские небесный пейзажи XVII века

Небо на картинах появляется далеко не сразу. В Средние века пейзаж практически исчезает как жанр, а мастера Античности и Возрождения предпочитали писать виды городов, рек или моря. Небо порой используется как условное пространство для религиозного сюжета. Но в эпоху Просвещения люди начинают уделять больше внимания реальному миру вокруг. В XVII и XVIII веках жанр пейзажа расцветает сильнее, чем когда-либо ранее, а с ним взгляд художников обращается к небесам.

Небо на картинах. Якоб ван Рёйсдал. «Мельница около Дюрстеде», 1670

Небо на картинах Золотого века Голландии часто занимает две трети холста и выписывается виртуозно. Глядя на голландский пейзаж, легко определить время суток, сезон и погоду. Мастеров, прекрасно изображавших небеса, довольно много. Среди лучших — Арт ван дер Нер (Aert van der Neer), Саломон ван Рёйсдал (Salomon van Ruysdael) и его племянник Якоб ван Рёйсдал (Jacob van Ruisdael).

Небо на картинах известных художников. Арт ван дер Нер. «Замерзшая река с пешеходным мостом», 1660

Небо на картинах. Арт ван дер Нер. «Ночной пейзаж с рекой», 1650

В 1680 году у художников появился особенный повод уделить внимание небесному пространству. В это время пролетала яркая комета, заметная невооруженным глазом даже днем. Как она выглядела ночью, изображено в работе Ливе Версхюра (Lieve Verschuier).

Небо на картинах известных художников. Ливе Версхюр. «Комета над Роттердамом», 1680

Небо у художников-романтиков

В творчестве представителей романтизма пейзаж играет огромную роль. Для этого течения характерен культ естественности и идея единения человека с природой. В живописи окружающий пейзаж часто служит отражением страстей или духовных помыслов героя. Небо может становиться символом бога и горнего мира. Это хорошо видно на произведениях немецкого художника Каспара Фридриха (Caspar David Friedrich). Его пейзажные дали полны мистической атмосферы, и на многих картинах важную роль играют небеса.

Например, в работе «Туман» земля изображена тусклой, голой и однообразной. Одинокому человеку на ней, по-видимому, тоскливо и неуютно. Но над ним — бескрайний небесный простор, играющий красками и полный жизни в виде устремляющихся ввысь птиц.

Небо на картинах. Каспар Давид Фридрих. «Туман», 1820

Мастерским изображением стихий прославился британский художник романтического направления Уильям Тернер (William Turner). Он бесподобно писал воду и воздух. На его акварелях запечатлено небо в разных состояниях: облачное, лунное, рассветное и закатное. За стремление отобразить переменчивую природу такой, какой она предстает в данный момент, Тернера называют первым импрессионистом. А поздние его работы, упрощенные до предела, приближаются к абстрактной живописи.

Небо на картинах известных художников. Уильям Тернер. «Рыбаки в море», 1796

Небо на картинах. Уильям Тернер. «Шкиперы грузят уголь при лунном свете», 1835

Небо на картинах известных художников. Уильям Тернер. «Замок Норем, рассвет», 1845

Каким увидел небо Ван Гог?

Винсент Ван Гог создал яркие и запоминающиеся образы ночного небосвода. Его «Звездная ночь» выглядит фантастично за счет предельно контрастных красок, огромных светил и вихревых потоков воздуха. Известно, что кроме Луны на картине изображена реальная Венера, которая в период работы над произведением светила необыкновенно ярко. Она находится в центральной части холста близко к горизонту.

Небо на картинах. Винсент ван Гог. «Звездная ночь», 1889

Ван Гог восхищался ночными небесами и писал брату, что при таинственном блеске звезд жизнь кажется ему волшебной. Художник нередко писал в ночное время со свечой. Еще один результат такой работы — «Звёздная ночь над Роной». Она была написана раньше, и эта работа более умиротворяющая, по сравнению с тревожной «Звездной ночью» 1889 года. Здесь условно изображены Большая Медведица и Полярная звезда. Небесным светилам вторят земные огни фонарей, отражающиеся в воде.

Небо на картинах известных художников. Винсент Ван Гог. «Звёздная ночь над Роной», 1888

Небо на картинах русских художников

В русской живописи присутствует давняя традиция изображения неба, оно встречается в произведениях многих мастеров. Например, наш лучший маринист Иван Айвазовский выписывал небеса и облака во всех их проявлениях не хуже, чем морские волны. Иногда эти две стихии сливаются друг с другом, так что не сразу понятно, где заканчиваются бушующие волны и начинаются грозовые тучи. Подобный прием мы видим и в самой знаменитой работе Айвазовского «Девятый вал», и на других полотнах.

Небо на картинах. Иван Айвазовский. «Девятый вал», 1850

Небо на картинах известных художников. Иван Айвазовский. «Корабль в штормовом море», 1852

В искусстве изображения неба преуспел ученик Айвазовского Архип Куинджи. Его картина «Лунная ночь на Днепре» вызвала такой интерес у современников, что для нее одной открыли моновыставку, собиравшую очереди. Лунный свет и его отражение в реке выглядят так реалистично, что ходили слухи об особенных флюоресцентных красках и даже о колдовстве. Небо неоднократно появляется в творчестве Куинджи — ночное, дневное, грозовое, с радугой и облаками.

Небо на картинах. Архип Куинджи. «Лунная ночь на Днепре», 1880

Небо на картинах известных художников. Архип Куинджи. «Облако», 1908

Исаак Левитан оставил много этюдов, на которых тренировался изображать облака. Результат отточенного мастерства — гениальная картина «Над вечным покоем». В ней нет ни ярких красок, ни выразительных светотеней. Лишь тонкий подбор нюансных оттенков помог Левитану создать реалистичный образ русского ненастья. Небо занимает половину холста, и это не пустое пространство. Мы видим и тяжелые тучи, и легкие перистые облака, плывущие над водной гладью. Глядя на эту мощную, бескрайнюю и равнодушную к нам природу, легко почувствовать хрупкость человеческой жизни.

Небо на картинах. Исаак Левитан. «Над вечным покоем», 1894

Небо на картинах художников — это сюжет, который всегда найдет отклик в сердце и никогда не выйдет из моды. Если вы хотите пополнить коллекцию такой работой, выбирайте ее среди лотов на сайте Very Important Lot! Здесь регулярно проводятся аукционы, на которых ценитель прекрасного всегда найдет что-то интересное.

Источник

Пастелисты пейзажисты

Scott Naismith Восход

Живопись Ренато Мучилло

Живопись пейзажи Сергей Ковальчук Пейзажная живопись

Небо живопись

Архип Иванович Куинджи пейзажи

Небо живопись

Пейзаж настроения

Ренато Мучилло Renato Muccillo

Облака гуашью

Небо живопись

Художник Василий Петрович Золотцев » Восход солнца на лугу»

Живопись мастихином море Восход горы

Художник Artem rhads Chebokha

Ярослав Зяблов художник картины

Морской пейзаж маслом

Небо живопись

Художник Artem rhads Cheboha

Импрессионизм поле

Восход живопись

Картины Артема Чебохи

Крыжицкий Константин Яковлевич картины

Скотта Нейсмита (Scott Naismith)

Импрессионизм Ованес Берберян

Закат пастелью

Летний пейзаж пастелью

Этюды мастихином

Небо мастихином картины

Пейзажи художника Сергея Ковальчука

Симон Дени картины

Облака маслом

Джон Констебл Этюд облаков

Ренато Мучилло Renato Muccillo

Художник Скотт Нейсмит

Художник Ренато Мучилло Renato Muccillo

Фредерик Эдвин чёрч

Картины пейзажи Чебоха Артем

Живопись. Василий Беликов

Море мастихином Скотт Нейсмит

Есенин звезды

Артур чартов художник картины

Море красками

Художник Dale Terbush

Фёдор Александрович Васильев рассвет

Дмитрий роза живопись

Художники Николай Владимирович и Иван Николаевич Булыгины

Кучевое облако Васильев Федор Александрович

Анастасия Мирре

Русский Сальвадор дали Владимир куш картины

Руслан Григорьевич Кипрыч

Художник Лорен Адамс

Дмитриев Георгий гроза над морем

Архип Иванович Куинджи Радуга

Художник Artem rhads Chebokha

Станковая живопись темперой

Морской пейзаж

Скотта Нейсмита (Scott Naismith)

Пейзаж с солнцем живопись

Звездное небо акварель

Стивен Холл (Stev’nn Hall)

Алексей Мартынов пейзаж с закатом

Художник Stev’nn Холл

Артем Чебоха живопись сюрреализм

Рерих Небесный бой 1912

Пейзажи Артура Чартова

Джон Констебл

Михаил Иваненко морские пейзажи

Иван Константинович Айвазовский после бури

Боб Росс картины море

Пейзаж закат живопись

Артем Чебоха живопись сюрреализм

Иван Фёдорович Шультце море

Томас Кинкейд картины

Минаев Сергей.художник маринист

Ван Гог солнце

Современная живопись

Живопись небо облака

Источник

Десять картин с облаками

Зевс, если верить Овидию, любил принять форму облака

Автор поста Людмила Бредихина

Облака служат надежным источником метафор с библейских времен. Вот, небольшое облако поднимается от моря, величиною в ладонь человеческую, ― читаем в Третьей Книге Царств, и, если помните, небо тут же сделалось мрачно от туч и ветра, жертва и мольбы были приняты, и пошел большой дождь, и Саваоф посрамил Ваала (18:44).

Вот плывет облако, похожее на рояль, ― читаем у Чехова и вспоминаем, из какого сора растут стихи и проза…

К тому же облака ― прямые родственники нимбов. В древнеримской мифологии облако, в котором боги спускались на землю, называлось nimbus (туман).

А Зевс, если верить Овидию, любил принять форму облака и в любовных своих похождениях. В живописи Возрождения облака исправно служили пышными подушками для ангелов, а сегодня картинки с облаками занимают первое место по популярности на сайте Instagram.

НАЗВАНИЯ — НАД КАРТИНОЙ

Федор Яковлевич Алексеев (1753–1824). Вид Москвы. Русский Музей, Санкт-Петербург

Облака Федора Алексеева заслуживают нашего внимания, ведь они из самых первых светских облаков в российской живописи. «Русский Каналетто» обучался искусству ведуты (архитектурного пейзажа) в Амстердаме и Венеции (1774–1777), учился у Моретти, испытал влияние Каналетто и Пиранези.

По возвращении в Россию он выполнил множество видов Петербурга и Москвы в так называемом «итальянизирующем» стиле и тем самым оказал потомкам огромную услугу. Если в его ведутах и не было каналеттовского ощущения воздуха и света, то в фотографической точности им не откажешь.

Считается, что Федор Алексеев первым из русских художников сумел в живописной картине представить целостное пространство пейзажа. Думаю, благодаря облакам.

Григорий Васильевич Сорока (1823–1864). Рыбаки. Середина 1840-х годов. Русский музей, Санкт-Петербург

Одна из лучших картин венециановской школы. Есть в ней щемящая поэзия и библейская простота. Удивительно, но ни один пейзаж Сороки не богат драматическими небесами. Зеркальная ширь и гладь озера в «Рыбаках», казалось бы, идеальна для отражения облачной драматургии. Но нет ни драм, ни трагедий, лишь некоторое удивление и античная покорность судьбе.

Барин Милюков, крепостным которого был Сорока, позволил своему холопу учиться у соседа по имению Алексея Гавриловича Венецианова, но свободы так и не дал. После смерти любимого учителя в 1947 году (Венецианов случайно погиб «разбитый лошадьми») лучший (из всех семидесяти!) ученик пытался продолжать его дело, учил живописи земляков, писал образа для деревенских церквей, но одиночество и крепостной быт сильно отравляли жизнь Сороки. Трагедии не удалось избежать.

В 1861 году, после отмены крепостного права, Григорий Васильев (Сорока ― прозвище) протестовал против грабительских условий «освобождения» и выступил против бывшего хозяина. В результате был обвинен в распространении ложных слухов, приговорен к аресту и наказанию.

Позже, отпущенный по болезни, он затосковал, или как тогда говорили, «задумался» и 10 мая 1864 года был обнаружен повесившимся. Как тут не вспомнить горькое гоголевское: Эх, русский народец! Не любит умирать своей смертью!

Архип Иванович Куинджи (1842–1911). Лунная ночь на Днепре. 1880–1882. ГТГ, Москва

Куинджи начал работу над этой легендарной картиной во время разрыва с передвижниками осенью 1880-го. По воскресеньям был открыт доступ в мастерскую, и публика повалила валом. Там побывали Крамской, Тургенев, Менделеев, Полонский.

Еще до выставки картина была куплена великим князем за огромные деньги. Персональная выставка на Большой Морской одной небольшой картины с длинными очередями ― уникальное событие по тем временам. Картина была так умело подсвечена художником, что некоторые зрители пытались заглянуть за нее, чтобы найти объяснение таинственного свечения. Пошли слухи о секретных красках и колдовстве.

Почти незримые облака сыграли роль занавеса, слегка раздвинутого для того, чтобы мы увидели фантастическое зрелище, как луна отражается в водах Днепра при тихой погоде. И вроде обошлось без нечистой силы… Куинджи охотно рассказывал своим ученикам, как не раз убеждался, ― никогда не следует писать результат того или иного светового эффекта.

Будь то свет сквозь облака или отражение в воде, добиваться нужно, чтобы результат эффекта появился в картине сам собой, только от верного отношения света и тени в самой картине. Но удавалось ли это кому-нибудь, кроме Куинджи?

Василий Васильевич Кандинский (1866–1944). Пейзаж с дождем. 1913. Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк

Этот пейзаж с разноцветными облаками и черными тучами, с прямолинейным черным дождем замыкает для меня акварельную живопись раннего Кандинского (именно в 1913-м в Берлине вышла его книга «Живопись как чистое искусство» на немецком языке и альбом его работ с 1901 до 1913 года). Кандинский начал отказываться от «лиц и животных в облаках», в пользу «абстрактных конфигураций красок и форм на явления внешнего мира» ― так прокомментировал композитор-авангардист Конрад Бемер постепенный переход художника к беспредметной живописи в 1910-е годы.

Дальше живопись становилась все более «грохочущим столкновением различных миров», как говорил сам Кандинский. Шенберг давал услышать это столкновение и крик мира в музыке, Кандинский в живописи.

В «Пейзаже с дождем» живопись еще не грохочет, и мир еще не кричит.

Аркадий Александрович Рылов (1870–1939). В голубом просторе. 1918. ГТГ, Москва

С этой эффектной картины ученика Куинджи начинают обычно разговор о достижениях советской живописи.

И впрямь есть в ней что-то от горьковского «Буревестника» и «Песни о Соколе». Хотя мимо зрителя пролетают значительно более лиричные птицы, но здесь много подъема, оптимизма, веры в светлое будущее, так что поневоле вспомнишь о почившем в бозе социалистическом реализме.

Я до сих пор помню, что единственное отличие этого реализма от реализма критического заключается ― говоря сугубо теоретически! ― в оптимизме автора. Ничего плохого в авторском оптимизме не вижу… И, возможно, будь Куинджи жив, он был бы доволен учеником.

Аркадию Рылову удалось не просто написать эффект головокружительного полета над бесконечными ледяными просторами, но создать этот эффект внутри картины, практически по рецепту Куинджи.

Исаак Ильич Левитан (1860–1900). Над вечным покоем. 1894. ГТГ, Москва

Вряд ли Исаак Левитан знал, что мадам Бовари ― это Флобер. Но даже если знал, в смелости ему не откажешь.

Предлагая картину Третьякову, он написал ему, что «Над вечным покоем» ― это как раз он, Левитан: весь, со всей моей психикой, со всем моим содержанием.

Однако здесь не только Левитан, слушающий за работой «Героическую симфонию» Бетховена, но и российское ненастье, мрачное, несоразмерное человеку, по-своему величественное. На небесах и на земле, в бесконечной ряби волн, на высоком берегу и на низком островке ― повсюду страсти роковые и от судеб защиты нет.

Вечный покой ― это вовсе не убогое кладбище на берегу, но те громадные российские пространства, над которыми под «Траурный марш» движутся вечные громоздкие облака Левитана.

Валентин Александрович Серов (1865–1911). Осенний вечер. Домотканово. ГТГ, Москва

Непревзойденный портретист Серов писал и пейзажи, где его поиски «отрадного, отрадного» содержания, далекого от идеалов передвижничества, были хорошо заметны.

Один из домоткановских пейзажей дает представление о его поисках за четыре года до того, как он окончательно выйдет из Товарищества передвижных художественных выставок и вступит в «Мир искусства».

Закатный свет еще не так лимонно радикален, как в «Стригунах на водопое. Домотканово» (1904), но уже предвещает особый свет. Он пробивается сквозь серую облачность и не слишком отрадную бурую графику деревьев и сухих трав.

Александр Михайлович Герасимов (1881–1963). И.В. Сталин и К.Е.Ворошилов в Кремле. 1938. ГТГ, Москва

Импрессионист-отказник, ученик Серова и Коровина, Герасимов Александр помнится нам по прекрасным розам на мокрых террасах и сухих верандах.

«Два вождя после дождя» ― картина важная, историческая не в смысле даже персонажей и авторского оптимизма.

Просто такие символично идеальные, такие пушистые-серебристые и светоносные облака не забудешь. Все облака, написанные в нашей стране после этих, вступают с ними в вынужденную полемику ― политическую и эстетическую.

Эрик Булатов. Живу и Вижу. 1999. Передвижной Музей искусства авангарда (МАГМА)

Я, хотя, не хочу и не ищу,

Живу и вижу.

За этой кажущейся экзистенциальной сдержанностью спрятаны аввакумовские страсти одного из лучших и самых оригинальных русских поэтов Всеволода Некрасова. За внешней сдержанностью прячется и страсть художника увидеть в реальности не прекрасное или ужасное, а «напротив, самое обычное, общепринятое ― то, что не надо никому доказывать, что каждому современнику кажется само собой разумеющимся».

Ничего ужасного или прекрасного в крышах, деревьях и облаках, которые видны из окна мастерской художника, как правило, нет (не герасимовские!). Но точка зрения на них не сразу показалась современникам привычной и очевидной.

Теперь, да, теперь кажется… Картина ― единственная реальность, в которую я верю, ― сказал Эрик Булатов. ― Окружающий мир, при всей его активности, слишком ненадежен, чтобы в него можно было всерьез поверить: все плывет, мелькает, меняется на глазах. Только картина незыблема. Даже если в нее заглянула и осталась там навсегда случайная женщина.

Даже если на ней сплошные облака…

Александр Виноградов и Владимир Дубосарский. Проект «Высокий китч акрилом». Ельцин и Лебедь. Фонд «Новый»

Одна из немногих политических картин знаменитого дуэта современных художников ― «предвыборная картинка». Написана срочно, между двумя турами президентских выборов, когда Лебедь отдал Ельцину свои голоса.

По-моему, анекдотично напоминает все сразу ― высокий берег Левитана, радугу в духе Кандинского, голубой простор Рылова, двух вождей после дождей, проект Комара — Меламида «Выбор народа»… И соль этого анекдота ― в облаках, которые топорщатся, как на театре перекрахмаленные простыни.

Источник

Подумала, и решила ещё подборку картин с облаками показать…Тоже 10

Современный канадский художник Ренато Мучилло (Renato Muccillo) знаменит своими пейзажами. В написании картин художник-самоучка использует классический стиль. Его облака выглядят очень реалистичными, заставляя задерживать взгляд на картинах. Свои работы Ренато Мучилло продает в основном частным лицам.

Мне кажется, он дружит с фотоаппаратом:))

Когда тревога и тоска

Мне тайно в душу проберётся,

Я вглядываюсь в облака,

Пока душа не улыбнётся.

Николай Гумилев

НАЗВАНИЯ — НАД КАРТИНОЙ

Архип Иванович Куинджи. Облако. 1898-1908.

Иван Иванович Шишкин. Облачный день.

Иван Константинович Айвазовский. Облако над тихим морем.1877.

Иван Константинович Айвазовский. Данте указывает художнику на необыкновенные облака.1883.

Моронобу Хисикава. Бодхисаттва Дзидзо стоит в белых монашеских одеждах на двух лотосах, покоящихся на облаке. 1681-1686.

Н. Крымов. Ветреный день. Бык.

А.И. Куинджи, «Ночное»

И. Левитан «Ай-Петри»

Эрик Булатов. Автопортрет 2011г. ( «Горизонт» — встретилось и такое название картины)

Картины Эрика Булатова могут показаться ироничными, могут напоминать советские плакаты или быть рассмотрены как транспаранты для идей, но для художника политический смысл в них всегда был вторичным. Главное для художника — именно размышление о сути живописи и будущем картины. Фундаментальная проблема живописи заключается в том, что трехмерное пространство нужно изобразить на плоскости картины, и Эрик Булатов решил, что не обязательно противопоставлять пространство и плоскость: можно столкнуть их друг с другом на холсте, и конфликт между словом и изображением будет отражать — по мнению художника — его время.(тут)

2-й источник

Источник

Словарь художника (Д-З)

ДЕКОРАТИВНО-ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО — вид изобразительного искусства. Художественные средства и Д. п. и. обычно подчинены практическому назначению предмета и обусловлены особенностями материала и техники. Этому искусству присуща большая условность, чем, например, станковой живописи. Д. п. и. тесно связано с бытом народа, поэтому для него характерно использование народных традиций.

Его название происходит от лат. decoro — украшаю, а в определении «прикладное» содержится мысль о том, что оно обслуживает практические нужды человека, одновременно удовлетворяя его основные эстетические потребности.

К декоративно-прикладному искусству, использующему красоту естественных, природных форм, относятся садово-парковое искусство, т.е. художественное оформление участков «дикой» местности; японская икебана, т.е. искусство составления букетов и оформления живописных природных уголков; различные композиции из засушенных трав и цветов, т.е. искусство так называемого флоризма; мастерство изготовления чучел животных на фоне среды — одним словом, все те виды творческо-эстетической деятельности человека, в которых он стремится внести в природу дополнительный элемент прекрасного.

ДЕТАЛИЗАЦИЯ — тщательная проработка деталей (см.) изображения. В зависимости от задачи, которую перед собой ставит художник, и его творческой манеры, степень детализации может быть различной.

Здесь главное , чтобы представления об окружающем мире обобществлялись, а это неизбежно происходит, поскольку люди говорят друг с другом. Так на основе своих ощущений общество может создавать и развивать знания.

Основа живописи – рисование. Потому что от знания основ рисования, правильной штриховки, цветопередачи – будет зависеть конечный результат вашей работы. Для начала, на новом слое я выполняю быстрый набросок контуров лица и основных линий. Это необходимо для разграничения цветов и оттенков при раскрашивании.

Такие художники как Рембранд начали с темных тонов, убирая и осветляя их позже. Это один способ. Детализация имеет важнейшее значение в придании картине реалистичности.

ДЕТАЛЬ (фр. — подробность): 1) элемент; 2) подробность, уточняющая характеристику образа; 3) менее значительная часть произведения; 4) фрагмент (см.).

ДЕФОРМАЦИЯ (лат.) — изменение видимой формы в изображении. Д. в искусстве нередко используется как художественный прием, усиливающий выразительность образа. Она широко применяется в карикатуре (см.), но встречается также и в станковой живописи и скульптуре.

Фовизм. Первым художественным течением в 20 веке, начавшим отход от принципов реализма, был фовизм (от французского слова «fauves», обозначающего зверей хищной породы. Это слово неточно было переведено термином «дикие», который привился в нашей литературе). Название «фовисты» дано художникам, выступившим в 1905 году против живописных методов и приемов импрессионизма, против ограниченности мещанских вкусов и натуралистического правдоподобия салопного искусства. Однако эти живописцы критиковали натурализм не с реалистических, а с формалистических позиций. Фовисты не имели общей эстетической программы, их объединяли декоративный характер живописных исканий, утверждение права художника на субъективное видение мира (исключение составляет Марке), уход от решения общественных проблем. Протест художников выразился в нарочитой остроте композиционных решений, в примитивизме форм, их пластической деформации, в отрицании линейной перспективы и иллюзорности, в цветовой экспрессии. В группу входили различные по своему творческому лицу художники: исполненный вечной мечты о гармонии мира Матисс, последовательный реалист поэт природы Марке, ставший после распада группы холодным рационалистом Дерен, отличающиеся повышенно экспрессивным восприятием мира Вламинк, острой гротескностью и трагизмом образов Руо. Фовизм лишь краткое время объединял художников. Каждый из участников группы пошел собственным путем, изменив творческие принципы и приемы.

Футуризм. Формой, откровенно далекой от реализма, был также возникший в 1909 году футуризм (от слова «футурум» — «будущее»), существовавший до 1930-х годов, эволюционируя частично к абстракционизму. В футуризме искажение и деформация образа реального мира носили характер субъективного произвола. Группировка художников — футуристов, выступивших в 1910 году, провозгласила своей целью разрушение старой культуры и воплощение в современном искусстве динамизма индустриальной эпохи и современных капиталистических больших городов. Футуристы фетишизировали машинную технику, противопоставляли машину человеку. Они стремились передать в живописи внутреннюю динамику предмета и перенасыщенность сознания современного человека множеством теснящих друг друга впечатлений. Главным фактором выражения современности они провозгласили время (четвертое измерение), ощущение которого пытались передать в картине с помощью раздробления и искажения зрительного образа реального мира в хаотической динамике ритмов, путем многократной фиксации повторных этапов движения тел в пространстве. Футуристы предвещали крах современного искусства, видели новое не в социальном переустройстве жизни общества, а в торжестве современного техницизма, подавляющего человека. Наиболее яркое выражение футуризм нашел в Италии в творчестве У. Боччони, Д. Северини, Д. Балла, К. Карра — авторов беспокойно-хаотичных композиций.

Бумага — довольно интересная мягкая основа: она разнообразна, удобно в работе и привлекательна. Бумага обладает той непосредственностью и степенью интимности, которых художники не в состоянии обнаружить у других, более привычных основ. Благодаря свойственной бумаге способности к абсорбции, краски на ней высыхают быстрее и становятся матовыми. Многообразие фактур бумаги делают ее еще более привлекательной для живописцев. Однако, как правило, бумага не рекомендуется для серьезной масляной живописи, поскольку считается не прочной. Это, безусловно, верное замечание. Но, тем не менее работы небольших размеров не бумажной основе могут производить хорошее впечатление. Конечно, при использовании бумаги необходимо соблюдать элементарные меры предосторожности. И первая из них достаточно очевидна: выбирайте только высококачественных сорта художественной бумаги. Пользуйтесь лишь 100% ветошной бумагой без содержания кислот и обращайте внимание на ее плотность. Чем плотнее будет бумага. Тем лучше. Ветошный (тряпичный) картон дает наилучшие результаты. Перед живописью на бумаге или картоне, их поверхность следует загрунтовать клеевым раствором. Проклеиватель на основе животного клея, нанесенный на необработанную бумагу надежно защитит ее от кислотности высыхающей краски. Существует и другой способ защиты: покройте бумагу слоем разбавленного акрилового средства или грунтовки gesso. Бумага абсорбирует оба грунта, а содержащиеся в ней вода вызовет деформацию бумаги и образование на ее поверхности морщинок. Для того чтобы предотвратить этот эффект, можно прикрепить края бумаги к картону клейкой лентой или степлером. Или после высыхания клеевого раствора можно смочить обратную сторону бумаги и расположить ее под несколькими листами промокаемой бумаги под грузом. Есть и третья альтернатива: покройте бумагу тонким слоем шеллака, который растворяется спиртом, и таким образом не будет подвергаться воздействию разбавителей или масла. Кроме того, существуют специальные и предварительно проклеенные виды бумаги, предназначенные в качестве основ для масляной живописи. Один из них — бумага Armand Sabretooth канадского производства, покрытая глиняной грунтовкой, она не восприимчива к воздействию масляных разбавителей. Художникам предлагается выбор бумаги девяти оттенков в листах размером 46*61 см и 61*92 см. Другой вид — Multimedia Artboard ветошная бумага в листах, которая пропитана эпоксидной смолой и поэтому не подвержена деформации и обладает «иммунитетом» к воздействию разбавителей красок и масла. Проклеивание — это индивидуальный процесс, он не является обязательным, если во главу угла ставится забота о прочности бумаги, поскольку эпоксидная смола предохраняет ее от гниения. Этот вид картона применим практически в любой техники — энкаустике, пастельной, акриловой, гуашевой, темперной и особенно в масляной и алкидной живописи. Единственный недостаток бумаги Multimedia Artboard заключается в том, что она может переломиться, если на нее уронить тяжелый предмет.

ДИЗАЙН (дизайнер) — то же что Техническая эстетика.

Design (англ.) — производное от итальянского «disegno», означает не только чертеж или рисунок, но и сложные вещи — всю область работы художника.

Дизайн — англ. проект, образ, замысел, идея, необычность нестандартность деятельности, умысел, план, цель, намерение, творческий замысел, чертеж, расчет, конструкция, эскиз, рисунок, узор, композиция, искусство композиции, произведение искусства.

Дизайн — теория (техническая эстетика) + практика (художественное конструирование).

Дизайн — это специфический ряд проектной деятельности, объединивший художественно-предметное творчество и научно обоснованную инженерную практику в сфере индустриального производства.

Дизайн — это творческий метод, процесс и результат художественно-технического проектирования промышленных издели, их комплексов и систем, ориентированного на достижение наиболее полного соответствия создаваемых объектов и среды в целом возможностям и потребности человека, как утилитарным, так и эстетическим.

Эстетика — наука о чувственном познании, постигающем и создающем прекрасное и выражающемся в образах искусства.

Понятие «эстетика» ввел в научный обиход в середине 18 в. немецкий философ-просветитель Александр Готлиб Баумгартен (Эстетика, 1750). Термин происходит от греческого слова aisthetikos – чувствующий, относящийся к чувственному восприятию. Баумгартен же выделил эстетику как самостоятельную философскую дисциплину.

Высшим, концентрированным, свободным от утилитарного начала видом эстетической деятельности является художественная деятельность. Цель художественного творчества – создание конкретного произведения искусства. Его создает особая личность – творец, обладающий художественными способностями.

Вдохновение. Исторические взгляды на природу гения постоянно развивались в соответствии с развитием понимания самого творческого процесса и одного из его основных элементов – вдохновения. Еще Платон в диалоге Ион говорил о том, что в момент творческого акта поэт находится в состоянии исступления, им движет божественная сила. Иррациональный момент творчества подчеркивал Кант. Он отмечал непознаваемость творческого акта. Метод работы художника, писал он в Критике способности суждений, непонятен, является загадкой для большинства людей, а подчас и для самого художника.

ДИНАМИЧНОСТЬ (греч. — силовой) — в изобразительном искусстве: движение, отсутствие покоя. Здесь это не всегда изображение движения — физического действия, являющегося перемещением в пространстве, но и внутренняя динамика (динамичность) образа, как у живых существ, так и неодушевленных предметов. Д. достигается композиционным решением, трактовкой форм и манерой исполнения (характером мазка, штриха и т. д.).

Изобразительное искусство объединяет близкие друг другу живопись, графику, скульптуру, художественную фотографию.

Важнейшая особенность изобразительного искусства состоит в свойственной ему удивительной способности передавать все многообразие и сложность жизни, всю ее динамичность через изображение одного события или момента.

Движение в скульптуре, как правило, более сдержанно, чем в живописи: статуя должна быть устойчивой, но объемность скульптуры позволяет представить динамичность очень выразительно. Эта динамичность – важнейшее средство характеристики человека.

ЖАНР (фр. — род) — понятие, объединяющее произведения по признаку сходства тематики. Произведения одного Ж. отражают определенную область жизни человека или природы. В изобразительном искусстве (в основном в живописи) различают Ж.: натюрморта, интерьера, пейзажа, портрета, сюжетной картины (Ж. бытовой, исторический, батальный и т. д.).

Различают (Это основа):

жанр исторический (Например, В.И.Суриков увлекался русской историей. Его произведения «Утро стрелецкой казни», «Боярыня Морозова» и другие о реальных событиях и людях прошлых веков.);
бытовой;
батальный;
жанр портрета;
пейзажа;
натюрморта.

Понятие жанра сложилось в XV — XVI вв.: разделение искусства на отдельные жанры способствовало более глубокому изучению и отражению в искусстве действительности, а также выработке и развитию необходимых для этого средств.

Современное понятие жанра оказывается особенно развитым на почве станковой живописи. В скульптуре подразделения на жанр почти не существует, т.к. здесь в основу классификации кладется скорее целевое назначение скульптурного произведения, чем тематический принцип. Но и тут сохраняется все же устойчивый тематический жанр портрета.

Художники пишут разные картины. На одних мы видим людей, на других — природу, третьи представляют собой картины из повседневной жизни обычных людей. И вот по содержанию картин их стали делить на жанры. Жанр — это тема картины. Художников, которые любят рисовать море, называют “маринистами” ( от латинского слова “marinus” — морской). Есть картины, на которых изображены военные действия. Такие произведения называют батальным жанром ( от слова “баталия” — бой). Художник, который пишет такие картины, называется баталистом. А есть и такие картины — небольшая улица заполнена играющими детьми. Здесь и дерущиеся мальчишки, и девочки с куклами. Кто-то смеётся и веселится, а кто-то явно расстроен. Мы видим момент из жизни какого-то городка. Картины, подобные этой, относятся к бытовому жанру. Очень часто их называют просто “жанровая живопись”. Существуют и другие жанры. “Натюрморт”, “Пейзаж”, “Портрет”, “Анималистика”. Деление на жанры есть во всех видах изобразительного искусства.

ЖИВОПИСЬ — один из главных видов изобразительного искусства. Произведения Ж. выполняются на плоскости холста, картона, па бумаге и т. д. различными красочными материалами. Решающую роль в Ж. как художественное средство играет цвет, позволяющий дать наиболее полно, по сравнению с другими видами изобразительного искусства, образное отражение предметного мира.

По применяемым красочным материалам Ж. подразделяется на: акварель — водяные краски; масляную Ж.; темперу; энкаустику — восковые краски; пастель — сухая краска; клеевую живопись, гуашь и т. д.

По назначению различают Ж. станковую (см.), монументальную (см. Фреска) и декоративно-прикладную (см. Панно).

Живопись ( анг. Painting; фр.Peinture; нем.Malerei ) — это вид изобразительного искусства, произведения которого создаются на плоскости посредством цветных материалов. Живопись подразделяют на станковую, монументальную и декоративную.

По назначению, по характеру исполнения и образов различают:

живопись монументально-декоративную (стенные росписи, плафоны, панно), участвующую в организации архитектурного пространства, создающую идейно-насыщенную среду для человека; станковую (картины), более интимную по характеру, обычно не связанную с каким-либо определенным местом; декорационную живопись (эскизы театральных и кинодекораций и костюмов); иконопись; миниатюру (иллюстрации рукописей, портреты и т. д.). К разновидностям живописи относятся также диорама и панорама.

ЖУХЛОСТЬ — в живописи — изменения в красочном слое, вследствие которых часть поверхности картины или этюда делается матовой, теряет блеск и звучность красок. Ж. Возникает от недостатка в краске связующего вещества — масла, впитавшегося в грунт, или от чрезмерного разведения красок растворителем, а также от нанесения красок на не вполне просохший красочный слой.

Жухлость — помутнение, утрата блеска и яркости красочного слоя масляной живописи от чрезмерного уменьшения количества связующего в составе красочного слоя.

Жухлость — в живописи — изменения в красочном слое, из-за которых часть поверхности картины или этюда делается матовой, теряет блеск и звучность красок. Жухлость возникает по причинам:
от недостатка в краске связующего вещества; или
от чрезмерного разведения красок растворителем; или
от нанесения красок на не вполне просохший красочный слой.

При ремонте — жухлость — это когда связующее масляной краски «втянулось» в окрашиваемую поверхность из-за ее некачественного грунтования. Следует зачистить поверхность мелкой шкуркой и вновь окрасить.

ЗАКОНЧЕННОСТЬ — такая стадия в работе над произведением, когда достигнута наибольшая полнота воплощения творческого замысла или, в более узком смысле, когда выполнена определенная изобразительная задача.

Источник

«Картину я всегда начинаю с неба», — объяснял французский художник Альфред Сислей (1839 — 1899) свой творческий метод. Оно и понятно, с чего же ещё начинать закоренелому импрессионисту? Не с портретов же в самом деле! Настоящий пост — сочинение по картине (помните, как в школе?) «Наводнение в Пор-Марли», написанной Сислеем в 1872 году.

Но сначала пару слов о художнике и других его картинах.

Небо для меня — самый главный персонаж и объект. Ни в коем случае не фон! Оно даёт необходимую разноплановую глубину. Передаёт движение. Каждый раз, садясь писать, я начинаю с неба, —

признавался Альфред Сислей своему другу, художественному критику Альфреду Тавернье в январе 1892 года.

Сислей, конечно, не лукавит, и говорит не ради красного словца. Это и правда так. Посмотрите на его сельские пейзажи. Неважно, где он их создаёт: в Лувесьене, Марли-ле-Руа, Венё-Надоне, Море-сюр-Луане, ещё какой-нибудь глухой французской провинции. Городскими пейзажами художник, впрочем, тоже не пренебрегает. Вильнёв-ла-Гаренн, Аржантёй (привет Эдуару Мане) и даже восточный Лондон, который Сислей посетил в 1897 году — всем нашлось место на холсте.

И всегда первое, что бросается в глаза — это великое бездонное небо.

Улица деревни (Соседи в Лувесьенне), 1872 г. Сезонность соблюдена.

Сена в Сюрене, 1877 г.

Вид на Темзу: мост Чаринг-Кросс, 1874 г.

Даже если неба только маленький кусочек:

Осенний пейзаж, Лувесьенн, 1875 г.

Сислей предпочитает открытую перспективу и фокусирует взгляд зрителя на природных объектах. Крохотные мирные деревушки летом утопают в сочной густой зелени, зимой окружены частоколом голых стволов. Среди холмистых кисельных берегов катит воды свои ~~мутный Днепр~~ величавая Сена.

Сислей был плодовитым живописцем: на Артхиве есть 279 его работ, а французская Википедия с гордостью сообщает о 960 холстах маслом, ста рисунках пастелью и множестве других эскизов и зарисовках. К чести живописца (подделывают, значит ценят), обнаружено большое количество фальшивых Сислеев.

Сислей воспевает деревню, причем любит ее в изначальном, посконном виде. Некоторые места так западают ему в душу, что он пишет их по нескольку раз, под разным углом, в разное время: зимой и летом.

На картинах очень мало следов цивилизации, а ведь Сислей работал в то время, когда технический прогресс набирал обороты, Франция переживала расцвет индустриализации. В пригородах множились заводы, создавались новые машины и агрегаты, ручной труд механизировался, рос потребительский спрос, а с ним и рынок.

Сислей заметил, что сам он живет в индустриальную эпоху только в 1877 году, после того как обосновался в Булонь-Бийанкуре — самом густонаселённом пригороде Париже, застроенном заводами и фабриками. С этого времени на картинах появляются заводские трубы (редко, в основном на заднем плане), рынки и прочая торговая суета.

Фабрика в Севре, 1879 г.

Как правоверного импрессиониста Сислея в первую очередь интересуют вариации естественного света и впечатления, возникающие у художника, когда он видит отражения световых лучей на разных объектах. Сислей пишет в любое время года и в любую погоду. Рисует первый снег, грозовую июльскую тучу, осенний туман и покрытые снежной ватой поля. Он заворожен капризами природы, вероятно, это позволяет отвлечься от пугающей действительности.

Но эта действительность всё равно настигнет художника. В 1870 году ателье Сислея уничтожено пруссаками. В сентябре провозглашена III Республика, за которой следует, а лучше сказать разражается Парижская коммуна. Потом разоряется и умирает отец живописца, и он вместе с женой и детьми погружается в своего рода долговую кабалу. Всех этих передряг на картинах Сислея нет. Франция конца XIX века предстает мирной и поэтической провинцией, жизнь в которой светла и покойна, как у Христа за пазухой.

Лодки на канале Сен-Мартен в Париже, 1870 г.

Ну, а теперь к картине «Наводнение в Пор-Марли»

В 1872 и 1876 годах Сена вышла из берегов и затопила селенье Пор-Марли в департаменте Ивелин. Сислей посвятил этим двум паводкам несколько картин. Одна из них была представлена на Второй выставке импрессионистов в 1876 году и имела определенный успех.

Наводнение в Пор-Марли, 1972 г. Картина находится Национальной художественной галерее Вашингтона

Вода. В 1872 году наводнение было одним из самых сильных за всю историю тогдашних метеонаблюдений. В ту зиму дождь шёл каждый день, не прекращаясь в течение нескольких месяцев. Вода начала убывать только весной. Сислей использует серый, светло-коричневый и зеленый оттенки, чтобы передать меланхолию речного разлива. Блики синевы в небе обещают солнце.

Деревья и столбы. Деревья, столбы и фонари, наполовину погружённые в воду, свидетельствуют о силе наводнения. Водная гладь, превращенная Сислеем в зеркало, расширяет область неба и облаков. Зеркальное отражение позволяет показать рябь и ветер, качающий голые ветки. В правой части картины, у самого горизонта, вода и небо сливаются в одно.

Лодки. Спасатели правят шестами, отталкиваясь ими ото дна. Они плывут к жителям, дома которых попали в плен реки. Сислей пишет только силуэты, возможно, так он хочет подчеркнуть бессилие совокупного человека перед стихией.

Дом. Владелец здания — виноторговец выложил по периметру доски, чтобы обитатели могли выйти на свет Божий. Дом — самый крепкий и прочный объект на картине. Но, несмотря на свои внушительные размеры, он всё же не закрывает горизонт, позволяя взгляду свободно бродить в пространстве картины (любимая фишка Сислея) и даже убегать за его пределы.

А вот картина, на которой запечатлено наводнение в Пор-Марли в 1876 году. То же место, тот же ракурс, четыре года спустя.

Картина находится в Музее изящных искусств, Руана (Франция)

А вам нравится Сислей? Какая картина произвела наибольшее впечатление?

Источник

пятница, 10 сентября 2004

Что может быть красивее неба? Не понимаю, почему художники рисуют всё, что угодно, только не небо, которое разве где-нибудь скраю присутствует на пейзажах. Вот если б я был художником, я рисовал бы только одно небо — чистое тёмно-синее — бездонно-глубокое, ночное со звёздами, васильковое с облаками. Я всё время смотрю на него, не могу иногда оторваться.

Кстати, художники, рисующие животных, называются анималистами, море — маринистами, людей — портретистами и т. д. А как бы назывался художник, рисующий небо? По-латыни небо — caelum, стало быть, наверное, — художник-целист… что-то в этом роде.

Источник

Живопись чистого воздуха. Импрессионизм

Живопись чистого воздуха

Истоки импрессионизма

XIX век клонится к закату. Парижская Академия изящных искусств диктует зрителям и творцам свои представления о прекрасном. Художники пишут пейзажи в мастерской, стараясь, чтобы справа и слева деревья напоминали кулисы, ближний план выдерживался в коричневых, второй – в зелёных, дальний – в голубых тонах. Они рисуют чёрные тени, прилизанную итальянскую природу и абсолютно безвоздушное пространство. Иногда под сдержанным солнышком мелькнёт нимфа – обнажённая натура, выхолощенная до состояния мраморной статуи. Академики создают картины для Салона – ежегодной выставки-продажи, где бывает и сам король, а главное – сытые буржуа, сладострастные до живописных видов и трогательных нимф.

Камиль Коро, «Лес Фонтенбло»

В Париже многочисленные художественные ателье готовят живописцев всех мастей. В мастерской Глейра собирается по тридцать-сорок учеников, среди которых и седобородые старцы, и легкомысленные мальчишки, любители острых шуток. Четверо из них: Фредерик Базиль, Клод Моне, Огюст Ренуар и Альфред Сислей, – вечно раздражают учителя Глейра своим нежеланием идеализировать натуру. По вечерам та же четвёрка отправляется в кафе Гербуа на улице Батиньоль и погружается в споры о современном искусстве с литераторами, фотографами, журналистами… «Не могло быть ничего более интересного, — вспоминал Клод Моне, — чем эти беседы и непрерывное столкновение мнений. Они обостряли наш ум, стимулировали наши бескорыстные и искренние стремления, давали нам запас энтузиазма, поддерживавший нас в течение многих недель, пока окончательно не оформлялась идея. Мы уходили после этих бесед в приподнятом состоянии духа, с окрепшей волей, с мыслями более чёткими и ясными».

Клод Моне

В 1863 году Клод Моне, воодушевлённый разговорами, бежит прочь из душной столицы – в деревеньку Шайи на окраине Фонтенбло. За собою он увлекает соучеников по мастерской Глейра: Ренуара и Базиля. Долгие прогулки по живописным лесам, работа в дружеской атмосфере дополняются встречами со старшим поколением художников-бунтарей, — так называемыми барбизонцами (от деревеньки Барбизон, где они обосновались). Среди старшего поколения авторов были знаменитые основоположники французского национального, реалистического пейзажа: Коро и Добиньи. Эти авторы не боялись изобразить разбитые колеи дорог, крестьянских коров и мелкий грибной дождик. Именно Камилю Коро принадлежит совет отправляться каждый год в одно и то же место, писать одно и то же дерево и выбирать те мотивы, которые соответствуют впечатлениям автора.

Слова Коро легли на почву, подготовленную первым учителем Клода Моне – Эженом Буденом. Этот скромный провинциальный живописец осмелился выставить напоказ новаторские виды побережья, написанные широкими быстрыми мазками, ясными красками, и, что самое важное, прямо на природе, без традиционного «заглаживания» в мастерской. Подобные картины в то время воспринимались как этюды (от франц. étudier – изучать), то есть подготовительный материал в работе: полноценную картину автор создавал в ателье, компонуя и перерабатывая сотни этюдов в стройную композицию, выверенную по геометрическим и сценическим правилам. Буден же настаивал на силе и выразительности вещей, написанных «на месте», и необходимости «проявлять крайнее упорство в сохранении первого впечатления, так как оно — самое правильное». Заветы своего учителя Клод Моне будет помнить всю жизнь.

Эжен Буден. 1886, Музей Нортона Симона

Пленэр

Живопись на «свежем воздухе», на пленэре (французское plein air — «чистый, открытый воздух»), не случайно играет столь важную роль в европейской культуре. Рисунок и живопись такого рода кажутся наиболее естественными, близкими к «натуре», правдивыми. Только на природе можно заметить, что вместо чёрных академических теней появляются синие, голубые и фиолетовые; появляются рефлексы – отсветы (синее небо и зелёная трава отражаются в человеческой коже, слегка окрашивая её). Моне и его единомышленники делают непосредственное отображение натуры своей главной задачей, своим манифестом. Защищавший их критик Дюре утверждал, что для создания картины настоящему художнику достаточно выйти на берег реки и поместить рамку на пейзаж. Конечно, здесь есть некоторое преувеличение: автор всегда ищет нужные композиционные и цветовые сочетания, и подлинная живопись всегда будет отличаться от фотографии. Главное, что подчёркивает в своей фразе Дюре — переживание подлинного контакта с природой.

Вслед за старшим современником барбизонской школы, художником Добиньи, молодой Клод Моне мастерит плавучую мастерскую: домик на лодке. В 60-е годы 19 века лучшие работы Моне создаются прямо посреди реки. Мастерская как бы выходит на природу, превращается в динамичное пространство, движение которого находится в зависимости от ветра, волн, плеска вёсел, от согласованных действий человека и природы.

Непосредственность ощущения была важнее всего, именно поэтому Моне и его товарищи отказываются от детальной проработки картин, которая разрушала бы цельность и яркость первого впечатления. Новая манера письма – широкими быстрыми мазками, — позволяет обобщить изображение. Для того, чтобы их прочитать и раскрыть всю полноту изображённого, требуется фантазия самого зрителя.

Уголок сада в Монжероне. Около 1876 г

Выставки, скандалы и признание

Зрители этого новшества не оценили. Картины Клода и его друзей практически не принимают в официальный Салон, а когда художники набираются смелости и в 1874 году открывают независимую выставку, разгорается полноценный скандал. «Первая выставка анонимного общества художников, скульпторов, граверов и пр.» в бывшей мастерской фотографа Надара стала поворотным моментом в истории европейского искусства. Именно там Клод Моне представил своё полотно «Восход солнца. Впечатление» («L’Impression. Soleil levant»). Журналист и художественный критик Луи Леруа сравнивал живопись Моне с обоями, и сравнение было в пользу обоев. Именно Леруа, отталкиваясь от названия картины Моне, назвал художников его круга «импрессионистами» — «впечатленцами». Если бы он знал, что фактически подарил название одному из ведущих направлений живописи…

Клод Моне. Впечатление. Восход солнца. 1872 г.

Бунтари выступили под этим названием на третьей совместной выставке, в 1877 году. Как ни странно, уже через пару лет началось постепенное признание. К концу 80-х годов многие мастера, включая авторов официального Салона, подражают импрессионистам и находят их невероятно стильными.

Метод импрессионистов

Мировоззрение и творческий метод импрессионистов находится в соответствии с научными открытиями своего времени. Так, было установлено, что пространство между предметами не бывает пустым и статичным, но, напротив, заполнено мельчайшими атомами, движениями волн света. Это и хотят передать художники: «Я желаю недостижимого. Другие художники пишут мост, дом, лодку, и на этом всё. Они закончили. Я же хочу написать воздух, окружающий мост, дом, лодку, красоту воздуха, в котором существуют эти объекты, а это невозможно…» – сокрушается Клод Моне. Вместо существующего, данного, завершённого, бытие оказывалось относительным, динамическим, постоянно изменчивым. И эту изменчивость требовалось показать в искусстве. Даже среди природы импрессионисты более всего любили подвижные объекты: облака, воды, луговое разнотравье и кроны деревьев. Менялись не только предметы, но состояние света, цвета, воздуха вокруг них. С помощью размашистых, разнонаправленных мазков с нечеткими очертаниями, сочетания разной фактуры краски мастерам удавалось создать впечатление движения и самой красочной структуры.

Цвет – тоже не единое, определённое и устойчивое явление, как на картинах 17-18 столетий. Согласно популярным во второй половине ХIХ века исследованиям Шеврейля и Роода, белый свет разлагается на спектр, где существуют три базовых цвета: красный, желтый и синий. Все остальные оттенки получаются лишь в результате смешения этих трёх в глазу зрителя. Таким образом, облик мира зависит от человека, чей глаз ловит световые лучи и смешивает их в цветовые пятна. Изображённый импрессионистами мир текучий, переливчатый, изменчивый. Картина мыслится как отражение краткого мгновения, остановленный миг в потоке бытия. Один из бесчисленных моментов реальности обретал ценность и значимость по воле художника, становясь достойным для увековечивания на холсте.

Сюжет

Интересно, что в работах импрессионистов нет конфликта, а значит, сюжета, который можно рассказать или написать. Ведь любой объект, будь то цветок, человек или улица Парижа, становился лишь предлогом для изучения игры воздуха и света, лишь частью мировой изменчивости. Клод Моне отвечает воображаемому критику: «сюжет этой картины, дорогой мой друг, — это свет». Поэтому импрессионисты демонстративно избирают «случайное»: уголок сада, озеро, цветущий куст. Картины «Бал в Муллен де ла Галет» Ренуара, «Бульвар Капуцинок» Моне показывают как бы случайных персонажей, нечаянно попавших в поле зрения живописца. «Случайный» характер несет ассиметричная композиция, свободная раскадровка. И, тем не менее, все предметы взаимосвязаны друг с другом за счёт отблесков-рефлексов, которые отражают в каждой вещи окружающий ее мир. Небо окрашивает в синий цвет снега и деревья; зеленоватые отблески воды ложатся на лица и костюмы, солнечное золото просвечивает сквозь листву. Все элементы бытия отражаются и продолжаются друг в друге. Исчезают жёсткие контуры, которые бы замыкали предмет в себе и отделяли от прочих: очертания смываются, растворяются в атмосфере.

Бал в Мулен де ла Галетт. Огюст Ренуар, 1876 г

Наследие импрессионизма

Импрессионизм развивался в течение десятилетий, и существует до сих пор. Иным становилось отношение к пленэру, свету, наложению краски. Тем не менее, импрессионизм изменил критерии художественного для всей европейской живописи. И до сих пор такие художники, как Мария Иванова-Очерет, используют достижения Клода Моне и его друзей.

Мария Иванова-Очерет. Дуб. 2014 г

Мария пишет пейзажи всегда на пленэре, возвращаясь на одно и то же место, бывает, по нескольку лет подряд; использует быстрые разнонаправленные мазки и старается уловить соотношения и рефлексы. В её картинах всегда присутствует ощущение воздуха и света. Можно сделать вывод, что творческий метод импрессионистов и их идеи всё ещё имеют большой потенциал, возможно, до конца не раскрытый.

Подготовила искусствовед А. Г. Коншакова.

Источник