Как пишут музыку для песен

У каждой хитовой песни есть одна общая черта — отличная мелодия. Создание запоминающихся мелодий на основе
аккордовой прогрессии
— один из лучших навыков, которым может обладать любой музыкант, поскольку сильная мелодия может легко сделать или сломать песню. Однако освоить искусство написания мелодии может быть непросто, особенно если вы не писали песен в прошлом.

Мы разберем процесс написания мелодии шаг за шагом, чтобы вы смогли создать свою собственную мелодию в кратчайшие сроки. Мы также расскажем, что делает мелодию хорошей и как преодолеть
писательский блок
, чтобы вы могли писать без проблем. Давайте погрузимся в это!

Что такое мелодия?

В своей простейшей форме
мелодия — это последовательность нот
, призванная запомниться слушателю. Интуитивно вы знаете, что такое мелодия. Отличный пример мелодии, которую знают все, — это песня «С днем рождения». Вот как эта мелодия выглядит в формате MIDI:

Эти ноты имеют определенную структуру, двигаясь в основном ступенчато, чтобы добраться до точки фокуса — высокого «С» или кульминационного «happy», которое все склонны петь немного не в лад на вечеринках по случаю дня рождения.

Но это только одна мелодия. Существует множество отличных способов написания мелодий, и мелодические идеи могут включать в себя множество пропусков, только шаги, длинные ноты, короткие ноты или все, что угодно между ними. Хорошие мелодии легко запоминаются в контексте с остальной частью песни.

Что делает мелодию великой?

Хотя отличные мелодии существуют в разных формах, есть несколько основных моментов, о которых следует помнить, развивая свои навыки написания мелодий. Вот некоторые общие факторы, присущие отличным мелодиям:

Запоминающаяся мелодия — это мелодия, к которой стоит стремиться.

Иногда простые мелодии являются лучшими, поскольку их легко запомнить каждому. Лучшие мелодии отлично запоминаются и намеренно повторяют фразы, чтобы придать им запоминающийся характер. Хорошая мелодия — это та, которую вы можете взять с собой.

Великие мелодии имеют некую дугу.

Как и песни, большинство мелодий имеют четкое начало, кульминационный момент и конец. Мелодия состоит из лирической фразы или мелодической фразы, которая несет энергию через смену нот, проходя через шкалу. Отличные мелодии имеют четкую форму и фокусную точку, помогающую передать их послание.

Сильные мелодии работают в рамках шкалы.

Чаще всего вы хотите, чтобы выбранная вами мелодия попадала в ту шкалу, в которой вы работаете. Отличные мелодии часто выделяют три или четыре ноты, которые являются самыми сильными в определенной шкале.

Что делает мелодию слабой?

В мире музыкального образования так же важно знать, что делать, как и знать, чего не делать. Вот некоторые факторы, которые могут сделать мелодию слабой.

Плохая мелодия не концентрируется вокруг гаммы.

При создании мелодии не стоит использовать случайные ноты. Хотя для поэтического эффекта или во время смены аккордов может иметь смысл отойти от традиционной гаммы, чаще всего мелодия остается в тональности, что значительно облегчает воссоединение мелодической фразы с остальной частью песни.

Слабая мелодия не имеет никакой структуры.

Сильные мелодии способны развивать импульс и нести энергию, легко переходя от самой низкой ноты к самой высокой. Сильная мелодия строится на короткой музыкальной идее, которая отличается формой, контрастом и несет в себе главную идею всей композиции.

Обучение по известным мелодиям

Мы можем многое узнать о мелодиях из величайших песен мира. Вот несколько ключевых уроков из известных мелодий.

Сила пошагового движения

Песни, в которых не слишком много пропусков и которые движутся пошагово, могут быть чрезвычайно запоминающимися. Возьмем, к примеру, мелодию из песни «Twinkle Twinkle Little Star». Хотя в начале мелодии есть небольшой пропуск, она все равно переходит в мажорный аккорд, а дальше движется простыми шагами:

Используйте пентатоническую гамму

Пентатоническую гамму не зря называют «универсальной гаммой». Эта гамма хорошо узнаваема во всех культурах и находит глубокий отклик в нас. Только взгляните на пентатоническую гамму соль мажор в песне «Sweet Home Alabama».

Создавайте формы с помощью мелодий

Мелодии должны иметь четкую кульминацию, обычно с высокой нотой. Вы можете увидеть работу пошагового движения и фокусную кульминационную ноту в «Оде к радости»:

Как написать мелодию: Пошаговое руководство

Готовы ли вы начать писать мелодии? Вот пошаговое руководство по написанию запоминающихся мелодий, чтобы вы могли помочь своим песням выделиться в музыкальной индустрии.

1. Найдите свой масштаб.
2. Построение на основе аккордовой прогрессии.
3. Начните с ритма и лирики.
4. Импровизируйте!
5. Сначала поработайте над мелодией куплета.
6. Придумайте несколько вариантов.
7. Пусть мелодии посидят.
8. Отредактируйте по мере необходимости.
9. Промыть и повторить!

1. Найдите свой масштаб.

Для того чтобы создать мелодию, которая зацепит, неплохо было бы найти гамму, с которой можно начать. Она может быть основана на аккордовой прогрессии, или вы можете выбрать шкалу, если вы еще не решили, как будет звучать бэк-инструментал.

Вообще говоря, мелодия, созданная на основе мажорной гаммы, будет звучать более радостно, чем мелодия, созданная на основе минорной гаммы. Если вы не знаете, с чего начать, начните с такой простой вещи, как мажорная гамма. Мажорная гамма состоит из всех натуральных нот, или C D E F G A B. Чтобы сделать ее еще более простой, вы можете использовать мажорную пентатоническую гамму, которая звучит как C D E G A.

2. Опирайтесь на аккордовую прогрессию.

После того как вы выбрали ноты, которые собираетесь использовать, возможно, имеет смысл построить мажорную или минорную аккордовую прогрессию, чтобы вам было из чего делать рифф. Если вы не знаете, как строить аккорды, вы можете найти в Интернете общие последовательности аккордов или даже использовать бэк-трек с YouTube.

3. Начните с ритма и текста.

Иногда проще разобраться с текстом и
ритмом
, прежде чем положить первую ноту на мелодию. Попробуйте произносить различные фразы поверх зацикленных аккордов и посмотрите, что получится. Возможно, вы обнаружите, что одна фразировка работает лучше, чем другая.

4. Импровизируйте!

Большая часть работы по обучению написанию мелодии является интуитивной. Достаньте свои голосовые заметки или записывающее устройство и начните играть или петь ноты в пентатонической гамме или другой гамме на созданной вами фонограмме. Если у вас есть заданный ритм или текст, вы можете начать включать и их.

5. Сначала поработайте над мелодией куплета.

Бывает проще сначала поработать над мелодией
куплета песни
, поскольку на мелодию припева оказывается такое сильное давление, что она должна быть просто великолепной. Попробуйте сначала написать мелодию куплета. Возможно, вы обнаружите, что вы естественным образом перейдете к написанию новой мелодии для припева, когда поймете контекст куплета.

6. Придумайте несколько вариантов.

Не существует единственно верного способа придумать мелодию. Потратьте время на то, чтобы придумать различные варианты мелодии. Попробуйте различные кульминации на высоких нотах, немного измените ритм или даже попробуйте различные тексты.

7. Дайте мелодии посидеть.

Прежде чем остановиться на какой-то конкретной мелодии, дайте своим вариантам мелодий отстояться. Когда вы вернетесь, вы сможете увидеть, какие мелодии остались в вашей голове, а какие не прижились.

8. Отредактируйте при необходимости.

Многие мелодии в музыке не идеальны при первом написании, поэтому не торопитесь редактировать их, если это необходимо. Работайте над мелодией до тех пор, пока она не будет звучать профессионально, отточенно и запоминающе. В конце концов, отличные мелодии могут сделать или сломать музыку.

9. Промыть и повторить!

Чтобы стать замечательным автором мелодий, нужна практика. Чем больше вы будете писать мелодии, тем легче это будет получаться. Найдите время для практики этого навыка и экспериментируйте с различными рабочими процессами написания мелодий, чтобы выяснить, что лучше всего подходит именно вам.

5 советов по написанию отличных мелодий

Написание мелодий может быть непростой задачей, но с помощью нескольких советов вы сможете быстро найти идеальную мелодию припева для своей музыки. Вот несколько советов, которые используют музыканты для создания сильных мелодий в отличных песнях.

1. Найдите время, чтобы вдохновиться.
2. Сначала найдите аккорды или другие части.
3. Используйте генератор мелодий.
4. Учитесь, слушая.
5. Мастерская ваших мелодий.

1. Найдите время, чтобы вдохновиться.

Иногда лучшим способом
победить писательский блок
или перестроить песню, застрявшую на плохой мелодии, является поиск вдохновения. Когда вы слушаете свои любимые песни, обратите особое внимание на структуру мелодии песни. Обратите внимание, как в великой песне мелодия и ритм переплетаются друг с другом, и часто используйте мотивное письмо, чтобы помочь мелодии стать более запоминающейся.

2. Сначала найдите аккорды или другие части.

Помните, что не все мелодии приходят одинаково. В некоторых песнях вы можете начать с мелодий аккордов. В других на первом месте может оказаться мелодия
припева
или даже текст песни сам по себе. Позвольте себе экспериментировать с различными процессами, чтобы найти лучшую мелодию для каждого конкретного трека. Иногда инверсия процесса может стать тем толчком, который необходим для написания
лучшей музыки
.

3. Используйте генератор мелодий.

Существует множество инструментов
MIDI
и генераторов мелодий, на которые обязательно стоит обратить внимание. Хотя вы не хотите полностью полагаться на эти инструменты, вы можете использовать их для вдохновения, заимствуя лишь пару нот или придумывая альтернативную мелодию для вашей песни. Если вы действительно застряли, эти генераторы могут стать удивительной искрой вдохновения.

4. Учитесь, слушая.

Как и все остальное, написание мелодий — это навык, на развитие которого требуется время. Учитесь, переслушивая свои собственные песни. Какие мелодии самые сильные? Почему? Возьмите идеи из вашей собственной музыки и некоторых ваших любимых песен и верните их в
процесс написания песен
.

5. Поработайте над мелодиями.

Не все хорошие вещи даются легко. Иногда вам придется поработать с вашей первоначальной мелодической идеей, чтобы найти лучшую. Если вы не совсем довольны своей мелодией, попробуйте поэкспериментировать с редактированием по одной ноте за раз или
написать другой текст
. Поверьте, что иногда доработка может быть именно тем, что вам нужно, чтобы помочь вашей мелодической фразе встать на свое место.

Научиться писать и играть мелодии не всегда просто, но это необходимый навык для любого человека в музыкальной индустрии. Надеемся, что это руководство облегчило вам написание собственных мелодий для вашей музыки. Наслаждайтесь магией написания песен!

‍

Meery Mary для Skillbox Media

Переводчик. Любит языки и всё, что с ними связано. В свободное время учит новые (языков много не бывает!), а ещё рисует.

---

об авторе

Преподаёт и исполняет музыку уже более 25 лет. Даёт уроки вокала и сочинительства песен, игры на фортепиано и фолк-гитаре, диджеинга и йоги ученикам от пяти до ста пяти лет  — как онлайн, так и очно. Живёт в «мировой столице живой музыки» Остине, штат Техас, США.

---

---

Интересная идея может посетить сонграйтера когда и где угодно. И её, конечно, захочется записать. Важно быть к этому готовым. Поэтому запаситесь блокнотами, ручками и всегда держите их под рукой — дома, на рабочем месте и в машине. Даже если придумается только название, пусть всего из одного слова, — не поленитесь сохранить и его.

Научитесь быстро открывать диктофон на смартфоне — вдруг вам будет удобнее просто напеть мелодию или наговорить слова новой песни.

С подготовкой закончили, а теперь о вдохновении. Так или иначе на всех нас влияют разные исполнители, композиторы и музыканты. Составьте плейлист с творчеством авторов, которых цените больше всего, — пусть он поможет вам не терять это самое вдохновение.

Для этого надо знать, из каких частей вообще состоят песни. Разберём это на примерах.

В самом простом случае у песни всего одна составная часть — куплет (назовём его «А»). Такова популярная ария Summertime («Летней порой») Джорджа Гершвина.

Куплет в ней повторяется дважды (то есть её структура будет A-A). Послушайте сами:

В песнях с припевом уже две разные части (раз куплет «А», то припев пусть будет «В»). Так в знаменитой песне Боба Дилана Blowin’ in the Wind («В дуновении ветра»).

Вот её структура: A-B-A-B-A-B.

Бывает и более сложная структура — из куплета «A», припева «B» и бриджа «C». Такая песня есть у «Битлз» — это Ticket to ride (дословно «Билет в дорогу» или «Билет на поезд»; подробнее о названии песни и её истории читайте в «Википедии». — Пер.).

Структура здесь уже такая: A-B-A-B-C-A-B-C-A-B.

Переслушайте и проанализируйте любимые композиции (обратите внимание на повторяющиеся части внутри каждой).

Так вы научитесь отличать одну песенную структуру от другой и сможете экспериментировать с ними в своём творчестве.

Песня — лаконичная творческая форма. Поэтому важно, чтобы её текст был объединён какой-то общей идеей. Если мыслей много, не пытайтесь все их вместить в одну песню — лучше напишите несколько разных.

С чего бы вы ни начинали, полезно описать идею песни одним-двумя предложениями — сделать логлайн. Он соберёт вас, поможет не растечься мыслью по древу, всегда напомнит о сути.

Для песни «Битлз» Ticket to ride подобный логлайн мог бы выглядеть так: «Моя девушка уходит от меня. И мне грустно, но ей всё равно» (в оригинале: «My girlfriend is moving away from me and I am sad, but she doesn’t care». — Пер.).

Кстати, вовсе не обязательно писать все слова за один присест: многие сонграйтеры ограничиваются куплетом или припевом и продолжают работу позднее, когда вернётся вдохновение.

Для музыкальных экспериментов отлично подходит диктофон на смартфоне или компьютере. Напевайте свой текст на разные лады. Проделайте это хотя бы трижды и переслушайте, что получилось.

А кто-то, наоборот, предпочитает начинать с аккордов. Сыграйте несколько аккордов на гитаре или пианино и запишите на диктофон. Напевайте текст под них, сравнивайте.

Или попробуйте совместить всё сразу: текст, придуманную мелодию и выбранные аккорды.

Если не получается придумать удачную последовательность аккордов, можно позаимствовать её из другой песни с похожим стилем и ритмом. Главное — не копировать саму мелодию: она защищена авторским правом (а вот последовательность аккордов как таковая — нет).

Песне нужно хорошее название! Кто-то выносит в него хук (самую цепляющую строчку), кто-то — повторяющиеся слова из припева. Единого рецепта тут нет: название может быть даже описательным, отвлечённым, то есть без единого слова из самого текста.

Первая версия готова? Теперь дайте своей песне отлежаться. Хотя бы пару дней даже не вспоминайте о ней. Вы вернётесь со свежим взглядом и слухом — и песня предстанет перед вами в новом свете. Скорее всего, вам захочется доработать текст или заменить какие-то аккорды — и ваше творение зазвучит ещё круче.

Готовую песню можно испытать на публике. Например, исполнить на вечере свободного микрофона или хотя бы перед вашим музыкальным наставником. Реальное исполнение и обратная связь помогут исправить недочёты и сгладить неровности, которых вы сами не замечали.

Ещё одна отличная идея — записать своё исполнение и выложить в интернет. В наш век это легко сделать даже дома (достаточно хорошего микрофона и специального софта). Пусть вашу работу оценят потенциальные поклонники и другие артисты. А может, талант ваш приглянётся даже музыкальным продюсерам.

---

Научитесь: Профессия Сонграйтер
Узнать больше

Эта статья написана для тех, кто только начинает писать музыку и столкнулся с непониманием, почему музыка не получается. Исходя из своего опыта, я расскажу, как быстро научиться писать хорошую музыку и создавать качественные и уникальные композиции.

Заодно мы поговорим о ментальных проблемах и путях их решения — я сам сталкивался с такими проблемами и искал способы их побороть. Текст пригодится не только музыкантам, его можно применять и для смежных видов творчества, ведь суть там будет почти та же.

Статья не расскажет, как работать с клиентами и как продвигать музыку. Она для тех, кто застрял в творческом кризисе, не понимает, как развиваться в своих потоках и не хочет всё забросить, сломавшись под грузом стресса.

Предисловие

На свой первый альбом (послушать его можно здесь) я затратил много сил, а по ходу работы наступил на кучу граблей. На мой взгляд, альбом провалился по той причине, что я не умею продвигать музыку и у меня нет маркетинговой стратегии. Так или иначе, но в написании музыки я наступил на достаточное количество граблей, чтобы рассказать, как их избежать.

Для начала: бесплатный трек из моего первого альбома.

Прослушав мои музыкальные работы, не в первый раз люди задают вопросы наподобие:

О, круто, ты закончил консерваторию, наверное? У тебя есть музыкальное образование? Где ты этому научился? Наверное, музыкальную теорию хорошо шаришь?

Ну, нет. Я нигде особо не учился. Музыкального образования у меня нет. Я не то, что музыкальную теорию не знаю, я даже сольфеджио почти не знаю. Однажды думал подучить сольфеджио, но звуковик, с которым я работал, мне сказал: «Тебе поздновато сольфеджио учить».

В общем, всему этому я научился за два года. В чём мой секрет? Просто интенсивно задрачивал черновики и научился как-то. И всё, вот и весь секрет.

Но тебя, скорее, интересуют другие вопросы:

1. Как научиться так же быстро?
2. Что нужно совершить, чтобы уметь так же?

Вот мои тезисы.

Не загоняйся по теории, учи только базу

Для опытного музыканта этот заголовок может показаться какой-то шуткой, после которого он посчитает меня некомпетентным чмом. Как это: без теории писать музыку?! Ты что, сошёл с ума?!

Безусловно, теория помогает разобраться, как устроена музыка. Но есть одна закавыка: чтобы научиться писать музыку — её нужно писать. Зеленые композиторы, которые только начинают свой путь в музыке, пытаются углубиться в теорию в надежде найти какую-то совершенную формулу, по которой они сделают музыку хорошо.

Дело в том, что сама по себе музыкальная теория не научит писать музыку — она лишь поможет понять, как описать какие-то свойства музыки, но не более того. Поэтому в неё стоит заглядывать, если хочется понять, как и почему у тебя что-то работает.

Теория — это своего рода справочник того, что можно понимать абстрактно и делать импульсивно. У музыки настолько низкий порог вхождения, что можно легко научиться ей без этого самого справочника. Заглядывать в него нужно только по необходимости или в тех случаях, когда появляется желание разобраться в конкретных деталях. Зачем знать весь справочник, если ты можешь смотреть в него время от времени?

Знание теории не гарантирует, что ты станешь вторым Моцартом, поэтому ничего страшного не случится, если ты не будешь знать весь пласт сольфеджио, который преподают в музыкальной школе или консерватории. Даю слово!

В общем, можно изучать теорию сколь угодно долго, но без практики в этом нет никакого смысла.

Тогда как же научиться писать музыку? Одни с боем прорываются через неизведанное и всё изучают самостоятельно методом проб и ошибок. Другие обращаются за помощью ментора и справочника. Но так или иначе, всё сводится к следующему пункту.

Используй референсы

Когда я только начинал писать музыку, то вообще не думал быть каким-то оригинальным и особенным. Я просто брал любимые треки и пытался перенять из них идеи/трюки в свои композиции.

На мой взгляд, для новичка это самый удачный путь: так ты изучаешь, как работает музыка на примере того, что тебе по душе. В итоге ты начинаешь разбираться в том, как устроен тот или иной стиль, как работают какие-то приёмы. Вместе с этим появляется понимание, как использовать эти вещи в своём творчестве.

В самом начале музыкального пути нужно собрать пять-десять песен, которые нравятся тебе больше всего. Пусть это будут треки, в которых ты нашёл что-то особенное для себя. Эти песни нужно вдумчиво послушать и выявить в них те идеи, которые привлекают тебя больше всего. Их-то и нужно пробовать повторить.

Мотивы и мелодии желательно учиться писать самостоятельно, не оглядываясь на кого-то. Если не получается, то списывай их. Твоя задача в том, чтобы понять, почему они работают. Если это сложно — подглядывай в «справочник» или просто повторяй чьи-то мотивы, а затем пробуй переделать их под себя.

Можно ли считать всё, что получится в итоге, хорошей музыкой? Условно, да. Люди, которые услышат твою работу, заметят то, что им очень нравится и нравится тебе. Здесь проявится мнение большинства: те, кто уже много слышал какие-то стили или приёмы, услышат их в твоей музыке снова и, скорее всего, будут этому рады. Значит, музыка с большой вероятностью будет хорошей.

Получив абстрактное представление о том, как устроены и как работают референс-треки, ты будешь способен делать не уступающую по качеству похожую музыку в короткие сроки.

Вспомни, как ты учился разговаривать, когда был ребёнком: ты слушал папу и маму, братьев и сестёр, крёстных и соседей. Ты слушал, как они разговаривали и пробовал говорить так же.

Чего точно не стоит делать, так это говорить, какая именно музыка послужила референсом, особенно если ты планируешь получать от музыки финансовую выгоду. История знает немало случаев судебных разбирательств на этой почве, поэтому язык лучше держать за зубами. Пусть люди сами гадают, чем именно ты вдохновлялся.

На всё это мне могут возразить, что в таком случае музыка становится какой-то комбинаторикой и теряет оригинальность. Что делать?

Проблема оригинальности

Под оригинальностью обычно понимают что-то уникальное и подлинное. Следовательно, чтобы сделать оригинал, нужно понять, как устроено то, что уже существует, чтобы неосознанно не изобрести велосипед.

Креативность не умеет создавать оригинальные вещи из вакуума. Мы не можем сделать что-то новое из ничего, поэтому создание чего-либо нового возможно только из того, что уже существует.

Для создания оригинальных вещей нужно научиться собирать в единое целое то, что ты уже умеешь и то, что ты уже знаешь. Итог и будет тем самым новым, оригинальным и уникальным. Я не просто так предлагаю учиться писать музыку с нуля по референсам: зная, как устроена чужая музыка, собирая и компонуя приёмы и стили из чьего-либо творчества, ты создаёшь новую, оригинальную музыку.

Вместе с этим уйдёт иллюзия создания оригинальной вещи из вакуума. Твоя креативность всегда достаёт из сознания куски мелодий, которые ты уже сто раз слышал. Это неизбежно.

Написав музыку «из головы» и показав её с горящими от радости глазами другу, ты с большой долей вероятности услышишь от него: «Чувак, это же Металлика!». Сразу за удивлением от его реакции ты испытаешь разочарование от мысли о том, что свою музыку ты не придумал, а списал с чужой мелодии. В общем, чтобы не обманывать себя и облегчить свою жизнь, запомни, что оригинал нельзя сделать из ничего.

Люди ещё не раз скажут, что они всё это уже слышали, нот всего 12, а все аккорды и ходы давно известны. Что это скажет о тебе, как о композиторе? То, что ты не единственный, кто учился, слушая вдохновителей. Тысячи композиторов писали схожие треки, даже не осознавая этого. В общем, помни об этом и не списывай, обводя по трафарету.

Для раскрытия темы референсов приведу в пример видео, в котором показано, чем вдохновлялся композитор Кодзи Кондо, написавший музыку к Super Mario, Legend of Zelda и Metroid:

Итак, достаточно ли сбора референсов, чтобы научиться быстро писать качественную музыку? Нет, пригодится ещё кое-что.

Научись пользоваться стандартными инструментами DAW

Начинающие часто грешат тем, что ходят по онлайн-магазинам программного обеспечения в поисках некой волшебной таблетки среди плагинов и библиотек, которая уж точно сделает их музыку хорошей.

Конечно, далеко не все решения внутри используемой DAW могут быть удачными. Часть инструментов просто не представлена в функционале программ (привет всем пользователям Reaper!). Но, как бы там ни было, для начала лучше научиться работать с тем, что есть.

Не нужно покупать или скачивать очередной эквалайзер, если он и так присутствует в твоей DAW. Научись для начала пользоваться стандартными решениями.

С виртуальными библиотеками музыкальных инструментов и наборами сэмплов вопрос обстоит чуть сложнее, но и здесь, как правило, любая DAW предлагает достаточно контента для старта. Если хочется научиться писать, то лучше пользоваться встроенными решениями.

Желательно дополнительно ограничить себя в количестве инструментов и голосов. Для себя я решил вопрос радикально: я пишу всю музыку на 5-7 дорожек, в каждой использую обычную квадратную волну. Зачем? Это помогает абстрагироваться от технических вопросов вроде общего звучания и сведения, и помогает слышать ошибки в написании композиции. К тому же, ограничив себя, я не буду понтоваться саунд-дизайном, а сконцентрируюсь на аранжировке.

Только после того, как трек будет написан, я начинаю подбирать инструменты, делать реаранжировку, работать со звуком, чтобы обогатить свою музыку. Работать проще и удобнее, когда есть какой-то готовый скелет, на который ты уже нанизываешь звуки.

К тому же так я не страдаю от поиска ответа на вопрос, почему музыка вдруг не работает — из-за не правильно подобранного инструмента или плохой мелодии. В общем, так легче понять, что именно работает не так, и сделать так, как нужно.

Правильный ли это подход? Я не знаю, каждый решит сам. Возможно, ты найдёшь более подходящее решение. В любом случае, когда я ещё не умел в баланс громкости, не знал, как работают инструменты, не умел в динамику и ноты, такие ограничения сильно помогали мне прокачаться в вопросе написания.

Но, эй, я хочу гитару! Дайте мне гитару пожалуйста, хочу гитару в своём треке! Что делать, если мне хочется гитару? Если тебе захочется использовать в треке или мелодии определённый инструмент (ту же гитару), то стоит изучить, как этот инструмент работает, и как на нём играют.

А ещё лучше самому приобрести инструмент и освоить его — понимание появится намного быстрее. При приемлемом понимании сути инструмента можно писать черновики через его призму — это хороший подход.

Экспериментируй

Мало просто собирать кусочки идей чужих произведений, нужно ещё пробовать свои варианты. Как? Просто «методом тыка», серьёзно. Референсы помогут ускорить процесс обучения и производства музыки, но экспериментировать всё равно нужно. Ты никогда не узнаешь, какое решение подойдёт, поэтому нужно пробовать снова и снова.

Вместе с этим также растёт понимание, как сделать лучше и быстрее. Всё это хорошо аккумулируется в голове, а с новыми решениями писать музыку становится легче и проще. За последние два года я написал больше 70 черновиков, я много пробовал и изучал, и всё это сказалось на скорости производства.

Учись писать музыку быстро и своевременно

Если твоя музыка работает только по будильнику, то вряд ли тебя ждёт что-то хорошее в музыке. Нужно уметь писать сразу, при первом желании или предложении заказчика. Чем быстрее ты напишешь композицию, тем лучше.

К сожалению, людей слабо интересует, как долго ты писал музыку. Намного важнее для них контент — итог твоих стараний. Чем больше контента ты способен сделать, да ещё и по щелчку пальца, тем больше будет охват аудитории. Поэтому важно найти баланс между качеством и скоростью.

Задай себе условный срок: например, написать трек за месяц. Постепенно сокращай время: две недели, неделя, половина недели, день, половина дня, пару часов, час. В процессе обязательно оцени, как устроен твой проект, подумай, что можно сделать, чтобы разработка мелодии ускорилась. Повторяй попытки и анализ до тех пор, пока не будешь уверен, что достиг необходимой скорости производства.

Не зацикливайся на какой-либо проблеме, если что-то не получилось. Намного важнее завершить работу в срок, получить законченный трек. Проблему исправлять стоит в новом треке, не затягивая производство той песни, над которой работаешь сейчас.

Обычно в ответ на это мне говорят: «Зачем? Может, я просто хочу почилить, написать музыку по фану и без спешки». Но ведь в этом и вся прелесть! Разобравшись, как устроена музыка, собрав логическую цепочку из своего опыта, ты научишься по фану и чилу писать музыку чуть ли не за день (вечер, час, полчаса). Зачем писать музыку долго, когда можно получить результат здесь и сейчас, и быть удовлетворённым этим?

Писать музыку быстро легче, чем мучиться с ней длительные сроки. Пусть творчество станет гладким и хорошо изученным путём, который ты практически не ощущаешь — так музыка и будет весёлым времяпрепровождением.

Используй всё новое как стрессовый барьер к первым шагам

Конечно, для новичка путь будет связан с ошибками и стрессом, которого захочется избежать. Всё новое — неизбежный стресс и боль для головы. Стресс и боль будут сильнее только по одной причине: если откладывать новое на потом.

Преодолеть барьер к новому довольно непросто. Решение — кристальное, как горная вода: начни заниматься новым прямо здесь и сейчас.

Звучит просто, но очень важно научиться брать инициативу. Откладывая, ты только усиливаешь стресс. Можно бояться несколько дней, недель и месяцев, и так и не начать ничего делать. Но ты же определённо хочешь начать?

Как скоро прекратится стресс и уйдёт боль, никто не знает. Всё зависит от твоей настойчивости. Возможно, тебе придётся помучиться пару недель, чтобы начать. Возможно, времени потребуется больше. Тебя будут расстраивать результаты и то, что некоторые вещи не получаются, и в какой-то момент мозг просто скажет: «Забей! Вот, посмотри, что интересного в Твиттере и Инстаграме. Посмотри этот фильм, съешь мороженое и забудь».

Все эти отвлекающие факторы принесут удовольствие, но только в краткосрочной перспективе. Удовольствие уйдёт так же быстро, как пришло. Поэтому нужно пробовать и не останавливаться на достигнутом, так как именно достижение желаемого результата принесёт удовлетворение в долгосрочной перспективе. Удовольствие от сделанной работы не уйдёт ещё несколько месяцев.

Да, это тяжело, но оно того стоит. Кто знает, может, стресс продлится неделю, а может месяц? Как же этот срок сократить?

Помни, что чем чаще влезаешь в новое, тем проще превозмогать стрессовый барьер.

Итак, ты чему-то научился, у тебя начинает получаться, стресс сходит на нет, в голове становится легче, а от прогресса и результатов начинает вырабатываться дофамин. Это супер, но всегда остаётся что-то, что надо попробовать, чтобы зайти дальше и уметь больше.

И тут нас снова ждёт стресс, снова боль и всё по кругу. Закончится ли это когда-нибудь? Да, ведь стресса и проблем становится меньше каждый раз, когда ты без страха влезаешь во что-то новое. Через какое-то время это новое будет ощущаться интересным приключением, которое даёт куда больше дофамина, чем стресса. И тебе уже ничего не будет страшно. Останется только ускорить процесс обучения и довести навыки до автоматизма.

Нейроны и синапсы

Вместе с этим ты столкнёшься с другой проблемой. В голове появятся вопросы «Зачем я это делаю?» и «Зачем мне оно?». Ответы на них ты, скорее всего, не пытался искать.

Чем меньше у тебя ответов на эти два вопроса, тем слабее твоя мотивация и цель. А значит, всё развалится как карточный домик, ведь ты не знаешь, зачем занимаешься музыкой.

Следом появятся и другие непростые вопросы: «Почему я забываю то, что выучил?», «Кто я?», «Что я здесь делаю?», «Почему не могу просто забросить творчество?».

Наш мозг — это всего лишь куча нейронов внутри черепной коробки. Эти нейроны обладают какой-то частью информации, но не всеми данными. Чтобы построить полную картинку, нужно соединить нейроны вместе, чтобы получились синапсы. Последние генерируются мозгом постоянно, когда мы учимся чему-либо. Нейроны же генерируются при отдыхе, общении с людьми и физических упражнениях.

Нужно помнить, что мозг не способен постоянно создавать синапсы, ему нужен отдых. Поэтому, если ты выучил что-то новое, стоит это закрепить практикой, а затем на какое-то время расслабиться, пока мозг не склеит новые связи во время отдыха. Со временем мозг научится создавать синапсы на автомате, стресса станет меньше — именно поэтому стоит чаще влезать во что-то новое, и именно поэтому стресса становится меньше.

Повторяй на практике старое, чтобы укрепить синапсы, ведь «повторение — мать учения».

Забыть что-то станет сложнее, если постоянно повторять это. А если что-то всё-таки забудется, то это, скорее всего, было тебе не очень нужно. Ничего страшного: всегда есть справочник, в который можно подглядеть.

Остаётся только решить, зачем ты пишешь музыку. Может, тебе это просто нравится? Или ты хочешь стать популярным композитором? Может быть, ты хочешь кого-то радовать своим творчеством? Ты должен найти ответы за год, пока занимаешься музыкой. Год — достаточный срок для поиска ответов на эти вопросы.

Если не найти ответ, то появляется огромный риск всё забросить, ведь ты не понимаешь, зачем тебе это нужно. Получить ответы до старта очень сложно, так как у тебя пока что нет результатов, а значит нет и представления о том, зачем ты этим можешь заниматься. Когда у тебя нет объяснений, очень сложно начинать что-то новое или продолжать старое. Тебе придётся пройти через стену стресса, чтобы найти ответы.

Механизмы наград дофамина

Не менее важно снимать стресс и получать удовольствие от процесса и результатов. Значит, тебе нужно найти способы получать дофамин.

Мы уже разобрались, как работают нейроны и синапсы, теперь нужно поговорить о нейропластичности. Это такая штука, которая даёт возможность восстанавливать потерянные синапсы гораздо быстрее.

Существуют два способа запустить нейропластичность: фокус (сознательное усиление) и чувство срочности. Мы уже поняли, почему так важна срочность и сфокусированность в написании музыки, поэтому не будем повторно говорить об этом.

Так или иначе, но оба пункта не работают без дофамина. Мозг должен вырабатывать его, получая дофамин от твоих успехов в музыке. В итоге достижение цели заставляет тебя копать дальше, ведь стресса становится меньше, а удовольствия — больше.

Существуют два типа механизма наград дофамина — внешние и внутренние. Первые появляются, когда тебя хвалит кто-то другой. Вторые — при самостоятельной оценке своих результатов.

Внимание нужно концентрировать на внутренних механизмах, так как внешние будут с тобой не всегда. Чем больше внутренних механизмов наград ты используешь, тем легче идёт процесс, и тем меньше становится стресс, постепенно и вовсе сходя на нет. В общем, чем больше внутренних наград, тем проще проявлять волю и учить что-то новое с большой скоростью.

Для дофамина нужны ресурсы: деньги, нормальные условия жизни, адекватное общество, с которым ты тусишь. Если этих ресурсов нет — количество дофамина падает, потому что прогресс идёт слишком медленно, ты его почти не видишь. Но как быть, если нужных ресурсов нет?

Учись делегировать, если в одиночку слишком сложно, а процесс замедляется. Не отчаивайся, если каких-то ресурсов у тебя попросту нет — их компенсирует дофамин, который ты заработаешь в процессе обучения и практики.

Помни, что методика «сам добился, каждый сможет» либо враньё, либо отвага безумца. Это очень опасная практика, которая может высосать из тебя все силы и всё время, из-за чего ты рискуешь поломать себе психику.

Делать ли что-то в одиночку за всех? Решай сам, но соглашайся на такое только в том случае, если ты готов к этому.

Не пиши музыку в стол!

Самая популярная ошибка новичков — писать музыку «в стол», никому не показывая черновики. Причин такого поведения не так много: одни боятся показать что-то недоработанное, вторые стыдятся, что всё сделано плохо, третьи — боятся, что никто не оценит работу.

Поскольку мы разобрались, как работают механизмы наград, и знаем, ради чего пишем музыку, мы можем теперь чхать, если что-то кому-то не нравится, и не бояться этого. Зачем же тогда показывать другим черновики? Всё дело в том, что у тебя нет понимания, что является хорошей музыкой. Не спорю: понятие о хорошем слишком субъективно, ведь каждый по-своему воспринимает то, что хорошо.

Увы, ты никогда не напишешь музыку, которая понравится всем. Тем не менее ты можешь написать музыку, которая понравится определенному кругу людей. Пока ты начинаешь первые шаги, ты сможешь уже набирать небольшую аудиторию, изучать мнения и поддерживать постоянство контента.

Когда ты пишешь в стол, появляется риск сломать своё восприятие происходящего. Именно поэтому очень важны мнения со стороны. Ты не знаешь, что может понравиться людям и пишешь музыку, опираясь на свою интуицию. К тому же ты не можешь увидеть всех ошибок, которые могут быть виднее со стороны.

Чем чаще показываешь свои работы кому-то ещё, тем выше твоя продуктивность — хочется показать ещё и ещё. От постоянных попыток музыка будет становиться лучше и лучше.

Вместе с тем важно фильтровать мнения. Если кому-то не понравилась твоя музыка, ничего страшного. Спроси, что именно ему не понравилось, что он слушает и что хотел бы услышать. Может быть, этот человек не будет твоим слушателем — так бывает. А может, в процессе общения ты придёшь с ним к консенсусу и сделаешь какие-то полезные выводы.

В любом случае общение сыграет тебе на руку: ты будешь общаться с аудиторией или заказчиками, научишься их понимать. Это хороший тон, чтобы перестать бояться мнений и получать в ответ поддержку и новую информацию. Если же человек просто делает резкие заявления и отказывается дальше что-то говорить, то игнорируй его.

Вместо заключения

Вот и всё. Пожалуй, я перечислил всё, что считаю важным для ускорения творческого процесса. Надеюсь, этот ликбез поможет тебе каким-либо образом, а тебе стало понятнее, что делать дальше.

Если этот текст помог тебе, то в знак благодарности просто подпишись на мой канал в Телеграме. А ещё лучше расскажи о нём другим. В канале я рассказываю и показываю много интересных штук, связанных с электроникой, музыкой и всякой кухонной философией, да и в целом говорю о своей жизни.

Творческих узбеков!

Полезно знать, как устроено то, что тебе нравится. Любое искусство становится в разы интереснее, если ты в курсе, как работают его произведения изнутри. Заменяя дурацкое созерцание на исследование, мы, в целом, становимся умнее. И если раньше для изучения искусств требовалось слишком много всего, то теперь достаточно лишь компьютера с парой аксессуаров — и вот ты уже готов сделать что-то своими руками. Например, освоить базовые навыки сочинения музыки, которую потом, может быть, кто-нибудь захочет послушать. Или купить.

Ничего не получится, потому что у меня нет образования

Во-первых, ты слишком стар, чтобы поступать в детскую музыкальную школу, а во-вторых ничему хорошему тебя там, скорее всего, не научат. Статистически большая часть людей, окончивших ДМШ, выкинула инструмент в окно сразу после выпускного концерта и вспоминает все эти бесконечные упражнения с ненавистью и тяжелыми вздохами.

Конечно, теоретическая часть крайне полезна, но к ней можно перейти позже, когда поймешь, что степень твоего интереса подразумевает соответствующее погружение в вопрос.

Я не умею читать с листа

Запомни простую вещь: нотное письмо придумали в ту пору, когда у человечества не было даже намека на технологии звукозаписи.

Для великих композиторов все эти крючки, точки и полосы были единственным способом зафиксировать только что придуманную мелодию и передать ее исполнителям.

Даже 10 лет назад это еще было проблемой, но теперь можно записывать музыку хоть на айфон, а потом собирать из черновиков что-то вменяемое.

Тем не менее, знание нотной грамоты — тоже очень полезный теоретический навык. Оставь его на потом.

Базовый комплект

Если ты не владеешь ни одним музыкальным инструментом, но очень хочешь изливать душу в форме упорядоченных звуков, будет достаточно купить ноутбук и MIDI-клавиатуру, а затем определиться с программой, в которой предстоит работать. Если ты имеешь дело с Windows, то для начала попробуй простейшую FL Studio (100 долларов, бесплатная демо-версия). А на макбуках по умолчанию установлена Garage Band, ее больше чем достаточно.

Клавиатура же в первую очередь нужна для наглядности. Матерому композитору для работы она не требуется: человек с опытом способен зайти в редактор и написать музыку в полной тишине, как html-программист. Тому же, кто хочет понять, как тут все устроено, и что какие звуки издает, пригодится инструмент, с которого музыку начинают изучать и дети. Вот «до», вот «соль», — на клавишах все куда очевиднее, чем на гитаре с ее своеобразной логикой.

Что делать дальше

Вооружившись всем необходимым, для начала стоит попробовать повторить тех, кто тебе нравится. К примеру, если ты решил поинтересоваться профессией музыканта из-за Depeche Mode, есть смысл попытаться «снять» пару их хитов, хотя бы фрагментарно.

Да, дети в музыкальных школах занимаются тем же самым: или играют круговые упражнения, или разучивают произведения великих. Но у нас с тобой свои великие, правильно? Выбери несложную песню, попробуй уловить мелодию и повторить ее, нажимая клавиши. Обещаем: в течение первой дюжины подходов ты будешь чувствовать себя круглым идиотом — звучит-то просто, а в исполнении все это как минимум не удобно. Через некоторое время выработается привычка, разомнутся пальцы и появится уверенность; главное — не отступать. Иначе единственный вывод, который ты сделаешь, будет состоять в том, что писать музыку сложно. Хотя это не так. Если знать, как устроена композиция, единственное, что останавливает тебя от написания хита уровня «Не сыпь мне соль на рану», — твоя собственная фантазия, не более.

Просто. Нажимай. На кнопки

Раз уж взялся, запускай свою музыкальную машину как можно чаще и играй то, что уже запомнил. Рано или поздно это приведет к тому, что ты осмелеешь и начнешь импровизировать, обогащая (скорее, похабя) чужие этюды собственными. Случайные попадания в какие-то ранее неизведанные ноты приведут к тому, что ты научишься сочинять — сперва совсем простые вещицы, а затем все более и более комплексные.

Не относись к этому слишком серьезно

Главная ошибка всех, кто начинает делать что-то просто из любви к искусству, состоит в том, что такие люди скоропостижно начинают корчить серьезное лицо и говорить окружающим, что они «инди» или «музыканты». Никакой ты не этот — ты просто любознательный дилетант. Принимай всю критику во внимание и относись к ней смиренно — ну правда, неужели можно рассчитывать на стремительное признание, если ты буквально вчера впервые услышал, как из-под твоих рук звучит виртуальный рояль?

группу

Если ты вдруг понял, что всю жизнь именно этого и хотел, и из сиюминутного увлечения музыка переросла в мало-мальски серьезный приоритет, найми репетитора. Теперь, когда у тебя есть базовое представление о том, как все работает, можно смело идти учиться более профессиональным вещам.

В то же время, не нужно ставить на себе крест, если кто-то из близких скажет, что это «не твое», и вообще ты зря тратишь время. Изучение музыки, даже бытовое и очень поверхностное, развивает воображение и фантазию, плюс, при должном рвении у тебя откроется возможность заработать на этом каких-нибудь денег — потому что сейчас все вокруг снимают рекламу и делают игры, которые нуждаются в звуковом оформлении. В конце концов, ты приобретешь навык, которым сможешь позже поделиться с детьми.

А твой недоброжелательный родственник только и может, что ходить в магазин со своими пакетами.

После долгого изучения инструмента и бессонных ночей, проведённых за сочинением своих композиций, вы решили, что настало время записать свои задумки. Музыкальные идеи переполняют голову и вы хотите поделиться ими с окружающими.

 В этот момент в голове начинающего музыканта появляется множество вопросов. Надо ли идти в студию или можно записаться дома? Что нужно для того, чтобы записывать музыку? Какое оборудование купить и какие программы понадобятся? С каждым часом вопросов становится все больше, а ответов все меньше.

 К счастью, все намного проще, чем кажется. В этой статье мы расскажем, что нужно для производства музыки в домашних условиях и ответим на некоторые популярные вопросы, появляющиеся у новичков.

 

Что нужно, чтобы писать музыку на компьютере

40 лет назад для того, чтобы записать свое творчество нужно было идти на профессиональную студию. Качественное звучание было доступно только тем, у кого были деньги. Благодаря развитию технологий, сегодня создание музыки стало намного доступнее: с помощью компьютера мы можем создавать отличные треки не выходя из дома.

 Чтобы организовать домашнюю студию, потребуется: 

• Компьютер;

• Программа для записи музыки (DAW);

• Звуковая карта;

• Наушники.

 Эти четыре компонента — необходимый минимум для начала работы. Конечно, помимо этого не помешает также MIDI-клавиатура и студийные мониторы, но первое время можно обойтись и без них. Ниже мы вкратце пройдемся по каждому пункту нашего списка (более подробно о выборе оборудования для студии звукозаписи можно прочитать тут, а о выборе студийных мониторов — здесь).

Компьютер

Для звукозаписи подойдет любой современный компьютер. Будет ли это Mac или PC — не важно, обе платформы предлагают одинаковые возможности для музыканта. Два главных критерия здесь — это быстродействие и вычислительная мощность процессора.

 За быстродействие компьютера в студии отвечает оперативная память. В вашем компьютере ее должно быть как минимум 8 ГБ, но лучше больше. Дополнительно повысить быстродействие поможет замена обычного жесткого диска на скоростной твердотельный SSD-накопитель.

  

Во время работы с плагинами, звуковыми эффектами и виртуальными инструментами операционная система и музыкальный софт полагаются на центральный процессор. Обозначить точную мощность, необходимую для комфортной работы, довольно сложно: процессор должен без лишних проблем работать с большим количеством плагинов. Чем больше он сможет переварить, тем лучше. Рекомендуемый минимум здесь — это четырехъядерные процессоры уровня Intel Core i3, но чем больше ядер и потоков будет в вашем распоряжении, тем комфортнее будет работа.

Программа для записи музыки (DAW)

DAW (от англ. Digital Audio Workstation — цифровая рабочая станция или секвенсор) — это специальное программное обеспечение для записи музыки. Именно оно превращает обычный компьютер в мощный инструмент и центр домашней студии.

 Подобный софт выпускается как для PC и Mac, и бывает как бесплатным, так и платным. Все DAW предлагают схожие возможности и отличаются по сути только подходом к организации рабочего процесса.

Звуковая карта

Встроенные в компьютеры звуковые карты подходят только для прослушивания музыки. Чтобы полноценно записывать себя, потребуется специальный аудиоинтерфейс, который может качественно записывать аудиосигнал.

 В большинстве случаев хватит аудиоинтерфейса с 2-4 входными каналами и фантомным питанием — этого хватит для записи 1-2 гитар (даже одновременной), клавишных и вокала, когда вы обзаведетесь микрофоном.

  

Среди достойных моделей, чьих возможностей с лихвой хватит начинающему музыканту, можно выделить Focusrite Scarlett 2i2 и Scarlett 2i4, PreSonus AudioBox USB 96, Audient iD14.

Наушники

Созданный материал нужно как-то послушать, поэтому последним важным компонентом необходимого минимума станут студийные наушники. В отличие от потребительских наушников, которые любят приукрашивать звук в определенных диапазонах частот, изолированное звучание студийных наушников обеспечит большую детализированность и точность звука. К тому же наушники позволят работать в любое время суток.

 Выбирать наушники стоит на основании бюджета, амплитудно-частотной характеристики и удобства использования. С бюджетом все понятно — составьте список моделей, укладывающихся в ту сумму, которую вы готовы потратить на уши. Что касается амплитудно-частотной характеристики, то она должна быть максимально ровной (о том, что такое амплитудно-частотная характеристика читайте здесь). Вопрос удобства — индивидуальный, но наушники не должны вызывать дискомфорт при длительном использовании.

 Для начала наушников будет более чем достаточно. Позднее, если ваши занятия музыкой станут более серьезным делом, стоит обзавестись парой хороших студийных мониторов ближнего поля.

В какой программе лучше работать?

На рынке существует более 20 различных DAW, но выбрать программу для записи музыки проще, чем может показаться. Во-первых, не стоит сильно заморачиваться в этом вопросе — DAW не более, чем технический инструмент, с которым вы взаимодействуете. Здесь решают навыки, а не сама программа. Во-вторых, выбор DAW — это вопрос вкуса, удобства и личных предпочтений, поэтому выбирать нужно все-таки то, с чем вам удобнее работать.

 Если вы пользователь Мака, то в системе уже установлена DAW GarageBand. По сути, GarageBand представляет собой упрощенную версию Logic Pro X: его возможности не так богаты и продвинуты, но для начала работы хватит и этого — программа без проблем записывает аудио, работает с плагинами и виртуальными инструментами. Плюс, владельцы iOS-устройств могут скачать мобильную версию этой DAW, чтобы создавать проекты на смартфоне или планшете и переносить их на десктоп для дальнейшей работы.

  

Постепенно функционала GarageBand перестанет хватать: вам понадобятся более продвинутое редактирование аудио, автоматизация, качественные и производительные синтезаторы. И здесь у вас будет два варианта:

1. Перейти на Logic Pro X. В таком случае переход будет безболезненным: принципы работы Logic Pro и GarageBand во многом совпадают (долго привыкать к новому окружению не придется), а проекты созданные в GarageBand можно запросто открыть в Logic Pro и продолжить работу;
2. Перейти на какую-нибудь другую DAW, но в этом случае придется заново создавать все проекты.

 GarageBand — неплохая отправная точка для знакомства с миром звукозаписи и производства музыки, но рассматривать его как основную программу все же не стоит. Главные достоинства “гаража” в том, что он бесплатен и прост в освоении, но страдания с переносом проектов в другую DAW не стоят того.

 Пользователям PC несколько проще, так как выбор программ здесь намного больше. Если вы новичок и не представляете, как работает DAW, то знакомство со звукозаписью можно начать с бесплатных Magix Music Maker, Ardour или Podium Free. Как и в случае с GarageBand, постоянно работать в этих программах не стоит, так как проблемы все те же — нехватка функциональности и невозможность быстро и просто перенести уже созданные проекты в другую DAW.

 Практически у каждой серьезной DAW есть ограниченная по времени полнофункциональная демо-версия, позволяющая попробовать программу. Обычно такие демки работают в течение месяца — этого вполне достаточно, чтобы понять, как устроена DAW, насколько она удобна и что может предложить. Если нет желания возиться с бесплатным софтом и хочется начать изучение особенностей производства музыки сразу в серьезной программе — качайте демо на сайтах разработчиков.

  

При выборе DAW также стоит помнить, что в этой среде не существует самой лучшей программы — у всех есть свои плюсы и минусы. Выбирать здесь нужно на основе популярности (распространенности) программы и того, насколько вам удобно в ней работать. Чем популярнее DAW, тем выше вероятность того, что вы сможете работать со своими проектами на любой студии. Распространенность программы также позволит обмениваться своими идеями и работать над музыкой вместе с друзьями и коллегами-музыкантами, не переживая о том, смогут ли они открыть проект в своей студии.

 Среди самых популярных DAW можно выделить (еще больше программ можно посмотреть по этой ссылке):

Avid Pro Tools (PC, Mac)

Pro Tools считается стандартом в звукозаписывающей индустрии. Благодаря этому вы сможете без проблем отправлять свои проекты в студии по всему миру и быть уверенным, что проблем с их открытием не будет — Pro Tools есть везде.

 Выбирая Pro Tools нужно быть готовым к двум вещам: долгому изучению интерфейса ввиду его некоторой запутанности и сложности для новичков, а также работе только с AAX-плагинами. Если первое не проблема, то второе может стать критичным — далеко не все внешние обработки существуют в этом формате.

Apple Logic Pro X (Mac)

Старший брат GarageBand и ещё одна очень популярная DAW, которая сегодня есть на всех студиях, построенных вокруг Mac. Logic отличается простым и понятным интерфейсом и большой библиотекой плагинов, виртуальных инструментов, лупов и сэмплов на 70+ ГБ.

 Главная проблема Лоджика в том, что он существует только на Маке. Это может стать проблемой, если все вокруг не пользуются компьютерами Apple.

Ableton Live (PC, Mac)

На фоне остальных DAW, Ableton создан с прицелом на живые сессии записи и выступления. Конечно, вы сможете записывать в программе любую музыку без каких-либо ограничений, но диджеи и концертирующие музыканты ценят Ableton именно за удобство использования на сцене. К примеру, можно запускать различные сэмплы и аудиоклипы, а также создавать новые петли буквально в пару кликов и выглядеть как настоящий человек-оркестр.

 

FL Studio (PC, Mac)

В среде музыкантов бытует мнение, что FL Studio является программой для начинающих. Такое суждение не верно: DAW активно используется такими музыкантами как Deadmau5, Майк Олдфилд, Мартин Гаррикс и Afrojack, назвать которых новичками язык не повернется.

 Подход FL Studio к работе отличается от того, что вы можете увидеть в других DAW — создание музыки здесь напоминает работу со степ-секвенсором. FL Studio не становится от этого хуже или лучше, программа просто немного другая. Тем не менее в составе есть все, чтобы заниматься электронной музыкой, да и научиться работать с “фрутиками” довольно просто.

Cockos Reaper (PC, Mac)

Steinberg Cubase (PC, Mac)

    

Эти программы популярны среди музыкантов, а вокруг них собрано собственное коммьюнити пользователей. Благодаря этому изучение DAW станет проще: в Интернете и на YouTube найдутся тысячи обучающих материалов, а в музыкальных сообществах в социальных сетях и на форумах можно без проблем получить ответы на интересующие вопросы.

А как же Audition?

Когда речь заходит о записи музыки, многие сразу же вспоминают Adobe Audition. Несмотря на популярность, Audition всегда был и остается аудиоредактором, и слабо приспособлен для серьезных студийных задач.

 Audition удобен для многоканальной записи или записи голоса, но его возможности на этом заканчиваются. Так, например, редактор умеет работать с VST-эффектами (компрессорами, эквалайзерами), но не поддерживает VST-инструменты. Помимо этого Audition не знаком с MIDI — загрузить виртуальное пианино или ударную установку и записать их партию попросту не выйдет.

 На этом фоне аудиоредактор от Adobe проигрывает даже бесплатному Magix Music Maker. Домашняя студия без виртуальных инструментов попросту не существует в 2018 году, поэтому рассматривать Audition в качестве центра студии бессмысленно.

Какие плагины мне понадобятся?

В принципе, никакие. Большинство DAW оснащаются всем необходимым для производства музыки. В комплекте практически с любой программой вы найдете большое количество эквалайзеров, компрессоров, ревербераторов и других эффектов, возможностей которых хватит для того, чтобы записать и свести проект.

 Необходимость в сторонних разработках появится только в двух случаях:

1. Если чего-то не найдется в комплекте с программой. Речь идёт о каких-то специфических обработках или виртуальных инструментах. Обычно разработчики оснащают DAW только самыми необходимыми инструментами (если это не Reaper), но если вы знаете, что ваша музыка не обойдется без чего-то специфического (например, гуслей), то искать все это придётся на стороне;
2. Если вас не устроит качество звучания стоковых эффектов или инструментов. Обычно камнем преткновения здесь становятся именно виртуальные инструменты, которые звучат сносно, но не великолепно.

Понадобятся ли сторонние плагины и стоит ли сразу искать дополнительные инструменты — вопрос индивидуальный. Для начала стоит подробно изучить свою программу. Возможно то, что вы ищете, уже есть в комплекте.

 Самым адекватным решением здесь будет начать работу с тем, что уже есть и постепенно составить список того, чего вам не хватает. Плагины никуда не убегут от вас — докупить недостающее можно в любой момент. Главное здесь знать, что и зачем вам нужно. Понимание этого приходит только с опытом и после изучения возможностей DAW.

 

Если речь идет о формате плагинов, то здесь все зависит от DAW и того, с какими плагинами она может работать (это обычно указано в описании программы). Форматов всего шесть — VST, AU, AAX, RTAS, DXi, ReFill, но для конечного пользователя отличий между ними нет. Каких-либо преимуществ от использования VST или AU вы не получите: плагины работают одинаково вне зависимости от формата.

 Единственная сложность, с которой можно столкнуться — отсутствие необходимого плагина в нужном виде. Перед тем, как покупать что-либо, узнайте, в каком формате выпускается плагин и поддерживает ли он работу с DAW.

Могу ли я писать музыку на планшете или смартфоне?

Можете, но это будет не очень удобно — размеры экранов накладывают существенные ограничения на интерфейс. Дисплеи смартфонов не сравнятся по площади с обычным монитором — информации на экране будет мало. К тому же работа с регуляторами порой требует высокой точности манипуляций, а с этим у смартфонов бывают проблемы.

 На планшетах дела обстоят лучше, но здесь появится другая проблема — ограничения софта. Функции мобильных DAW не сопоставимы с десктопными версиями ввиду различий платформ. К примеру, в мобильных DAW нет такого богатства плагинов и виртуальных инструментов, даже если мы говорим только о стоковом контенте. Многие функции (та же автоматизация и редактирование аудио) существуют в упрощенном виде.

 

Свести проект на планшете или смартфоне не получится, пока что это утопия. Конечно, разработчики активно развивают возможности музыкального софта и наращивают его производительность, но ситуация все еще далека от того, чтобы выбрать портативное устройство в качестве основы студии.

 Рассматривать планшет или смартфон лучше в качестве дополнения к студийном компьютеру. К примеру, можно скачать мобильную DAW, чтобы связать ее с десктопом и использовать в качестве блокнота для записи новых идей: придумали бит, записали его на смартфоне, отправили проект себе на компьютер и продолжили работу с проектом на десктопе. Звучит классно, но нужно учесть, что не все большие DAW существуют в карманном варианте: мобильные версии есть только у Cubase (Cubasis для iOS), Logic Pro X (GarageBand для iOS) и FL Studio (FL Studio Mobile для Android и iOS).

 

Другим сценарием эффективного дополнения студии может стать использование смартфона или планшета в качестве виртуального инструмента или процессора эффектов. Так, например, для iOS и Android существуют качественные синтезаторы и драм-машины от Korg, Moog, Propellerhead и ряда других разработчиков — эти приложения отлично звучат и точно пригодятся в студии. Подключив планшет к компьютеру с запущенной DAW, вы сможете использовать приложение как обыкновенный виртуальный инструмент.

 Ну а для гитаристов портативные устройства могут заменить педалборд. На iOS существуют мобильные версии эмуляторов гитарных усилителей и эффектов Positive Grid BIAS FX Mobile и AmpliTube. Связав планшет или смартфон с компьютером и подключив гитару, это позволит переключать эффекты и управлять своим звуком с экрана девайса, не отвлекаясь на мышку или забеги к компьютеру для изменения звука.

Нужны ли дополнительные программы для производства музыки?

Современные DAW готовы ко всем стадиям производства музыки и нет ничего, с чем бы они не справились. Здесь работает то же правило, что и для плагинов: все, чего вам не хватает, можно докупить позднее (когда освоитесь и поймете, чего реально не хватает).

 Если вопрос в том, понадобится ли вам дополнительный софт для мастеринга музыки, то скорее всего нет. Во-первых, как уже говорилось, DAW готовы ко всем аспектам продакшена. Во-вторых, мастеринг — это отдельная и довольно объемная тема, браться за которую стоит имея определенный опыт в работе со звуком.

 Конечно, мы хотим, чтобы наша музыка звучала круто и профессионально — это естественно. Проблема в том, что качественная музыка — это не крутой софт а-ля WaveLab, а ваши идеи и аранжировки. Путь от черновика до прошедшей мастеринг готовой песни длинный, и не исключено, что к тому времени вы научитесь так ловко работать в DAW, что внешний софт вам попросту не понадобится.

 В общем, не усложняйте себе жизнь: вы еще не изучили DAW, поэтому смысла в других программах сейчас попросту нет.

АВТОР: Егор Ревенга (главный редактор SAMESOUND.RU и музыкант) специально для Pop-Music.