Как правильно пишется микеланджело

Значение МИКЕЛАНДЖЕЛО в английском языке

(Michelangelo Buonarroti) (1475-1564), итальянский скульптор, художник, архитектор и поэт. Еще при жизни Микеланджело его произведения считались наивысшими достижениями искусства Возрождения.

Юность. Микеланджело Буонарроти родился 6 марта 1475 в семье флорентийцев в Капрезе. Его отец был высокопоставленным членом городской администрации. Семья вскоре перебралась во Флоренцию; ее материальное положение было скромным. Научившись читать, писать и считать, Микеланджело в 1488 стал учеником художников братьев Гирландайо. Здесь он познакомился с основными материалами и техниками и создал карандашные копии произведений великих флорентийских художников Джотто и Мазаччо; уже в этих копиях появилась характерная для Микеланджело скульптурная трактовка форм.

Вскоре Микеланджело начал работать над скульптурами для коллекции Медичи и привлек внимание Лоренцо Великолепного. В 1490 он поселился в палаццо Медичи и оставался там до смерти Лоренцо в 1492. Лоренцо Медичи окружил себя наиболее выдающимися людьми своего времени. Здесь были поэты, филологи, философы, комментаторы, такие, как Марсилио Фичино, Анджело Полициано, Пико делла Мирандола; сам Лоренцо был прекрасным поэтом. Восприятие Микеланджело реальности как воплощенного в материи духа несомненно восходит к неоплатоникам. Для него скульптура была искусством «вычленения» или освобождения фигуры, заключенной в каменном блоке. Не исключено, что некоторые из его самых поразительных по силе воздействия произведений, которые кажутся «неоконченными», могли быть намеренно оставлены такими, потому что именно на этой стадии «освобождения» форма наиболее адекватно воплощала замысел художника.

Некоторые из главных идей круга Лоренцо Медичи послужили источником вдохновения и терзаний Микеланджело в его дальнейшей жизни, в частности противоречие между христианским благочестием и языческой чувственностью. Считалось, что языческая философия и христианские догматы могут быть примирены (это отражено в названии одной из книг Фичино — «Платоновская теология о бессмертии души»); что все знания, если они правильно поняты, являются ключом к божественной истине. Физическая красота, воплощенная в человеческом теле, является земным проявлением красоты духовной. Телесная красота может прославляться, однако этого недостаточно, ибо тело — тюрьма души, которая стремится вернуться к своему Создателю, но может осуществить это только в смерти. Согласно Пико делла Мирандола, в течение жизни человек обладает свободой воли: он может вознестись к ангелам или погрузиться в бессознательное животное состояние. Молодой Микеланджело находился под воздействием оптимистической философии гуманизма и верил в безграничные возможности человека.

Мраморный рельеф Битва кентавров (Флоренция, Каса Буонарроти) имеет вид римского саркофага и изображает сцену из греческого мифа о битве людей лапифов с полуживотными кентаврами, напавшими на них во время свадебного пиршества. Сюжет был подсказан Анджело Полициано; его смысл — победа цивилизации над варварством. Согласно мифу, лапифы победили, однако в интерпретации Микеланджело исход битвы неясен. Скульптор создал компактные и напряженные массы обнаженных тел, продемонстрировав виртуозное мастерство в передаче движения посредством игры света и тени. Следы резца и неровные края напоминают нам о камне, из которого являются фигуры.

Второе произведение — деревянное Распятие (Флоренция, Каса Буонарроти). Голова Христа с закрытыми глазами опущена на грудь, ритм тела определяется скрещенными ногами. Тонкость этого произведения отличает его от мощи фигур мраморного рельефа.

Из-за опасности вторжения французов осенью 1494 Микеланджело покинул Флоренцию и по пути в Венецию на некоторое время остановился в Болонье, где создал три небольшие статуи для гробницы св. Доминика, работа над которой была прервана из-за смерти начавшего ее скульптора. В следующем году он ненадолго вернулся во Флоренцию, а затем отправился в Рим, где провел пять лет и в конце 1490-х годов создал два крупных произведения. Первое из них — статуя Вакха в человеческий рост, предназначенная для кругового обзора. Пьяного бога вина сопровождает маленький сатир, который лакомится виноградной гроздью. Вакх как будто готов упасть вперед, но сохраняет равновесие, отклоняясь назад; его взгляд обращен на чашу с вином. Мускулатура спины выглядит упругой, но расслабленные мышцы живота и бедер демонстрируют физическую, а значит и духовную слабость. Скульптор добился решения трудной задачи: создать впечатление неустойчивости без композиционной неуравновешенности, которая могла нарушить эстетический эффект.

Более монументальное произведение — мраморная Пьета (Ватикан, собор св. Петра). Эта тема была популярна в эпоху Ренессанса, но здесь она трактуется достаточно сдержанно. Смерть и сопровождающая ее скорбь словно содержатся в мраморе, из которого изваяна скульптура. Соотношение фигур таково, что они образуют низкий треугольник, точнее, коническую структуру. Обнаженное тело Христа контрастирует с пышными, богатыми светотенью одеждами Богоматери. Микеланджело изобразил Богоматерь молодой, словно это не Мать и Сын, а сестра, оплакивающая безвременную смерть брата. Идеализацию подобного рода использовал Леонардо да Винчи и другие художники. Кроме того, Микеланджело был горячим поклонником Данте. В начале молитвы св. Бернарда в последней канцоне Божественной комедии говорится: «Vergine Madre, figlia del tuo figlio» — «Богоматерь, дочь своего Сына». Скульптор нашел идеальный путь для выражения в камне этого глубокой богословской мысли.

На облачении Богоматери Микеланджело в первый и последний раз вырезал подпись: «Микеланджело, флорентиец». К 25 годам закончился период формирования его личности, и он вернулся во Флоренцию в расцвете всех возможностей, которыми может обладать скульптор.

Флоренция периода республики. В результате вторжения французов в 1494 Медичи были изгнаны, и на четыре года во Флоренции установилась фактическая теократия проповедника Савонаролы. В 1498 в результате интриг флорентийских деятелей и папского престола Савонарола и два его последователя были приговорены к сожжению на костре. Эти события во Флоренции непосредственно не затронули Микеланджело, однако вряд ли они оставили его равнодушным.

На смену вернувшемуся Средневековью Савонаролы пришла светская республика, для которой Микеланджело создал свое первое крупное произведение во Флоренции, мраморную статую Давида (1501-1504, Флоренция, Академия). Колоссальная фигура высотой 4,9 м вместе с основанием должна была стоять у собора.

Образ Давида был традиционен во Флоренции. Донателло и Верроккьо создали бронзовые скульптуры юноши, чудесным образом поразившего великана, голова которого лежит у его ног. В отличие от них Микеланджело изобразил момент, предшествующий схватке. Давид стоит с переброшенной через плечо пращой, сжимая в левой руке камень. Правая часть фигуры напряжена, в то время как левая слегка расслаблена, как у атлета, готового к действию. Образ Давида обладал особым смыслом для флорентийцев, и скульптура Микеланджело привлекла всеобщее внимание. Давид стал символом свободной и бдительной республики, готовой победить любого врага. Место у собора оказалось неподходящим, и комитет граждан постановил, что скульптура должна охранять главный вход в здание правительства, палаццо Веккьо, перед которым теперь находится ее копия.

Возможно, при участии Макиавелли в эти же годы был задуман еще один крупный государственный проект: Леонардо да Винчи и Микеланджело было поручено создать две огромные фрески для зала Большого Совета в палаццо Веккьо на тему исторических побед флорентийцев при Ангиари и при Кашине. Сохранились только копии картона Микеланджело Битва при Кашине. На нем была изображена группа солдат, бросающихся к оружию в то время, как на них внезапно напали враги во время купания в реке. Сцена напоминает Битву кентавров; на ней изображены обнаженные фигуры во всевозможных позах, которые представляли для мастера больший интерес, чем сам сюжет. Вероятно, картон Микеланджело пропал ок. 1516; согласно автобиографии скульптора Бенвенуто Челлини, он был источником вдохновения для многих художников.

К этому же времени (ок. 1504-1506) относится единственная бесспорно принадлежащая Микеланджело картина — тондо Мадонна Дони (Флоренция, Уффици), в котором нашло отражение стремление к передаче сложных поз и к пластической трактовке форм человеческого тела. Мадонна склонилась вправо, чтобы взять Младенца, сидящего на колене Иосифа. Единство фигур подчеркивается жесткой моделировкой драпировок с гладкими поверхностями. Пейзаж с обнаженными фигурами язычников за стеной беден деталями.

В 1506 Микеланджело начал работу над статуей Евангелиста Матфея (Флоренция, Академия), которая должна была быть первой из серии 12 апостолов для собора во Флоренции. Эта статуя осталась неоконченной, так как двумя годами позже Микеланджело отправился в Рим. Фигура вырубалась из мраморного блока, сохраняя его прямоугольные формы. Она выполнена в сильном контрапосте (напряженная динамическая неуравновешенность позы): левая нога поднята и опирается на камень, что вызывает смещение оси между тазом и плечами. Физическая энергия переходит в духовную, сила которой передается крайней напряженностью тела.

Флорентийский период творчества Микеланджело был отмечен почти лихорадочной активностью мастера: кроме перечисленных выше произведений, он создал два рельефных тондо с изображениями Мадонны (Лондон и Флоренция), в которых различная степень законченности используется для создания выразительности образа; мраморную статую Мадонны с Младенцем (собор Нотр-Дам в Брюгге) и несохранившуюся бронзовую статую Давида.

В Риме времен папы Юлия II и Льва X. В 1503 Юлий II занял папский престол. Ни один из меценатов не использовал искусство в целях пропаганды так широко, как Юлий II. Он начал сооружение нового собора св. Петра, ремонт и расширение папской резиденции по образцу римских дворцов и вилл, роспись папской капеллы и подготовку великолепной гробницы для самого себя.

Детали этого проекта неясны, но, по-видимому, Юлий II представлял себе новый храм со своей гробницей наподобие усыпальницы французских королей в Сен-Дени. Проект нового собора св. Петра был поручен Браманте, а в 1505 Микеланджело получил заказ на разработку проекта гробницы. Она должна была стоять свободно и иметь размер 6 на 9 м. Внутри должно было находиться овальное помещение, а снаружи — около 40 статуй. Ее создание было невозможно даже в то время, но и папа, и художник были неудержимыми мечтателями.

Гробница так и не была построена в той форме, как ее задумал Микеланджело, и эта «трагедия» преследовала его почти 40 лет. План гробницы и ее смысловое содержание могут быть реконструированы по предварительным рисункам и описаниям. Наиболее вероятно, что гробница должна была символизировать трехступенчатый подъем от земной жизни к вечной. У основания должны были находиться статуи апостола Павла, Моисея и пророков, символы двух путей достижения спасения. Наверху должны были помещаться два ангела, несущие Юлия II в рай. В результате были завершены только три статуи; контракт на гробницу заключался шесть раз на протяжении 37 лет, и в конце концов памятник был установлен в церкви Сан Пьетро ин Винколи.

В течение 1505-1506 Микеланджело постоянно посещал мраморные каменоломни, выбирая материал для гробницы, в то время как Юлий II все более настойчиво обращал его внимание на сооружение собора св. Петра. Гробница оставалась незаконченной. В крайнем раздражении Микеланджело бежал из Рима 17 апреля 1506, за день до заложения фундамента собора.

Однако папа оставался непреклонным. Микеланджело был прощен и получил заказ на изготовление статуи понтифика, позднее уничтоженной взбунтовавшимися болонцами. В 1506 возник еще один проект — фрески потолка Сикстинской капеллы. Она была построена в 1470-е годы дядей Юлия, папой Сикстом IV. В начале 1480-х годов алтарная и боковые стены были украшены фресками с евангельскими сюжетами и сценами из жизни Моисея, в создании которых участвовали Перуджино, Боттичелли, Гирландайо и Росселли. Над ними находились портреты пап, а свод оставался пустым.

В 1508 Микеланджело неохотно начал роспись свода. Работа продлилась немногим более двух лет в промежутке между 1508 и 1512, при минимальном участии помощников. Первоначально предполагалось изобразить фигуры апостолов на престолах. Позднее, в письме 1523, Микеланджело с гордостью писал, что убедил папу в несостоятельности этого замысла и получил полную свободу. Вместо первоначального проекта была создана роспись, которую мы видим сейчас. Если на боковых стенах капеллы представлены Эпоха Закона (Моисей) и Эпоха Благодати (Христос), то роспись потолка представляет собой самое начало истории человечества, Книгу Бытия.

Роспись потолка Сикстинской капеллы представляет собой сложную структуру, состоящую из нарисованных элементов архитектурной декорации, отдельных фигур и сцен. По сторонам от центральной части потолка под нарисованным карнизом размещены гигантские фигуры ветхозаветных пророков и языческих сивилл, восседающих на тронах. Между двумя карнизами изображены поперечные полосы, имитирующие свод; они разграничивают чередующиеся крупные и мелкие повествовательные сцены из Книги Бытия. В люнетах и сферических треугольниках в основании росписи также размещены сцены. Многочисленные фигуры, в том числе знаменитые ignudi (обнаженные) обрамляют сцены из Книги Бытия. Неясно, имеют ли они какое-то особое значение или являются чисто декоративными.

Существующие интерпретации смысла этой росписи могли бы составить небольшую библиотеку. Поскольку она находится в папской капелле, ее значение должно было быть ортодоксальным, но несомненно, что в этом комплексе воплотилась и ренессансная мысль.

В настоящей статье можно изложить лишь общепринятую интерпретацию основных христианских идей, вложенных в эту роспись. Изображения распадаются на три основные группы: сцены из Книги Бытия, пророки и сивиллы и сцены в пазухах свода. Сцены из Книги Бытия, как и композиции на боковых стенах, расположены в хронологическом порядке, от алтаря ко входу. Они распадаются на три триады. Первая связана с сотворением мира. Вторая — Сотворение Адама, Сотворение Евы, Искушение и Изгнание из рая — посвящена созданию человечества и его грехопадению. Последняя повествует об истории Ноя, заканчивающейся его опьянением. Не случайно Адам в Сотворении Адама и Ной в Опьянении Ноя находятся в одинаковой позе: в первом случае человек еще не обладает душой, во втором он от нее отказывается. Таким образом, эти сцены показывают, что человечество не один раз, а дважды лишалось божественного благоволения.

В четырех парусах свода находятся сцены Юдифь и Олоферн, Давид и Голиаф, Медный змий и Смерть Амана. Каждая из них — пример таинственного участия Бога в спасении своего избранного народа. Об этой божественной помощи повествовали пророки, предсказывавшие пришествие Мессии. Кульминацией росписи является экстатическая фигура Ионы, расположенная над алтарем и под сценой первого дня творения, к которой обращен его взор. Иона является провозвестником Воскресения и вечной жизни, ибо он, подобно Христу, проведшему три дня в гробнице перед вознесением на небо, провел три дня во чреве кита, а затем был возвращен к жизни. Через участие в мессе у алтаря внизу верующие причащались к тайне обещанного Христом спасения.

Повествование строится в духе героического и возвышенного гуманизма; и женские и мужские фигуры исполнены мужественной силы. Фигуры обнаженных, обрамляющие сцены, свидетельствуют об особенностях вкуса Микеланджело и его реакции на классическое искусство: взятые вместе, они представляют собой энциклопедию положений обнаженного человеческого тела, как это было и в Битве кентавров, и в Битве при Кашине. Микеланджело не был склонен к спокойному идеализму скульптуры Парфенона, но предпочитал мощный героизм эллинистического и римского искусства, выразившийся в крупной, исполненной пафоса скульптурной группе Лаокоон, найденной в Риме в 1506.

При рассуждениях о фресках Микеланджело в Сикстинской капелле следует принимать во внимание их сохранность. Расчистка и реставрация росписи начались в 1980. В результате были сняты отложения копоти, и тусклые цвета уступили место ярко-розовому, лимонно-желтому и зеленому; более четко проявились контуры и соотношение фигур и архитектуры. Микеланджело предстал тонким колористом: он сумел усилить скульптурное восприятие натуры при помощи цвета и учел большую высоту потолка (18 м), который в 16 в. не мог быть освещен столь же ярко, как это возможно сейчас. (Репродукции отреставрированных фресок опубликованы в монументальном двухтомнике The Sistine Chapel Альфреда А. Кнопфа, 1992. Среди 600 фотографий есть два панорамных вида росписи до и после реставрации.)

Папа Юлий II умер в 1513; на смену ему пришел Лев Х из семейства Медичи. С 1513 по 1516 Микеланджело работал над статуями, предназначенными для гробницы Юлия II: фигурами двух рабов (Лувр) и статуей Моисея (Сан Пьетро ин Винколи, Рим). Раб, рвущий путы изображен в резком повороте, подобно Евангелисту Матфею. Умирающий раб слаб, он словно пытается подняться, но в бессилии замирает, склонив голову под заломленной назад рукой. Моисей смотрит влево, как Давид; в нем словно закипает возмущение при виде поклонения золотому тельцу. Правая часть его тела напряжена, к боку прижаты скрижали, а резкое движение правой ноги подчеркнуто переброшенной через нее драпировкой. Этот гигант, один из пророков, воплощенных в мраморе, олицетворяет terribilita, «устрашающую силу».

Возвращение во Флоренцию. Годы между 1515 и 1520 были временем крушения планов Микеланджело. На него оказывали давление наследники Юлия, и одновременно он служил новому папе из рода Медичи. В 1516 он получил заказ на оформление фасада семейной церкви Медичи во Флоренции, Сан Лоренцо. Микеланджело провел много времени в мраморных каменоломнях, но через несколько лет договор был расторгнут. Возможно, в это же время скульптор начал работу над статуями четырех рабов (Флоренция, Академия), оставшимися незавершенными.

В начале 1500-х годов Микеланджело постоянно ездил из Флоренции в Рим и обратно, но в 1520-е годы заказы на Новую сакристию (капеллу Медичи) церкви Сан Лоренцо и библиотеку Лауренциана удерживали его во Флоренции до отъезда в Рим в 1534. Читальный зал библиотеки Лауренциана представляет собой длинное помещение из серого камня со светлыми стенами. Вестибюль, высокое помещение с многочисленными утопленными в стену сдвоенными колоннами, словно с трудом сдерживает лестницу, изливающуюся на пол. Лестница была закончена лишь к концу жизни Микеланджело, а вестибюль завершен только в 20 в.

Новая сакристия церкви Сан Лоренцо (капелла Медичи) составляла пару Старой, построенной Брунеллески столетием раньше; она осталась неоконченной из-за отъезда Микеланджело в Рим в 1534. Новая сакристия была задумана как погребальная капелла Джулиано Медичи, брата римского папы Льва, и Лоренцо, его племянника, которые умерли молодыми. Сам Лев Х умер в 1521, и вскоре на папском престоле оказался другой член семьи Медичи, папа Климент VII, который активно поддерживал этот проект. В свободном кубическом пространстве, увенчанном сводом, Микеланджело разместил пристенные гробницы с фигурами Джулиано и Лоренцо. С одной стороны располагается алтарь, напротив — статуя Мадонны с Младенцем, сидящей на прямоугольном саркофаге с останками Лоренцо Великолепного и его брата Джулиано. По сторонам располагаются пристенные гробницы младших Лоренцо и Джулиано. Их идеализированные статуи помещены в ниши; взгляды обращены к Богоматери и Младенцу. На саркофагах находятся лежащие фигуры, символизирующие День, Ночь, Утро и Вечер.

Когда Микеланджело в 1534 уехал в Рим, скульптуры еще не были установлены и находились на разных стадиях завершенности. Сохранившиеся наброски свидетельствуют о напряженной работе, предшествовавшей их созданию: были проекты единой гробницы, двойной и даже свободно стоящей гробницы.

Эффект этих скульптур построен на контрастах. Лоренцо задумчив и созерцателен. Фигуры находящихся под ним персонификаций Вечера и Утра настолько расслабленны, что, кажется, могут соскользнуть с саркофагов, на которых лежат. Фигура Джулиано, напротив, напряжена; он держит в руке жезл полководца. Расположенные под ним Ночь и День — мощные мускулистые фигуры, скорчившиеся в мучительном напряжении. Правдоподобно предположение, что Лоренцо воплощает созерцательное начало, а Джулиано — действенное.

Приблизительно в 1530 Микеланджело создал небольшую мраморную статую Аполлона (Флоренция, Барджелло) и скульптурную группу Победа (Флоренция, палаццо Веккьо); последняя, быть может, предназначалась для надгробия папы Юлия II. Победа — гибкая изящная фигура из полированного мрамора, поддерживаемая фигурой старика, лишь слегка поднимающейся над грубой поверхностью камня. Эта группа демонстрирует близкую связь Микеланджело с искусством таких изысканных маньеристов, как Бронзино, и представляет собой первый образец сочетания законченности и незаконченности для создания выразительного образа.

Пребывание в Риме. В 1534 Микеланджело переехал в Рим. В это время Климент VII обдумывал тему фресковой росписи алтарной стены Сикстинской капеллы. В 1534 он остановился на теме Страшного суда. С 1536 по 1541, уже при папе Павле III, Микеланджело работал над этой огромной композицией.

Прежде композиция Страшного суда строилась из нескольких отдельных частей. У Микеланджело она представляет собой овальный водоворот нагих мускулистых тел. Фигура Христа, напоминающая Зевса, расположена наверху; его правая рука поднята в жесте проклятия тем, кто находится слева от него. Произведение наполнено мощным движением: скелеты встают из земли, спасенная душа поднимается вверх по гирлянде из роз, мужчина, которого дьявол тащит вниз, в ужасе закрывает лицо руками.

Страшный суд стал отражением растущего пессимизма Микеланджело. Одна деталь Страшного суда свидетельствует о его мрачном настроении и представляет его горькую «подпись». У левой ноги Христа находится фигура св. Варфоломея, держащего в руках собственную кожу (он принял мученическую смерть, с него живьем содрали кожу). Черты лица святого напоминают Пьетро Аретино, который страстно нападал на Микеланджело из-за того, что считал неприличной его трактовку религиозного сюжета (позднее художники нарисовали драпировки на обнаженных фигурах из Страшного суда). Лицо на снятой коже св. Варфоломея — автопортрет художника.

Микеланджело продолжал работать над фресками в капелле Паолина, где он создал композиции Обращение Савла и Распятие св. Петра — необычные и замечательные произведения, в которых нарушены ренессансные нормы композиции. Их духовная насыщенность не была оценена; в них видели лишь то, что «это были всего-навсего произведения старого человека» (Вазари).

Постепенно у Микеланджело, вероятно, формируется собственное представление о христианстве, выразившееся в его рисунках и стихах. Сначала оно питалось идеями кружка Лоренцо Великолепного, основанными на неопределенности толкований христианских текстов. В последние годы жизни Микеланджело отвергает эти идеи. Его занимает вопрос, насколько искусство соразмерно христианской вере и не является ли оно непозволительным и высокомерным соперничеством с единственным законным и настоящим Творцом?

В конце 1530-х годов Микеланджело занимался в основном архитектурными проектами, которых создал множество, и построил несколько зданий в Риме, среди них наиболее значителен комплекс сооружений на Капитолийском холме, а также проекты для собора св. Петра.

В 1538 на Капитолии была установлена римская конная бронзовая статуя Марка Аврелия. Согласно проекту Микеланджело, ее обрамлением с трех сторон стали фасады зданий. Самое высокое из них — дворец Сеньории с двумя лестницами. На боковых фасадах находились огромные, в два этажа, коринфские пилястры, увенчанные карнизом с балюстрадой и скульптурами. Комплекс Капитолия был обильно украшен древними надписями и скульптурами, символика которых утверждала мощь древнего Рима, одушевленную христианством.

В 1546 умер архитектор Антонио да Сангалло, и Микеланджело стал главным архитектором собора св. Петра. План Браманте 1505 предполагал сооружение центрического храма, но вскоре после его смерти был принят более традиционный базиликальный план Антонио да Сангалло. Микеланджело решил убрать сложные неоготические элементы плана Сангалло и вернуться к простому, строго организованному центрическому пространству, над которым доминировал огромный купол на четырех опорах. Микеланджело не удалось полностью воплотить этот замысел, но он успел построить заднюю и боковые стены собора с гигантскими коринфскими пилястрами с нишами и окнами между ними.

С конца 1540-х годов до 1555 Микеланджело работал над скульптурной группой Пьета (Собор Санта Мария дель Фьоре, Флоренция). Мертвое тело Христа держит св. Никодим и с двух сторон поддерживают Богоматерь и Мария Магдалина (закончена фигура Христа и отчасти св. Магдалины). В отличие от Пьеты собора св. Петра, эта группа более плоскостная и угловатая, внимание сосредоточено на изломанной линии тела Христа. Расположение трех незаконченных голов создает драматический эффект, редкий в произведениях на этот сюжет. Возможно, голова св. Никодима была еще одним автопортретом старого Микеланджело, а сама скульптурная группа предназначалась для его надгробия. Обнаружив трещину в камне, он разбил работу молотком; позднее она была восстановлена его учениками.

За шесть дней до смерти Микеланджело работал над вторым вариантом Пьеты. Пьета Ронданини (Милан, Кастелло Сфорцеска), вероятно, была начата десятью годами ранее. Одинокая Богоматерь поддерживает мертвое тело Христа. Смысл этого произведения — трагическое единство матери и сына, где тело изображено настолько исхудалым, что не остается надежды на возвращение жизни.

Микеланджело умер 18 февраля 1564. Его тело было перевезено во Флоренцию и торжественно погребено.

Русский словарь Colier.

     Russian dictionary Colier.
2012

Michelangelo
Portrait by Daniele da Volterra, c. 1545
Born	Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni 6 March 1475 Caprese, Republic of Florence
Died	18 February 1564 (aged 88) Rome, Papal States
Known for	Sculpture painting architecture poetry
Notable work	Pietà (1498–1499) David (1501–1504) Sistine Chapel ceiling (1508–1512) Moses (1513–1515) The Last Judgment (1536–1541)
Movement	High Renaissance
Signature

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (Italian: [mikeˈlandʒelo di lodoˈviːko ˌbwɔnarˈrɔːti siˈmoːni]; 6 March 1475 – 18 February 1564), known as Michelangelo (^[1]), was an Italian sculptor, painter, architect,^[2] and poet of the High Renaissance. Born in the Republic of Florence, his work was inspired by models from classical antiquity and had a lasting influence on Western art. Michelangelo’s creative abilities and mastery in a range of artistic arenas define him as an archetypal Renaissance man, along with his rival and elder contemporary, Leonardo da Vinci.^[3] Given the sheer volume of surviving correspondence, sketches, and reminiscences, Michelangelo is one of the best-documented artists of the 16th century. He was lauded by contemporary biographers as the most accomplished artist of his era.^[4][5]

Michelangelo achieved fame early; two of his best-known works, the Pietà and David, were sculpted before the age of thirty. Although he did not consider himself a painter, Michelangelo created two of the most influential frescoes in the history of Western art: the scenes from Genesis on the ceiling of the Sistine Chapel in Rome, and The Last Judgment on its altar wall. His design of the Laurentian Library pioneered Mannerist architecture.^[6] At the age of 71, he succeeded Antonio da Sangallo the Younger as the architect of St. Peter’s Basilica. Michelangelo transformed the plan so that the western end was finished to his design, as was the dome, with some modification, after his death.

Michelangelo was the first Western artist whose biography was published while he was alive.^[3] In fact, three biographies were published during his lifetime. One of them, by Giorgio Vasari, proposed that Michelangelo’s work transcended that of any artist living or dead, and was «supreme in not one art alone but in all three.»^[7]

In his lifetime, Michelangelo was often called Il Divino (‘the divine one’).^[8] His contemporaries often admired his terribilità—his ability to instill a sense of awe in viewers of his art. Attempts by subsequent artists to imitate^[9] the expressive physicality of Michelangelo’s style contributed to the rise of Mannerism, a short-lived movement in Western art following the High Renaissance.

Life

Early life, 1475–1488

Michelangelo was born on 6 March 1475^[a] in Caprese, known today as Caprese Michelangelo, a small town situated in Valtiberina,^[10] near Arezzo, Tuscany.^[11] For several generations, his family had been small-scale bankers in Florence; but the bank failed, and his father, Ludovico di Leonardo Buonarroti Simoni, briefly took a government post in Caprese, where Michelangelo was born.^[3] At the time of Michelangelo’s birth, his father was the town’s judicial administrator and podestà or local administrator of Chiusi della Verna. Michelangelo’s mother was Francesca di Neri del Miniato di Siena.^[12] The Buonarrotis claimed to descend from the Countess Matilde di Canossa—a claim that remains unproven, but which Michelangelo believed.^[13]

Several months after Michelangelo’s birth, the family returned to Florence, where he was raised. During his mother’s later prolonged illness, and after her death in 1481 (when he was six years old), Michelangelo lived with a nanny and her husband, a stonecutter, in the town of Settignano, where his father owned a marble quarry and a small farm.^[12] There he gained his love for marble. As Giorgio Vasari quotes him:

If there is some good in me, it is because I was born in the subtle atmosphere of your country of Arezzo. Along with the milk of my nurse I received the knack of handling chisel and hammer, with which I make my figures.^[11]

Apprenticeships, 1488–1492

As a young boy, Michelangelo was sent to Florence to study grammar under the Humanist Francesco da Urbino.^[11][14][b] He showed no interest in his schooling, preferring to copy paintings from churches and seek the company of other painters.^[14]

The city of Florence was at that time Italy’s greatest centre of the arts and learning.^[15] Art was sponsored by the Signoria (the town council), the merchant guilds, and wealthy patrons such as the Medici and their banking associates.^[16] The Renaissance, a renewal of Classical scholarship and the arts, had its first flowering in Florence.^[15] In the early 15th century, the architect Filippo Brunelleschi, having studied the remains of Classical buildings in Rome, had created two churches, San Lorenzo’s and Santo Spirito, which embodied the Classical precepts.^[17] The sculptor Lorenzo Ghiberti had laboured for fifty years to create the north and east bronze doors of the Baptistry, which Michelangelo was to describe as «The Gates of Paradise».^[18] The exterior niches of the Church of Orsanmichele contained a gallery of works by the most acclaimed sculptors of Florence: Donatello, Ghiberti, Andrea del Verrocchio, and Nanni di Banco.^[16] The interiors of the older churches were covered with frescos (mostly in Late Medieval, but also in the Early Renaissance style), begun by Giotto and continued by Masaccio in the Brancacci Chapel, both of whose works Michelangelo studied and copied in drawings.^[19]

During Michelangelo’s childhood, a team of painters had been called from Florence to the Vatican to decorate the walls of the Sistine Chapel. Among them was Domenico Ghirlandaio, a master in fresco painting, perspective, figure drawing and portraiture who had the largest workshop in Florence.^[16] In 1488, at age 13, Michelangelo was apprenticed to Ghirlandaio.^[20] The next year, his father persuaded Ghirlandaio to pay Michelangelo as an artist, which was rare for someone of fourteen.^[21] When in 1489, Lorenzo de’ Medici, de facto ruler of Florence, asked Ghirlandaio for his two best pupils, Ghirlandaio sent Michelangelo and Francesco Granacci.^[22]

From 1490 to 1492, Michelangelo attended the Platonic Academy, a Humanist academy founded by the Medici. There, his work and outlook were influenced by many of the most prominent philosophers and writers of the day, including Marsilio Ficino, Pico della Mirandola and Poliziano.^[23] At this time, Michelangelo sculpted the reliefs Madonna of the Stairs (1490–1492) and Battle of the Centaurs (1491–1492),^[19] the latter based on a theme suggested by Poliziano and commissioned by Lorenzo de’ Medici.^[24] Michelangelo worked for a time with the sculptor Bertoldo di Giovanni. When he was seventeen, another pupil, Pietro Torrigiano, struck him on the nose, causing the disfigurement that is conspicuous in the portraits of Michelangelo.^[25]

Bologna, Florence and Rome, 1492–1499

Lorenzo de’ Medici’s death on 8 April 1492 brought a reversal of Michelangelo’s circumstances.^[26] Michelangelo left the security of the Medici court and returned to his father’s house. In the following months he carved a polychrome wooden Crucifix (1493), as a gift to the prior of the Florentine church of Santo Spirito, which had allowed him to do some anatomical studies of the corpses from the church’s hospital.^[27] This was the first of several instances during his career that Michelangelo studied anatomy by dissecting cadavers.^[28][29]

Between 1493 and 1494, he bought a block of marble, and carved a larger-than-life statue of Hercules, which was sent to France and subsequently disappeared sometime in the 18th century.^[24][c] On 20 January 1494, after heavy snowfalls, Lorenzo’s heir, Piero de Medici, commissioned a statue made of snow, and Michelangelo again entered the court of the Medici.^[30]

In the same year, the Medici were expelled from Florence as the result of the rise of Savonarola. Michelangelo left the city before the end of the political upheaval, moving to Venice and then to Bologna.^[26] In Bologna, he was commissioned to carve several of the last small figures for the completion of the Shrine of St. Dominic, in the church dedicated to that saint. At this time Michelangelo studied the robust reliefs carved by Jacopo della Quercia around the main portal of the Basilica of St Petronius, including the panel of The Creation of Eve, the composition of which was to reappear on the Sistine Chapel ceiling.^[31] Towards the end of 1495, the political situation in Florence was calmer; the city, previously under threat from the French, was no longer in danger as Charles VIII had suffered defeats. Michelangelo returned to Florence but received no commissions from the new city government under Savonarola.^[32] He returned to the employment of the Medici.^[33] During the half-year he spent in Florence, he worked on two small statues, a child St. John the Baptist and a sleeping Cupid. According to Condivi, Lorenzo di Pierfrancesco de’ Medici, for whom Michelangelo had sculpted St. John the Baptist, asked that Michelangelo «fix it so that it looked as if it had been buried» so he could «send it to Rome … pass [it off as] an ancient work and … sell it much better.» Both Lorenzo and Michelangelo were unwittingly cheated out of the real value of the piece by a middleman. Cardinal Raffaele Riario, to whom Lorenzo had sold it, discovered that it was a fraud, but was so impressed by the quality of the sculpture that he invited the artist to Rome.^{[34] [d]} This apparent success in selling his sculpture abroad as well as the conservative Florentine situation may have encouraged Michelangelo to accept the prelate’s invitation.^[33]

Michelangelo arrived in Rome on 25 June 1496^[35] at the age of 21. On 4 July of the same year, he began work on a commission for Cardinal Riario, an over-life-size statue of the Roman wine god Bacchus. Upon completion, the work was rejected by the cardinal, and subsequently entered the collection of the banker Jacopo Galli, for his garden.^[36][37]

In November 1497, the French ambassador to the Holy See, Cardinal Jean de Bilhères-Lagraulas, commissioned him to carve a Pietà, a sculpture showing the Virgin Mary grieving over the body of Jesus. The subject, which is not part of the Biblical narrative of the Crucifixion, was common in religious sculpture of Medieval Northern Europe and would have been very familiar to the Cardinal.^[38] The contract was agreed upon in August of the following year. Michelangelo was 24 at the time of its completion.^[38] It was soon to be regarded as one of the world’s great masterpieces of sculpture, «a revelation of all the potentialities and force of the art of sculpture». Contemporary opinion was summarised by Vasari: «It is certainly a miracle that a formless block of stone could ever have been reduced to a perfection that nature is scarcely able to create in the flesh.»^[39] It is now located in St Peter’s Basilica.

Florence, 1499–1505

Michelangelo returned to Florence in 1499. The Republic was changing after the fall of its leader, anti-Renaissance priest Girolamo Savonarola, who was executed in 1498, and the rise of the gonfaloniere Piero Soderini. Michelangelo was asked by the consuls of the Guild of Wool to complete an unfinished project begun 40 years earlier by Agostino di Duccio: a colossal statue of Carrara marble portraying David as a symbol of Florentine freedom to be placed on the gable of Florence Cathedral.^[40] Michelangelo responded by completing his most famous work, the statue of David, in 1504. The masterwork definitively established his prominence as a sculptor of extraordinary technical skill and strength of symbolic imagination. A team of consultants, including Botticelli, Leonardo da Vinci, Filippino Lippi, Pietro Perugino, Lorenzo di Credi, Antonio and Giuliano da Sangallo, Andrea della Robbia, Cosimo Rosselli, Davide Ghirlandaio, Piero di Cosimo, Andrea Sansovino and Michelangelo’s dear friend Francesco Granacci, was called together to decide upon its placement, ultimately the Piazza della Signoria, in front of the Palazzo Vecchio. It now stands in the Academia while a replica occupies its place in the square.^[41] In the same period of placing the David, Michelangelo may have been involved in creating the sculptural profile on Palazzo Vecchio’s façade known as the Importuno di Michelangelo. The hypothesis^[42] on Michelangelo’s possible involvement in the creation of the profile is based on the strong resemblance of the latter to a profile drawn by the artist, datable to the beginning of the 16th century, now preserved in the Louvre.^[43]

With the completion of the David came another commission. In early 1504 Leonardo da Vinci had been commissioned to paint The Battle of Anghiari in the council chamber of the Palazzo Vecchio, depicting the battle between Florence and Milan in 1440. Michelangelo was then commissioned to paint the Battle of Cascina. The two paintings are very different: Leonardo depicts soldiers fighting on horseback, while Michelangelo has soldiers being ambushed as they bathe in the river. Neither work was completed and both were lost forever when the chamber was refurbished. Both works were much admired, and copies remain of them, Leonardo’s work having been copied by Rubens and Michelangelo’s by Bastiano da Sangallo.^[44]

Also during this period, Michelangelo was commissioned by Angelo Doni to paint a «Holy Family» as a present for his wife, Maddalena Strozzi. It is known as the Doni Tondo and hangs in the Uffizi Gallery in its original magnificent frame, which Michelangelo may have designed.^[45][46] He also may have painted the Madonna and Child with John the Baptist, known as the Manchester Madonna and now in the National Gallery, London.^[47]

Tomb of Julius II, 1505–1545

In 1505 Michelangelo was invited back to Rome by the newly elected Pope Julius II and commissioned to build the Pope’s tomb,^[2] which was to include forty statues and be finished in five years.^[48] Under the patronage of the pope, Michelangelo experienced constant interruptions to his work on the tomb in order to accomplish numerous other tasks.

The commission for the tomb forced the artist to leave Florence with his planned Battle of Cascina painting unfinished.^[49][50][51] By this time, Michelangelo was established as an artist;^[52] both he and Julius II had hot tempers and soon argued.^[50][51] On 17 April 1506, Michelangelo left Rome in secret for Florence, remaining there until the Florentine government pressed him to return to the pope.^[51]

Although Michelangelo worked on the tomb for 40 years, it was never finished to his satisfaction.^[48] It is located in the Church of San Pietro in Vincoli in Rome and is most famous for the central figure of Moses, completed in 1516.^[53] Of the other statues intended for the tomb, two, known as the Rebellious Slave and the Dying Slave, are now in the Louvre.^[48]

Sistine Chapel ceiling, 1505–1512

During the same period, Michelangelo painted the ceiling of the Sistine Chapel,^[54] which took approximately four years to complete (1508–1512).^[53] According to Condivi’s account, Bramante, who was working on the building of St. Peter’s Basilica, resented Michelangelo’s commission for the pope’s tomb and convinced the pope to commission him in a medium with which he was unfamiliar, in order that he might fail at the task.^[55] Michelangelo was originally commissioned to paint the Twelve Apostles on the triangular pendentives that supported the ceiling, and to cover the central part of the ceiling with ornament.^[56] Michelangelo persuaded Pope Julius II to give him a free hand and proposed a different and more complex scheme,^[50][51] representing the Creation, the Fall of Man, the Promise of Salvation through the prophets, and the genealogy of Christ. The work is part of a larger scheme of decoration within the chapel that represents much of the doctrine of the Catholic Church.^[56]

The composition stretches over 500 square metres of ceiling^[57] and contains over 300 figures.^[56] At its centre are nine episodes from the Book of Genesis, divided into three groups: God’s creation of the earth; God’s creation of humankind and their fall from God’s grace; and lastly, the state of humanity as represented by Noah and his family. On the pendentives supporting the ceiling are painted twelve men and women who prophesied the coming of Jesus, seven prophets of Israel, and five Sibyls, prophetic women of the Classical world.^[56] Among the most famous paintings on the ceiling are The Creation of Adam, Adam and Eve in the Garden of Eden, the Deluge, the Prophet Jeremiah, and the Cumaean Sibyl.

Florence under Medici popes, 1513 – early 1534

In 1513, Pope Julius II died and was succeeded by Pope Leo X, the second son of Lorenzo de’ Medici.^[53] From 1513 to 1516, Pope Leo was on good terms with Pope Julius’s surviving relatives, so encouraged Michelangelo to continue work on Julius’s tomb, but the families became enemies again in 1516 when Pope Leo tried to seize the Duchy of Urbino from Julius’s nephew Francesco Maria I della Rovere.^[58] Pope Leo then had Michelangelo stop working on the tomb, and commissioned him to reconstruct the façade of the Basilica of San Lorenzo in Florence and to adorn it with sculptures. He spent three years creating drawings and models for the façade, as well as attempting to open a new marble quarry at Pietrasanta specifically for the project. In 1520, the work was abruptly cancelled by his financially strapped patrons before any real progress had been made. The basilica lacks a façade to this day.^[59]

In 1520, the Medici came back to Michelangelo with another grand proposal, this time for a family funerary chapel in the Basilica of San Lorenzo.^[53] For posterity, this project, occupying the artist for much of the 1520s and 1530s, was more fully realised. Michelangelo used his own discretion to create the composition of the Medici Chapel, which houses the large tombs of two of the younger members of the Medici family, Giuliano, Duke of Nemours, and Lorenzo, his nephew. It also serves to commemorate their more famous predecessors, Lorenzo the Magnificent and his brother Giuliano, who are buried nearby. The tombs display statues of the two Medici and allegorical figures representing Night and Day, and Dusk and Dawn. The chapel also contains Michelangelo’s Medici Madonna.^[60] In 1976, a concealed corridor was discovered with drawings on the walls that related to the chapel itself.^[61][62]

Pope Leo X died in 1521 and was succeeded briefly by the austere Adrian VI, and then by his cousin Giulio Medici as Pope Clement VII.^[63] In 1524, Michelangelo received an architectural commission from the Medici pope for the Laurentian Library at San Lorenzo’s Church.^[53] He designed both the interior of the library itself and its vestibule, a building utilising architectural forms with such dynamic effect that it is seen as the forerunner of Baroque architecture. It was left to assistants to interpret his plans and carry out construction. The library was not opened until 1571, and the vestibule remained incomplete until 1904.^[64]

In 1527, Florentine citizens, encouraged by the sack of Rome, threw out the Medici and restored the republic. A siege of the city ensued, and Michelangelo went to the aid of his beloved Florence by working on the city’s fortifications from 1528 to 1529. The city fell in 1530, and the Medici were restored to power.^[53] Michelangelo fell out of favour with the young Alessandro Medici, who had been installed as the first Duke of Florence. Fearing for his life, he fled to Rome, leaving assistants to complete the Medici chapel and the Laurentian Library. Despite Michelangelo’s support of the republic and resistance to the Medici rule, he was welcomed by Pope Clement, who reinstated an allowance that he had previously granted the artist and made a new contract with him over the tomb of Pope Julius.^[65]

Rome, 1534–1546

In Rome, Michelangelo lived near the church of Santa Maria di Loreto. It was at this time that he met the poet Vittoria Colonna, marchioness of Pescara, who was to become one of his closest friends until her death in 1547.^[66]

Shortly before his death in 1534, Pope Clement VII commissioned Michelangelo to paint a fresco of The Last Judgment on the altar wall of the Sistine Chapel. His successor, Pope Paul III, was instrumental in seeing that Michelangelo began and completed the project, which he laboured on from 1534 to October 1541.^[53] The fresco depicts the Second Coming of Christ and his Judgement of the souls. Michelangelo ignored the usual artistic conventions in portraying Jesus, showing him as a massive, muscular figure, youthful, beardless and naked.^[67] He is surrounded by saints, among whom Saint Bartholomew holds a drooping flayed skin, bearing the likeness of Michelangelo. The dead rise from their graves, to be consigned either to Heaven or to Hell.^[67]

Once completed, the depiction of Christ and the Virgin Mary naked was considered sacrilegious, and Cardinal Carafa and Monsignor Sernini (Mantua’s ambassador) campaigned to have the fresco removed or censored, but the Pope resisted. At the Council of Trent, shortly before Michelangelo’s death in 1564, it was decided to obscure the genitals and Daniele da Volterra, an apprentice of Michelangelo, was commissioned to make the alterations.^[68] An uncensored copy of the original, by Marcello Venusti, is in the Capodimonte Museum of Naples.^[69]

Michelangelo worked on a number of architectural projects at this time. They included a design for the Capitoline Hill with its trapezoid piazza displaying the ancient bronze statue of Marcus Aurelius. He designed the upper floor of the Palazzo Farnese and the interior of the Church of Santa Maria degli Angeli, in which he transformed the vaulted interior of an Ancient Roman bathhouse. Other architectural works include San Giovanni dei Fiorentini, the Sforza Chapel (Capella Sforza) in the Basilica di Santa Maria Maggiore and the Porta Pia.^[70]

St Peter’s Basilica, 1546–1564

While still working on the Last Judgment, Michelangelo received yet another commission for the Vatican. This was for the painting of two large frescos in the Cappella Paolina depicting significant events in the lives of the two most important saints of Rome, the Conversion of Saint Paul and the Crucifixion of Saint Peter. Like the Last Judgment, these two works are complex compositions containing a great number of figures.^[71] They were completed in 1550. In the same year, Giorgio Vasari published his Vita, including a biography of Michelangelo.^[72]

In 1546, Michelangelo was appointed architect of St. Peter’s Basilica, Rome.^[53] The process of replacing the Constantinian basilica of the 4th century had been underway for fifty years and in 1506 foundations had been laid to the plans of Bramante. Successive architects had worked on it, but little progress had been made. Michelangelo was persuaded to take over the project. He returned to the concepts of Bramante, and developed his ideas for a centrally planned church, strengthening the structure both physically and visually.^[73] The dome, not completed until after his death, has been called by Banister Fletcher, «the greatest creation of the Renaissance».^[74]

As construction was progressing on St Peter’s, there was concern that Michelangelo would pass away before the dome was finished. However, once building commenced on the lower part of the dome, the supporting ring, the completion of the design was inevitable.

On 7 December 2007, a red chalk sketch for the dome of St Peter’s Basilica, possibly the last made by Michelangelo before his death, was discovered in the Vatican archives. It is extremely rare, since he destroyed his designs later in life. The sketch is a partial plan for one of the radial columns of the cupola drum of St Peter’s.^[75]

Personal life

Faith

Michelangelo was a devout Catholic whose faith deepened at the end of his life.^[78] His poetry includes the following closing lines from what is known as poem 285 (written in 1554): «Neither painting nor sculpture will be able any longer to calm my soul, now turned toward that divine love that opened his arms on the cross to take us in.»^[79][80]

Personal habits

Michelangelo was abstemious in his personal life, and once told his apprentice, Ascanio Condivi: «However rich I may have been, I have always lived like a poor man.»^[81] Michelangelo’s bank accounts and numerous deeds of purchase show that his net worth was about 50,000 gold ducats, more than many princes and dukes of his time.^[82] Condivi said he was indifferent to food and drink, eating «more out of necessity than of pleasure»^[81] and that he «often slept in his clothes and … boots.»^[81] His biographer Paolo Giovio says, «His nature was so rough and uncouth that his domestic habits were incredibly squalid, and deprived posterity of any pupils who might have followed him.»^[83] This, however, may not have affected him, as he was by nature a solitary and melancholy person, bizzarro e fantastico, a man who «withdrew himself from the company of men.»^[84]

Relationships and poetry

Love for a lady’s different. Not much
in that for a wise and virile lover’s trouble.

— John Frederick Nim, translation

It is impossible to know for certain whether Michelangelo had physical relationships (Condivi ascribed to him a «monk-like chastity»);^[85] speculation about his sexuality is rooted in his poetry.^[86] He wrote over three hundred sonnets and madrigals. The longest sequence, displaying deep romantic feeling, was written to the young Roman patrician Tommaso dei Cavalieri (c. 1509–1587), who was 23 years old when Michelangelo first met him in 1532, at the age of 57.^[87][88] The Florentine Benedetto Varchi fifteen years later described Cavalieri as of «incomparable beauty», with «graceful manners, so excellent an endowment and so charming a demeanour that he indeed deserved, and still deserves, the more to be loved the better he is known».^[89] In his «Lives of the Artists», Giorgio Vasari observed: «But infinitely more than any of the others he loved M. Tommaso de’ Cavalieri, a Roman gentleman, for whom, being a young man and much inclined to these arts, [Michelangelo] made, to the end that he might learn to draw, many most superb drawings of divinely beautiful heads, designed in black and red chalk; and then he drew for him a Ganymede rapt to Heaven by Jove’s Eagle, a Tityus with the Vulture devouring his heart, the Chariot of the Sun falling with Phaëthon into the Po, and a Bacchanal of children, which are all in themselves most rare things, and drawings the like of which have never been seen.»^[90] Scholars agree that Michelangelo became infatuated with Cavalieri.^[91]
The poems to Cavalieri make up the first large sequence of poems in any modern tongue addressed by one man to another; they predate by 50 years Shakespeare’s sonnets to the fair youth:

I feel as lit by fire a cold countenance
That burns me from afar and keeps itself ice-chill;
A strength I feel two shapely arms to fill
Which without motion moves every balance.

— Michael Sullivan, translation

Cavalieri replied: «I swear to return your love. Never have I loved a man more than I love you, never have I wished for a friendship more than I wish for yours.» Cavalieri remained devoted to Michelangelo until his death.^[92]

In 1542, Michelangelo met Cecchino dei Bracci who died only a year later, inspiring Michelangelo to write 48 funeral epigrams. Some of the objects of Michelangelo’s affections, and subjects of his poetry, took advantage of him: the model Febo di Poggio asked for money in response to a love-poem, and a second model, Gherardo Perini, shamelessly stole from him.^[92]

The homoerotic nature of the poetry has been a source of discomfort to later generations. Michelangelo’s grandnephew, Michelangelo Buonarroti the Younger, published the poems in 1623 with the gender of pronouns changed,^[93] and it was not until John Addington Symonds translated them into English in 1893 that the original genders were restored. In modern times some scholars insist that, despite the restoration of the pronouns, they represent «an emotionless and elegant re-imagining of Platonic dialogue, whereby erotic poetry was seen as an expression of refined sensibilities»,^[92] but others read his poems at face value, as a confession of preference for young men over women.^[94]

Late in life, Michelangelo nurtured a great platonic love for the poet and noble widow Vittoria Colonna, whom he met in Rome in 1536 or 1538 and who was in her late forties at the time. They wrote sonnets for each other and were in regular contact until she died. These sonnets mostly deal with the spiritual issues that occupied them.^[95] Condivi recalls Michelangelo’s saying that his sole regret in life was that he did not kiss the widow’s face in the same manner that he had her hand.^[66]

Feuds with other artists

In a letter from late 1542, Michelangelo blamed the tensions between Julius II and himself on the envy of Bramante and Raphael, saying of the latter, «all he had in art, he got from me». According to Gian Paolo Lomazzo, Michelangelo and Raphael met once: the former was alone, while the latter was accompanied by several others. Michelangelo commented that he thought he had encountered the chief of police with such an assemblage, and Raphael replied that he thought he had met an executioner, as they are wont to walk alone.^[96]

Works

Madonna and Child

The Madonna of the Stairs is Michelangelo’s earliest known work in marble. It is carved in shallow relief, a technique often employed by the master-sculptor of the early 15th century, Donatello, and others such as Desiderio da Settignano.^[97] While the Madonna is in profile, the easiest aspect for a shallow relief, the child displays a twisting motion that was to become characteristic of Michelangelo’s work. The Taddei Tondo of 1502 shows the Christ Child frightened by a Bullfinch, a symbol of the Crucifixion.^[45] The lively form of the child was later adapted by Raphael in the Bridgewater Madonna. The Madonna of Bruges was, at the time of its creation, unlike other such statues depicting the Virgin proudly presenting her son. Here, the Christ Child, restrained by his mother’s clasping hand, is about to step off into the world.^[98] The Doni Tondo, depicting the Holy Family, has elements of all three previous works: the frieze of figures in the background has the appearance of a low-relief, while the circular shape and dynamic forms echo the Taddeo Tondo. The twisting motion present in the Madonna of Bruges is accentuated in the painting. The painting heralds the forms, movement and colour that Michelangelo was to employ on the ceiling of the Sistine Chapel.^[45]

• 

• 

• 

Male figure

The kneeling Angel is an early work, one of several that Michelangelo created as part of a large decorative scheme for the Arca di San Domenico in the church dedicated to that saint in Bologna. Several other artists had worked on the scheme, beginning with Nicola Pisano in the 13th century. In the late 15th century, the project was managed by Niccolò dell’Arca. An angel holding a candlestick, by Niccolò, was already in place.^[99] Although the two angels form a pair, there is a great contrast between the two works, the one depicting a delicate child with flowing hair clothed in Gothic robes with deep folds, and Michelangelo’s depicting a robust and muscular youth with eagle’s wings, clad in a garment of Classical style. Everything about Michelangelo’s Angel is dynamic.^[100] Michelangelo’s Bacchus was a commission with a specified subject, the youthful God of Wine. The sculpture has all the traditional attributes, a vine wreath, a cup of wine and a fawn, but Michelangelo ingested an air of reality into the subject, depicting him with bleary eyes, a swollen bladder and a stance that suggests he is unsteady on his feet.^[99] While the work is plainly inspired by Classical sculpture, it is innovative for its rotating movement and strongly three-dimensional quality, which encourages the viewer to look at it from every angle.^[101]

In the so-called Dying Slave, Michelangelo again utilised the figure with marked contrapposto to suggest a particular human state, in this case waking from sleep. With the Rebellious Slave, it is one of two such earlier figures for the Tomb of Pope Julius II, now in the Louvre, that the sculptor brought to an almost finished state.^[102] These two works were to have a profound influence on later sculpture, through Rodin who studied them at the Louvre.^[103]
The Atlas Slave is one of the later figures for Pope Julius’ tomb. The works, known collectively as The Captives, each show the figure struggling to free itself, as if from the bonds of the rock in which it is lodged. The works give a unique insight into the sculptural methods that Michelangelo employed and his way of revealing what he perceived within the rock.^[104]

• 

  Angel by Michelangelo, early work (1494–95)

• 

  Bacchus by Michelangelo, early work (1496–1497)

• 

• 

Sistine Chapel ceiling

The Sistine Chapel ceiling was painted between 1508 and 1512.^[53] The ceiling is a flattened barrel vault supported on twelve triangular pendentives that rise from between the windows of the chapel. The commission, as envisaged by Pope Julius II, was to adorn the pendentives with figures of the twelve apostles.^[105] Michelangelo, who was reluctant to take the job, persuaded the Pope to give him a free hand in the composition.^[106] The resultant scheme of decoration awed his contemporaries and has inspired other artists ever since.^[107] The scheme is of nine panels illustrating episodes from the Book of Genesis, set in an architectonic frame. On the pendentives, Michelangelo replaced the proposed Apostles with Prophets and Sibyls who heralded the coming of the Messiah.^[106]

Michelangelo began painting with the later episodes in the narrative, the pictures including locational details and groups of figures, the Drunkenness of Noah being the first of this group.^[106] In the later compositions, painted after the initial scaffolding had been removed, Michelangelo made the figures larger.^[106] One of the central images, The Creation of Adam is one of the best known and most reproduced works in the history of art. The final panel, showing the Separation of Light from Darkness is the broadest in style and was painted in a single day. As the model for the Creator, Michelangelo has depicted himself in the action of painting the ceiling.^[106]

• 

  The Drunkenness of Noah

• 

  The Deluge (detail)

• 

• 

  The First Day of Creation

As supporters to the smaller scenes, Michelangelo painted twenty youths who have variously been interpreted as angels, as muses, or simply as decoration. Michelangelo referred to them as «ignudi».^[108] The figure reproduced may be seen in context in the above image of the Separation of Light from Darkness.
In the process of painting the ceiling, Michelangelo made studies for different figures, of which some, such as that for The Libyan Sibyl have survived, demonstrating the care taken by Michelangelo in details such as the hands and feet.^[109] The Prophet Jeremiah, contemplating the downfall of Jerusalem, is an image of the artist himself.

• 

  Studies for The Libyan Sibyl

• 

  The Libyan Sibyl (1511)

• 

  The Prophet Jeremiah (1511)

• 

  Ignudo

Figure compositions

Michelangelo’s relief of the Battle of the Centaurs, created while he was still a youth associated with the Medici Academy,^[110] is an unusually complex relief in that it shows a great number of figures involved in a vigorous struggle. Such a complex disarray of figures was rare in Florentine art, where it would usually only be found in images showing either the Massacre of the Innocents or the Torments of Hell. The relief treatment, in which some of the figures are boldly projecting, may indicate Michelangelo’s familiarity with Roman sarcophagus reliefs from the collection of Lorenzo Medici, and similar marble panels created by Nicola and Giovanni Pisano, and with the figurative compositions on Ghiberti’s Baptistry Doors.^{[citation needed]}

The composition of the Battle of Cascina is known in its entirety only from copies,^[111] as the original cartoon, according to Vasari, was so admired that it deteriorated and was eventually in pieces.^[112] It reflects the earlier relief in the energy and diversity of the figures,^[113] with many different postures, and many being viewed from the back, as they turn towards the approaching enemy and prepare for battle.^{[citation needed]}

In The Last Judgment it is said that Michelangelo drew inspiration from a fresco by Melozzo da Forlì in Rome’s Santi Apostoli. Melozzo had depicted figures from different angles, as if they were floating in the Heaven and seen from below. Melozzo’s majestic figure of Christ, with windblown cloak, demonstrates a degree of foreshortening of the figure that had also been employed by Andrea Mantegna, but was not usual in the frescos of Florentine painters. In The Last Judgment Michelangelo had the opportunity to depict, on an unprecedented scale, figures in the action of either rising heavenward or falling and being dragged down.^{[citation needed]}

In the two frescos of the Pauline Chapel, The Crucifixion of St. Peter and The Conversion of Saul, Michelangelo has used the various groups of figures to convey a complex narrative. In the Crucifixion of Peter soldiers busy themselves about their assigned duty of digging a post hole and raising the cross while various people look on and discuss the events. A group of horrified women cluster in the foreground, while another group of Christians is led by a tall man to witness the events. In the right foreground, Michelangelo walks out of the painting with an expression of disillusionment.^{[citation needed]}

• 

• 

• 

Architecture

Michelangelo’s architectural commissions included a number that were not realised, notably the façade for Brunelleschi’s Church of San Lorenzo in Florence, for which Michelangelo had a wooden model constructed, but which remains to this day unfinished rough brick. At the same church, Giulio de’ Medici (later Pope Clement VII) commissioned him to design the Medici Chapel and the tombs of Giuliano and Lorenzo Medici.^[114] Pope Clement also commissioned the Laurentian Library, for which Michelangelo also designed the extraordinary vestibule with columns recessed into niches, and a staircase that appears to spill out of the library like a flow of lava, according to Nikolaus Pevsner, «… revealing Mannerism in its most sublime architectural form.»^[115]

In 1546 Michelangelo produced the highly complex ovoid design for the pavement of the Campidoglio and began designing an upper storey for the Farnese Palace. In 1547 he took on the job of completing St Peter’s Basilica, begun to a design by Bramante, and with several intermediate designs by several architects. Michelangelo returned to Bramante’s design, retaining the basic form and concepts by simplifying and strengthening the design to create a more dynamic and unified whole.^[116] Although the late 16th-century engraving depicts the dome as having a hemispherical profile, the dome of Michelangelo’s model is somewhat ovoid and the final product, as completed by Giacomo della Porta, is more so.^[116]

• 

  Michelangelo’s redesign of the ancient Capitoline Hill included a complex spiralling pavement with a star at its centre.

• 

  Michelangelo’s design for St Peter’s is both massive and contained, with the corners between the apsidal arms of the Greek Cross filled by square projections.

• 

  The exterior is surrounded by a giant order of pilasters supporting a continuous cornice. Four small cupolas cluster around the dome.

Final years

In his old age, Michelangelo created a number of Pietàs in which he apparently reflects upon mortality. They are heralded by the Victory, perhaps created for the tomb of Pope Julius II but left unfinished. In this group, the youthful victor overcomes an older hooded figure, with the features of Michelangelo.

The Pietà of Vittoria Colonna is a chalk drawing of a type described as «presentation drawings», as they might be given as a gift by an artist, and were not necessarily studies towards a painted work. In this image, Mary’s upraised arms and hands are indicative of her prophetic role. The frontal aspect is reminiscent of Masaccio’s fresco of the Holy Trinity in the Basilica of Santa Maria Novella, Florence.

In the Florentine Pietà, Michelangelo again depicts himself, this time as the aged Nicodemus lowering the body of Jesus from the cross into the arms of Mary his mother and Mary Magdalene. Michelangelo smashed the left arm and leg of the figure of Jesus. His pupil Tiberio Calcagni repaired the arm and drilled a hole in which to fix a replacement leg which was not subsequently attached. He also worked on the figure of Mary Magdalene.^[117][118]

The last sculpture that Michelangelo worked on (six days before his death), the Rondanini Pietà could never be completed because Michelangelo carved it away until there was insufficient stone. The legs and a detached arm remain from a previous stage of the work. As it remains, the sculpture has an abstract quality, in keeping with 20th-century concepts of sculpture.^[119][120]

Michelangelo died in Rome on 18 February 1564,^[121] at the age of 88 (three weeks before his 89th birthday). His body was taken from Rome for interment at the Basilica of Santa Croce, fulfilling the maestro’s last request to be buried in his beloved Florence.^[122]

Michelangelo’s heir Lionardo Buonarroti commissioned Giorgio Vasari to design and build the Tomb of Michelangelo, a monumental project that cost 770 scudi, and took over 14 years to complete.^[123] Marble for the tomb was supplied by Cosimo I de’ Medici, Duke of Tuscany who had also organized a state funeral to honour Michelangelo in Florence.^[123]

• 

  Statue of Victory (1534), Palazzo Vecchio, Florence

• 

  The Pietà of Vittoria Colonna (c. 1540)

Legacy

Michelangelo, with Leonardo da Vinci and Raphael, is one of the three giants of the Florentine High Renaissance. Although their names are often cited together, Michelangelo was younger than Leonardo by 23 years, and older than Raphael by eight. Because of his reclusive nature, he had little to do with either artist and outlived both of them by more than forty years.^{[citation needed]} Michelangelo took few sculpture students. He employed Francesco Granacci, who was his fellow pupil at the Medici Academy, and became one of several assistants on the Sistine Chapel ceiling.^[56] Michelangelo appears to have used assistants mainly for the more manual tasks of preparing surfaces and grinding colours. Despite this, his works were to have a great influence on painters, sculptors and architects for many generations to come.

While Michelangelo’s David is the most famous male nude of all time and now graces cities around the world, some of his other works have had perhaps even greater impact on the course of art. The twisting forms and tensions of the Victory, the Bruges Madonna and the Medici Madonna make them the heralds of the Mannerist art. The unfinished giants for the tomb of Pope Julius II had profound effect on late-19th- and 20th-century sculptors such as Rodin and Henry Moore.

Michelangelo’s foyer of the Laurentian Library was one of the earliest buildings to utilise Classical forms in a plastic and expressive manner. This dynamic quality was later to find its major expression in his centrally planned St Peter’s, with its giant order, its rippling cornice and its upward-launching pointed dome. The dome of St Peter’s was to influence the building of churches for many centuries, including Sant’Andrea della Valle in Rome and St Paul’s Cathedral, London, as well as the civic domes of many public buildings and the state capitals across America.

Artists who were directly influenced by Michelangelo include Raphael, whose monumental treatment of the figure in the School of Athens and The Expulsion of Heliodorus from the Temple owes much to Michelangelo, and whose fresco of Isaiah in Sant’Agostino closely imitates the older master’s prophets.^[124] Other artists, such as Pontormo, drew on the writhing forms of the Last Judgment and the frescoes of the Capella Paolina.^[125]

The Sistine Chapel ceiling was a work of unprecedented grandeur, both for its architectonic forms, to be imitated by many Baroque ceiling painters, and also for the wealth of its inventiveness in the study of figures. Vasari wrote:

The work has proved a veritable beacon to our art, of inestimable benefit to all painters, restoring light to a world that for centuries had been plunged into darkness. Indeed, painters no longer need to seek for new inventions, novel attitudes, clothed figures, fresh ways of expression, different arrangements, or sublime subjects, for this work contains every perfection possible under those headings.^[112]

In popular culture

Movies

• Vita di Michelangelo (1964)^[126]
• The Agony and the Ecstasy (1965), directed by Carol Reed and starring Charlton Heston as Michelangelo^[127]
• A Season of Giants (1990)^{[128][129][130]}
• Michelangelo — Endless (2018), starring Enrico Lo Verso as Michelangelo^[131]
• Sin (2019), directed by Andrei Konchalovsky^[132]

See also

• Michelangelo and the Medici
• Italian Renaissance sculpture
• Italian Renaissance painting
• Michelangelo phenomenon
• Nicodemite
• Restoration of the Sistine Chapel frescoes

Footnotes

References

Sources

Further reading

External links

• The Digital Michelangelo Project
• Works by Michelangelo at Project Gutenberg
• Works by or about Michelangelo at Internet Archive
• Works by Michelangelo at LibriVox (public domain audiobooks)
• Michelangelo at the Mathematics Genealogy Project
• The BP Special Exhibition Michelangelo Drawings – closer to the master
• Michelangelo’s Drawings: Real or Fake? How to decide if a drawing is by Michelangelo.
• «Michelangelo: The Man and the Myth»

Michelangelo
Portrait by Daniele da Volterra, c. 1545
Born	Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni 6 March 1475 Caprese, Republic of Florence
Died	18 February 1564 (aged 88) Rome, Papal States
Known for	Sculpture painting architecture poetry
Notable work	Pietà (1498–1499) David (1501–1504) Sistine Chapel ceiling (1508–1512) Moses (1513–1515) The Last Judgment (1536–1541)
Movement	High Renaissance
Signature

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (Italian: [mikeˈlandʒelo di lodoˈviːko ˌbwɔnarˈrɔːti siˈmoːni]; 6 March 1475 – 18 February 1564), known as Michelangelo (^[1]), was an Italian sculptor, painter, architect,^[2] and poet of the High Renaissance. Born in the Republic of Florence, his work was inspired by models from classical antiquity and had a lasting influence on Western art. Michelangelo’s creative abilities and mastery in a range of artistic arenas define him as an archetypal Renaissance man, along with his rival and elder contemporary, Leonardo da Vinci.^[3] Given the sheer volume of surviving correspondence, sketches, and reminiscences, Michelangelo is one of the best-documented artists of the 16th century. He was lauded by contemporary biographers as the most accomplished artist of his era.^[4][5]

Michelangelo achieved fame early; two of his best-known works, the Pietà and David, were sculpted before the age of thirty. Although he did not consider himself a painter, Michelangelo created two of the most influential frescoes in the history of Western art: the scenes from Genesis on the ceiling of the Sistine Chapel in Rome, and The Last Judgment on its altar wall. His design of the Laurentian Library pioneered Mannerist architecture.^[6] At the age of 71, he succeeded Antonio da Sangallo the Younger as the architect of St. Peter’s Basilica. Michelangelo transformed the plan so that the western end was finished to his design, as was the dome, with some modification, after his death.

Michelangelo was the first Western artist whose biography was published while he was alive.^[3] In fact, three biographies were published during his lifetime. One of them, by Giorgio Vasari, proposed that Michelangelo’s work transcended that of any artist living or dead, and was «supreme in not one art alone but in all three.»^[7]

In his lifetime, Michelangelo was often called Il Divino (‘the divine one’).^[8] His contemporaries often admired his terribilità—his ability to instill a sense of awe in viewers of his art. Attempts by subsequent artists to imitate^[9] the expressive physicality of Michelangelo’s style contributed to the rise of Mannerism, a short-lived movement in Western art following the High Renaissance.

Life

Early life, 1475–1488

Michelangelo was born on 6 March 1475^[a] in Caprese, known today as Caprese Michelangelo, a small town situated in Valtiberina,^[10] near Arezzo, Tuscany.^[11] For several generations, his family had been small-scale bankers in Florence; but the bank failed, and his father, Ludovico di Leonardo Buonarroti Simoni, briefly took a government post in Caprese, where Michelangelo was born.^[3] At the time of Michelangelo’s birth, his father was the town’s judicial administrator and podestà or local administrator of Chiusi della Verna. Michelangelo’s mother was Francesca di Neri del Miniato di Siena.^[12] The Buonarrotis claimed to descend from the Countess Matilde di Canossa—a claim that remains unproven, but which Michelangelo believed.^[13]

Several months after Michelangelo’s birth, the family returned to Florence, where he was raised. During his mother’s later prolonged illness, and after her death in 1481 (when he was six years old), Michelangelo lived with a nanny and her husband, a stonecutter, in the town of Settignano, where his father owned a marble quarry and a small farm.^[12] There he gained his love for marble. As Giorgio Vasari quotes him:

If there is some good in me, it is because I was born in the subtle atmosphere of your country of Arezzo. Along with the milk of my nurse I received the knack of handling chisel and hammer, with which I make my figures.^[11]

Apprenticeships, 1488–1492

As a young boy, Michelangelo was sent to Florence to study grammar under the Humanist Francesco da Urbino.^[11][14][b] He showed no interest in his schooling, preferring to copy paintings from churches and seek the company of other painters.^[14]

The city of Florence was at that time Italy’s greatest centre of the arts and learning.^[15] Art was sponsored by the Signoria (the town council), the merchant guilds, and wealthy patrons such as the Medici and their banking associates.^[16] The Renaissance, a renewal of Classical scholarship and the arts, had its first flowering in Florence.^[15] In the early 15th century, the architect Filippo Brunelleschi, having studied the remains of Classical buildings in Rome, had created two churches, San Lorenzo’s and Santo Spirito, which embodied the Classical precepts.^[17] The sculptor Lorenzo Ghiberti had laboured for fifty years to create the north and east bronze doors of the Baptistry, which Michelangelo was to describe as «The Gates of Paradise».^[18] The exterior niches of the Church of Orsanmichele contained a gallery of works by the most acclaimed sculptors of Florence: Donatello, Ghiberti, Andrea del Verrocchio, and Nanni di Banco.^[16] The interiors of the older churches were covered with frescos (mostly in Late Medieval, but also in the Early Renaissance style), begun by Giotto and continued by Masaccio in the Brancacci Chapel, both of whose works Michelangelo studied and copied in drawings.^[19]

During Michelangelo’s childhood, a team of painters had been called from Florence to the Vatican to decorate the walls of the Sistine Chapel. Among them was Domenico Ghirlandaio, a master in fresco painting, perspective, figure drawing and portraiture who had the largest workshop in Florence.^[16] In 1488, at age 13, Michelangelo was apprenticed to Ghirlandaio.^[20] The next year, his father persuaded Ghirlandaio to pay Michelangelo as an artist, which was rare for someone of fourteen.^[21] When in 1489, Lorenzo de’ Medici, de facto ruler of Florence, asked Ghirlandaio for his two best pupils, Ghirlandaio sent Michelangelo and Francesco Granacci.^[22]

From 1490 to 1492, Michelangelo attended the Platonic Academy, a Humanist academy founded by the Medici. There, his work and outlook were influenced by many of the most prominent philosophers and writers of the day, including Marsilio Ficino, Pico della Mirandola and Poliziano.^[23] At this time, Michelangelo sculpted the reliefs Madonna of the Stairs (1490–1492) and Battle of the Centaurs (1491–1492),^[19] the latter based on a theme suggested by Poliziano and commissioned by Lorenzo de’ Medici.^[24] Michelangelo worked for a time with the sculptor Bertoldo di Giovanni. When he was seventeen, another pupil, Pietro Torrigiano, struck him on the nose, causing the disfigurement that is conspicuous in the portraits of Michelangelo.^[25]

Bologna, Florence and Rome, 1492–1499

Lorenzo de’ Medici’s death on 8 April 1492 brought a reversal of Michelangelo’s circumstances.^[26] Michelangelo left the security of the Medici court and returned to his father’s house. In the following months he carved a polychrome wooden Crucifix (1493), as a gift to the prior of the Florentine church of Santo Spirito, which had allowed him to do some anatomical studies of the corpses from the church’s hospital.^[27] This was the first of several instances during his career that Michelangelo studied anatomy by dissecting cadavers.^[28][29]

Between 1493 and 1494, he bought a block of marble, and carved a larger-than-life statue of Hercules, which was sent to France and subsequently disappeared sometime in the 18th century.^[24][c] On 20 January 1494, after heavy snowfalls, Lorenzo’s heir, Piero de Medici, commissioned a statue made of snow, and Michelangelo again entered the court of the Medici.^[30]

In the same year, the Medici were expelled from Florence as the result of the rise of Savonarola. Michelangelo left the city before the end of the political upheaval, moving to Venice and then to Bologna.^[26] In Bologna, he was commissioned to carve several of the last small figures for the completion of the Shrine of St. Dominic, in the church dedicated to that saint. At this time Michelangelo studied the robust reliefs carved by Jacopo della Quercia around the main portal of the Basilica of St Petronius, including the panel of The Creation of Eve, the composition of which was to reappear on the Sistine Chapel ceiling.^[31] Towards the end of 1495, the political situation in Florence was calmer; the city, previously under threat from the French, was no longer in danger as Charles VIII had suffered defeats. Michelangelo returned to Florence but received no commissions from the new city government under Savonarola.^[32] He returned to the employment of the Medici.^[33] During the half-year he spent in Florence, he worked on two small statues, a child St. John the Baptist and a sleeping Cupid. According to Condivi, Lorenzo di Pierfrancesco de’ Medici, for whom Michelangelo had sculpted St. John the Baptist, asked that Michelangelo «fix it so that it looked as if it had been buried» so he could «send it to Rome … pass [it off as] an ancient work and … sell it much better.» Both Lorenzo and Michelangelo were unwittingly cheated out of the real value of the piece by a middleman. Cardinal Raffaele Riario, to whom Lorenzo had sold it, discovered that it was a fraud, but was so impressed by the quality of the sculpture that he invited the artist to Rome.^{[34] [d]} This apparent success in selling his sculpture abroad as well as the conservative Florentine situation may have encouraged Michelangelo to accept the prelate’s invitation.^[33]

Michelangelo arrived in Rome on 25 June 1496^[35] at the age of 21. On 4 July of the same year, he began work on a commission for Cardinal Riario, an over-life-size statue of the Roman wine god Bacchus. Upon completion, the work was rejected by the cardinal, and subsequently entered the collection of the banker Jacopo Galli, for his garden.^[36][37]

In November 1497, the French ambassador to the Holy See, Cardinal Jean de Bilhères-Lagraulas, commissioned him to carve a Pietà, a sculpture showing the Virgin Mary grieving over the body of Jesus. The subject, which is not part of the Biblical narrative of the Crucifixion, was common in religious sculpture of Medieval Northern Europe and would have been very familiar to the Cardinal.^[38] The contract was agreed upon in August of the following year. Michelangelo was 24 at the time of its completion.^[38] It was soon to be regarded as one of the world’s great masterpieces of sculpture, «a revelation of all the potentialities and force of the art of sculpture». Contemporary opinion was summarised by Vasari: «It is certainly a miracle that a formless block of stone could ever have been reduced to a perfection that nature is scarcely able to create in the flesh.»^[39] It is now located in St Peter’s Basilica.

Florence, 1499–1505

Michelangelo returned to Florence in 1499. The Republic was changing after the fall of its leader, anti-Renaissance priest Girolamo Savonarola, who was executed in 1498, and the rise of the gonfaloniere Piero Soderini. Michelangelo was asked by the consuls of the Guild of Wool to complete an unfinished project begun 40 years earlier by Agostino di Duccio: a colossal statue of Carrara marble portraying David as a symbol of Florentine freedom to be placed on the gable of Florence Cathedral.^[40] Michelangelo responded by completing his most famous work, the statue of David, in 1504. The masterwork definitively established his prominence as a sculptor of extraordinary technical skill and strength of symbolic imagination. A team of consultants, including Botticelli, Leonardo da Vinci, Filippino Lippi, Pietro Perugino, Lorenzo di Credi, Antonio and Giuliano da Sangallo, Andrea della Robbia, Cosimo Rosselli, Davide Ghirlandaio, Piero di Cosimo, Andrea Sansovino and Michelangelo’s dear friend Francesco Granacci, was called together to decide upon its placement, ultimately the Piazza della Signoria, in front of the Palazzo Vecchio. It now stands in the Academia while a replica occupies its place in the square.^[41] In the same period of placing the David, Michelangelo may have been involved in creating the sculptural profile on Palazzo Vecchio’s façade known as the Importuno di Michelangelo. The hypothesis^[42] on Michelangelo’s possible involvement in the creation of the profile is based on the strong resemblance of the latter to a profile drawn by the artist, datable to the beginning of the 16th century, now preserved in the Louvre.^[43]

With the completion of the David came another commission. In early 1504 Leonardo da Vinci had been commissioned to paint The Battle of Anghiari in the council chamber of the Palazzo Vecchio, depicting the battle between Florence and Milan in 1440. Michelangelo was then commissioned to paint the Battle of Cascina. The two paintings are very different: Leonardo depicts soldiers fighting on horseback, while Michelangelo has soldiers being ambushed as they bathe in the river. Neither work was completed and both were lost forever when the chamber was refurbished. Both works were much admired, and copies remain of them, Leonardo’s work having been copied by Rubens and Michelangelo’s by Bastiano da Sangallo.^[44]

Also during this period, Michelangelo was commissioned by Angelo Doni to paint a «Holy Family» as a present for his wife, Maddalena Strozzi. It is known as the Doni Tondo and hangs in the Uffizi Gallery in its original magnificent frame, which Michelangelo may have designed.^[45][46] He also may have painted the Madonna and Child with John the Baptist, known as the Manchester Madonna and now in the National Gallery, London.^[47]

Tomb of Julius II, 1505–1545

In 1505 Michelangelo was invited back to Rome by the newly elected Pope Julius II and commissioned to build the Pope’s tomb,^[2] which was to include forty statues and be finished in five years.^[48] Under the patronage of the pope, Michelangelo experienced constant interruptions to his work on the tomb in order to accomplish numerous other tasks.

The commission for the tomb forced the artist to leave Florence with his planned Battle of Cascina painting unfinished.^[49][50][51] By this time, Michelangelo was established as an artist;^[52] both he and Julius II had hot tempers and soon argued.^[50][51] On 17 April 1506, Michelangelo left Rome in secret for Florence, remaining there until the Florentine government pressed him to return to the pope.^[51]

Although Michelangelo worked on the tomb for 40 years, it was never finished to his satisfaction.^[48] It is located in the Church of San Pietro in Vincoli in Rome and is most famous for the central figure of Moses, completed in 1516.^[53] Of the other statues intended for the tomb, two, known as the Rebellious Slave and the Dying Slave, are now in the Louvre.^[48]

Sistine Chapel ceiling, 1505–1512

During the same period, Michelangelo painted the ceiling of the Sistine Chapel,^[54] which took approximately four years to complete (1508–1512).^[53] According to Condivi’s account, Bramante, who was working on the building of St. Peter’s Basilica, resented Michelangelo’s commission for the pope’s tomb and convinced the pope to commission him in a medium with which he was unfamiliar, in order that he might fail at the task.^[55] Michelangelo was originally commissioned to paint the Twelve Apostles on the triangular pendentives that supported the ceiling, and to cover the central part of the ceiling with ornament.^[56] Michelangelo persuaded Pope Julius II to give him a free hand and proposed a different and more complex scheme,^[50][51] representing the Creation, the Fall of Man, the Promise of Salvation through the prophets, and the genealogy of Christ. The work is part of a larger scheme of decoration within the chapel that represents much of the doctrine of the Catholic Church.^[56]

The composition stretches over 500 square metres of ceiling^[57] and contains over 300 figures.^[56] At its centre are nine episodes from the Book of Genesis, divided into three groups: God’s creation of the earth; God’s creation of humankind and their fall from God’s grace; and lastly, the state of humanity as represented by Noah and his family. On the pendentives supporting the ceiling are painted twelve men and women who prophesied the coming of Jesus, seven prophets of Israel, and five Sibyls, prophetic women of the Classical world.^[56] Among the most famous paintings on the ceiling are The Creation of Adam, Adam and Eve in the Garden of Eden, the Deluge, the Prophet Jeremiah, and the Cumaean Sibyl.

Florence under Medici popes, 1513 – early 1534

In 1513, Pope Julius II died and was succeeded by Pope Leo X, the second son of Lorenzo de’ Medici.^[53] From 1513 to 1516, Pope Leo was on good terms with Pope Julius’s surviving relatives, so encouraged Michelangelo to continue work on Julius’s tomb, but the families became enemies again in 1516 when Pope Leo tried to seize the Duchy of Urbino from Julius’s nephew Francesco Maria I della Rovere.^[58] Pope Leo then had Michelangelo stop working on the tomb, and commissioned him to reconstruct the façade of the Basilica of San Lorenzo in Florence and to adorn it with sculptures. He spent three years creating drawings and models for the façade, as well as attempting to open a new marble quarry at Pietrasanta specifically for the project. In 1520, the work was abruptly cancelled by his financially strapped patrons before any real progress had been made. The basilica lacks a façade to this day.^[59]

In 1520, the Medici came back to Michelangelo with another grand proposal, this time for a family funerary chapel in the Basilica of San Lorenzo.^[53] For posterity, this project, occupying the artist for much of the 1520s and 1530s, was more fully realised. Michelangelo used his own discretion to create the composition of the Medici Chapel, which houses the large tombs of two of the younger members of the Medici family, Giuliano, Duke of Nemours, and Lorenzo, his nephew. It also serves to commemorate their more famous predecessors, Lorenzo the Magnificent and his brother Giuliano, who are buried nearby. The tombs display statues of the two Medici and allegorical figures representing Night and Day, and Dusk and Dawn. The chapel also contains Michelangelo’s Medici Madonna.^[60] In 1976, a concealed corridor was discovered with drawings on the walls that related to the chapel itself.^[61][62]

Pope Leo X died in 1521 and was succeeded briefly by the austere Adrian VI, and then by his cousin Giulio Medici as Pope Clement VII.^[63] In 1524, Michelangelo received an architectural commission from the Medici pope for the Laurentian Library at San Lorenzo’s Church.^[53] He designed both the interior of the library itself and its vestibule, a building utilising architectural forms with such dynamic effect that it is seen as the forerunner of Baroque architecture. It was left to assistants to interpret his plans and carry out construction. The library was not opened until 1571, and the vestibule remained incomplete until 1904.^[64]

In 1527, Florentine citizens, encouraged by the sack of Rome, threw out the Medici and restored the republic. A siege of the city ensued, and Michelangelo went to the aid of his beloved Florence by working on the city’s fortifications from 1528 to 1529. The city fell in 1530, and the Medici were restored to power.^[53] Michelangelo fell out of favour with the young Alessandro Medici, who had been installed as the first Duke of Florence. Fearing for his life, he fled to Rome, leaving assistants to complete the Medici chapel and the Laurentian Library. Despite Michelangelo’s support of the republic and resistance to the Medici rule, he was welcomed by Pope Clement, who reinstated an allowance that he had previously granted the artist and made a new contract with him over the tomb of Pope Julius.^[65]

Rome, 1534–1546

In Rome, Michelangelo lived near the church of Santa Maria di Loreto. It was at this time that he met the poet Vittoria Colonna, marchioness of Pescara, who was to become one of his closest friends until her death in 1547.^[66]

Shortly before his death in 1534, Pope Clement VII commissioned Michelangelo to paint a fresco of The Last Judgment on the altar wall of the Sistine Chapel. His successor, Pope Paul III, was instrumental in seeing that Michelangelo began and completed the project, which he laboured on from 1534 to October 1541.^[53] The fresco depicts the Second Coming of Christ and his Judgement of the souls. Michelangelo ignored the usual artistic conventions in portraying Jesus, showing him as a massive, muscular figure, youthful, beardless and naked.^[67] He is surrounded by saints, among whom Saint Bartholomew holds a drooping flayed skin, bearing the likeness of Michelangelo. The dead rise from their graves, to be consigned either to Heaven or to Hell.^[67]

Once completed, the depiction of Christ and the Virgin Mary naked was considered sacrilegious, and Cardinal Carafa and Monsignor Sernini (Mantua’s ambassador) campaigned to have the fresco removed or censored, but the Pope resisted. At the Council of Trent, shortly before Michelangelo’s death in 1564, it was decided to obscure the genitals and Daniele da Volterra, an apprentice of Michelangelo, was commissioned to make the alterations.^[68] An uncensored copy of the original, by Marcello Venusti, is in the Capodimonte Museum of Naples.^[69]

Michelangelo worked on a number of architectural projects at this time. They included a design for the Capitoline Hill with its trapezoid piazza displaying the ancient bronze statue of Marcus Aurelius. He designed the upper floor of the Palazzo Farnese and the interior of the Church of Santa Maria degli Angeli, in which he transformed the vaulted interior of an Ancient Roman bathhouse. Other architectural works include San Giovanni dei Fiorentini, the Sforza Chapel (Capella Sforza) in the Basilica di Santa Maria Maggiore and the Porta Pia.^[70]

St Peter’s Basilica, 1546–1564

While still working on the Last Judgment, Michelangelo received yet another commission for the Vatican. This was for the painting of two large frescos in the Cappella Paolina depicting significant events in the lives of the two most important saints of Rome, the Conversion of Saint Paul and the Crucifixion of Saint Peter. Like the Last Judgment, these two works are complex compositions containing a great number of figures.^[71] They were completed in 1550. In the same year, Giorgio Vasari published his Vita, including a biography of Michelangelo.^[72]

In 1546, Michelangelo was appointed architect of St. Peter’s Basilica, Rome.^[53] The process of replacing the Constantinian basilica of the 4th century had been underway for fifty years and in 1506 foundations had been laid to the plans of Bramante. Successive architects had worked on it, but little progress had been made. Michelangelo was persuaded to take over the project. He returned to the concepts of Bramante, and developed his ideas for a centrally planned church, strengthening the structure both physically and visually.^[73] The dome, not completed until after his death, has been called by Banister Fletcher, «the greatest creation of the Renaissance».^[74]

As construction was progressing on St Peter’s, there was concern that Michelangelo would pass away before the dome was finished. However, once building commenced on the lower part of the dome, the supporting ring, the completion of the design was inevitable.

On 7 December 2007, a red chalk sketch for the dome of St Peter’s Basilica, possibly the last made by Michelangelo before his death, was discovered in the Vatican archives. It is extremely rare, since he destroyed his designs later in life. The sketch is a partial plan for one of the radial columns of the cupola drum of St Peter’s.^[75]

Personal life

Faith

Michelangelo was a devout Catholic whose faith deepened at the end of his life.^[78] His poetry includes the following closing lines from what is known as poem 285 (written in 1554): «Neither painting nor sculpture will be able any longer to calm my soul, now turned toward that divine love that opened his arms on the cross to take us in.»^[79][80]

Personal habits

Michelangelo was abstemious in his personal life, and once told his apprentice, Ascanio Condivi: «However rich I may have been, I have always lived like a poor man.»^[81] Michelangelo’s bank accounts and numerous deeds of purchase show that his net worth was about 50,000 gold ducats, more than many princes and dukes of his time.^[82] Condivi said he was indifferent to food and drink, eating «more out of necessity than of pleasure»^[81] and that he «often slept in his clothes and … boots.»^[81] His biographer Paolo Giovio says, «His nature was so rough and uncouth that his domestic habits were incredibly squalid, and deprived posterity of any pupils who might have followed him.»^[83] This, however, may not have affected him, as he was by nature a solitary and melancholy person, bizzarro e fantastico, a man who «withdrew himself from the company of men.»^[84]

Relationships and poetry

Love for a lady’s different. Not much
in that for a wise and virile lover’s trouble.

— John Frederick Nim, translation

It is impossible to know for certain whether Michelangelo had physical relationships (Condivi ascribed to him a «monk-like chastity»);^[85] speculation about his sexuality is rooted in his poetry.^[86] He wrote over three hundred sonnets and madrigals. The longest sequence, displaying deep romantic feeling, was written to the young Roman patrician Tommaso dei Cavalieri (c. 1509–1587), who was 23 years old when Michelangelo first met him in 1532, at the age of 57.^[87][88] The Florentine Benedetto Varchi fifteen years later described Cavalieri as of «incomparable beauty», with «graceful manners, so excellent an endowment and so charming a demeanour that he indeed deserved, and still deserves, the more to be loved the better he is known».^[89] In his «Lives of the Artists», Giorgio Vasari observed: «But infinitely more than any of the others he loved M. Tommaso de’ Cavalieri, a Roman gentleman, for whom, being a young man and much inclined to these arts, [Michelangelo] made, to the end that he might learn to draw, many most superb drawings of divinely beautiful heads, designed in black and red chalk; and then he drew for him a Ganymede rapt to Heaven by Jove’s Eagle, a Tityus with the Vulture devouring his heart, the Chariot of the Sun falling with Phaëthon into the Po, and a Bacchanal of children, which are all in themselves most rare things, and drawings the like of which have never been seen.»^[90] Scholars agree that Michelangelo became infatuated with Cavalieri.^[91]
The poems to Cavalieri make up the first large sequence of poems in any modern tongue addressed by one man to another; they predate by 50 years Shakespeare’s sonnets to the fair youth:

I feel as lit by fire a cold countenance
That burns me from afar and keeps itself ice-chill;
A strength I feel two shapely arms to fill
Which without motion moves every balance.

— Michael Sullivan, translation

Cavalieri replied: «I swear to return your love. Never have I loved a man more than I love you, never have I wished for a friendship more than I wish for yours.» Cavalieri remained devoted to Michelangelo until his death.^[92]

In 1542, Michelangelo met Cecchino dei Bracci who died only a year later, inspiring Michelangelo to write 48 funeral epigrams. Some of the objects of Michelangelo’s affections, and subjects of his poetry, took advantage of him: the model Febo di Poggio asked for money in response to a love-poem, and a second model, Gherardo Perini, shamelessly stole from him.^[92]

The homoerotic nature of the poetry has been a source of discomfort to later generations. Michelangelo’s grandnephew, Michelangelo Buonarroti the Younger, published the poems in 1623 with the gender of pronouns changed,^[93] and it was not until John Addington Symonds translated them into English in 1893 that the original genders were restored. In modern times some scholars insist that, despite the restoration of the pronouns, they represent «an emotionless and elegant re-imagining of Platonic dialogue, whereby erotic poetry was seen as an expression of refined sensibilities»,^[92] but others read his poems at face value, as a confession of preference for young men over women.^[94]

Late in life, Michelangelo nurtured a great platonic love for the poet and noble widow Vittoria Colonna, whom he met in Rome in 1536 or 1538 and who was in her late forties at the time. They wrote sonnets for each other and were in regular contact until she died. These sonnets mostly deal with the spiritual issues that occupied them.^[95] Condivi recalls Michelangelo’s saying that his sole regret in life was that he did not kiss the widow’s face in the same manner that he had her hand.^[66]

Feuds with other artists

In a letter from late 1542, Michelangelo blamed the tensions between Julius II and himself on the envy of Bramante and Raphael, saying of the latter, «all he had in art, he got from me». According to Gian Paolo Lomazzo, Michelangelo and Raphael met once: the former was alone, while the latter was accompanied by several others. Michelangelo commented that he thought he had encountered the chief of police with such an assemblage, and Raphael replied that he thought he had met an executioner, as they are wont to walk alone.^[96]

Works

Madonna and Child

The Madonna of the Stairs is Michelangelo’s earliest known work in marble. It is carved in shallow relief, a technique often employed by the master-sculptor of the early 15th century, Donatello, and others such as Desiderio da Settignano.^[97] While the Madonna is in profile, the easiest aspect for a shallow relief, the child displays a twisting motion that was to become characteristic of Michelangelo’s work. The Taddei Tondo of 1502 shows the Christ Child frightened by a Bullfinch, a symbol of the Crucifixion.^[45] The lively form of the child was later adapted by Raphael in the Bridgewater Madonna. The Madonna of Bruges was, at the time of its creation, unlike other such statues depicting the Virgin proudly presenting her son. Here, the Christ Child, restrained by his mother’s clasping hand, is about to step off into the world.^[98] The Doni Tondo, depicting the Holy Family, has elements of all three previous works: the frieze of figures in the background has the appearance of a low-relief, while the circular shape and dynamic forms echo the Taddeo Tondo. The twisting motion present in the Madonna of Bruges is accentuated in the painting. The painting heralds the forms, movement and colour that Michelangelo was to employ on the ceiling of the Sistine Chapel.^[45]

• 

• 

• 

Male figure

The kneeling Angel is an early work, one of several that Michelangelo created as part of a large decorative scheme for the Arca di San Domenico in the church dedicated to that saint in Bologna. Several other artists had worked on the scheme, beginning with Nicola Pisano in the 13th century. In the late 15th century, the project was managed by Niccolò dell’Arca. An angel holding a candlestick, by Niccolò, was already in place.^[99] Although the two angels form a pair, there is a great contrast between the two works, the one depicting a delicate child with flowing hair clothed in Gothic robes with deep folds, and Michelangelo’s depicting a robust and muscular youth with eagle’s wings, clad in a garment of Classical style. Everything about Michelangelo’s Angel is dynamic.^[100] Michelangelo’s Bacchus was a commission with a specified subject, the youthful God of Wine. The sculpture has all the traditional attributes, a vine wreath, a cup of wine and a fawn, but Michelangelo ingested an air of reality into the subject, depicting him with bleary eyes, a swollen bladder and a stance that suggests he is unsteady on his feet.^[99] While the work is plainly inspired by Classical sculpture, it is innovative for its rotating movement and strongly three-dimensional quality, which encourages the viewer to look at it from every angle.^[101]

In the so-called Dying Slave, Michelangelo again utilised the figure with marked contrapposto to suggest a particular human state, in this case waking from sleep. With the Rebellious Slave, it is one of two such earlier figures for the Tomb of Pope Julius II, now in the Louvre, that the sculptor brought to an almost finished state.^[102] These two works were to have a profound influence on later sculpture, through Rodin who studied them at the Louvre.^[103]
The Atlas Slave is one of the later figures for Pope Julius’ tomb. The works, known collectively as The Captives, each show the figure struggling to free itself, as if from the bonds of the rock in which it is lodged. The works give a unique insight into the sculptural methods that Michelangelo employed and his way of revealing what he perceived within the rock.^[104]

• 

  Angel by Michelangelo, early work (1494–95)

• 

  Bacchus by Michelangelo, early work (1496–1497)

• 

• 

Sistine Chapel ceiling

The Sistine Chapel ceiling was painted between 1508 and 1512.^[53] The ceiling is a flattened barrel vault supported on twelve triangular pendentives that rise from between the windows of the chapel. The commission, as envisaged by Pope Julius II, was to adorn the pendentives with figures of the twelve apostles.^[105] Michelangelo, who was reluctant to take the job, persuaded the Pope to give him a free hand in the composition.^[106] The resultant scheme of decoration awed his contemporaries and has inspired other artists ever since.^[107] The scheme is of nine panels illustrating episodes from the Book of Genesis, set in an architectonic frame. On the pendentives, Michelangelo replaced the proposed Apostles with Prophets and Sibyls who heralded the coming of the Messiah.^[106]

Michelangelo began painting with the later episodes in the narrative, the pictures including locational details and groups of figures, the Drunkenness of Noah being the first of this group.^[106] In the later compositions, painted after the initial scaffolding had been removed, Michelangelo made the figures larger.^[106] One of the central images, The Creation of Adam is one of the best known and most reproduced works in the history of art. The final panel, showing the Separation of Light from Darkness is the broadest in style and was painted in a single day. As the model for the Creator, Michelangelo has depicted himself in the action of painting the ceiling.^[106]

• 

  The Drunkenness of Noah

• 

  The Deluge (detail)

• 

• 

  The First Day of Creation

As supporters to the smaller scenes, Michelangelo painted twenty youths who have variously been interpreted as angels, as muses, or simply as decoration. Michelangelo referred to them as «ignudi».^[108] The figure reproduced may be seen in context in the above image of the Separation of Light from Darkness.
In the process of painting the ceiling, Michelangelo made studies for different figures, of which some, such as that for The Libyan Sibyl have survived, demonstrating the care taken by Michelangelo in details such as the hands and feet.^[109] The Prophet Jeremiah, contemplating the downfall of Jerusalem, is an image of the artist himself.

• 

  Studies for The Libyan Sibyl

• 

  The Libyan Sibyl (1511)

• 

  The Prophet Jeremiah (1511)

• 

  Ignudo

Figure compositions

Michelangelo’s relief of the Battle of the Centaurs, created while he was still a youth associated with the Medici Academy,^[110] is an unusually complex relief in that it shows a great number of figures involved in a vigorous struggle. Such a complex disarray of figures was rare in Florentine art, where it would usually only be found in images showing either the Massacre of the Innocents or the Torments of Hell. The relief treatment, in which some of the figures are boldly projecting, may indicate Michelangelo’s familiarity with Roman sarcophagus reliefs from the collection of Lorenzo Medici, and similar marble panels created by Nicola and Giovanni Pisano, and with the figurative compositions on Ghiberti’s Baptistry Doors.^{[citation needed]}

The composition of the Battle of Cascina is known in its entirety only from copies,^[111] as the original cartoon, according to Vasari, was so admired that it deteriorated and was eventually in pieces.^[112] It reflects the earlier relief in the energy and diversity of the figures,^[113] with many different postures, and many being viewed from the back, as they turn towards the approaching enemy and prepare for battle.^{[citation needed]}

In The Last Judgment it is said that Michelangelo drew inspiration from a fresco by Melozzo da Forlì in Rome’s Santi Apostoli. Melozzo had depicted figures from different angles, as if they were floating in the Heaven and seen from below. Melozzo’s majestic figure of Christ, with windblown cloak, demonstrates a degree of foreshortening of the figure that had also been employed by Andrea Mantegna, but was not usual in the frescos of Florentine painters. In The Last Judgment Michelangelo had the opportunity to depict, on an unprecedented scale, figures in the action of either rising heavenward or falling and being dragged down.^{[citation needed]}

In the two frescos of the Pauline Chapel, The Crucifixion of St. Peter and The Conversion of Saul, Michelangelo has used the various groups of figures to convey a complex narrative. In the Crucifixion of Peter soldiers busy themselves about their assigned duty of digging a post hole and raising the cross while various people look on and discuss the events. A group of horrified women cluster in the foreground, while another group of Christians is led by a tall man to witness the events. In the right foreground, Michelangelo walks out of the painting with an expression of disillusionment.^{[citation needed]}

• 

• 

• 

Architecture

Michelangelo’s architectural commissions included a number that were not realised, notably the façade for Brunelleschi’s Church of San Lorenzo in Florence, for which Michelangelo had a wooden model constructed, but which remains to this day unfinished rough brick. At the same church, Giulio de’ Medici (later Pope Clement VII) commissioned him to design the Medici Chapel and the tombs of Giuliano and Lorenzo Medici.^[114] Pope Clement also commissioned the Laurentian Library, for which Michelangelo also designed the extraordinary vestibule with columns recessed into niches, and a staircase that appears to spill out of the library like a flow of lava, according to Nikolaus Pevsner, «… revealing Mannerism in its most sublime architectural form.»^[115]

In 1546 Michelangelo produced the highly complex ovoid design for the pavement of the Campidoglio and began designing an upper storey for the Farnese Palace. In 1547 he took on the job of completing St Peter’s Basilica, begun to a design by Bramante, and with several intermediate designs by several architects. Michelangelo returned to Bramante’s design, retaining the basic form and concepts by simplifying and strengthening the design to create a more dynamic and unified whole.^[116] Although the late 16th-century engraving depicts the dome as having a hemispherical profile, the dome of Michelangelo’s model is somewhat ovoid and the final product, as completed by Giacomo della Porta, is more so.^[116]

• 

  Michelangelo’s redesign of the ancient Capitoline Hill included a complex spiralling pavement with a star at its centre.

• 

  Michelangelo’s design for St Peter’s is both massive and contained, with the corners between the apsidal arms of the Greek Cross filled by square projections.

• 

  The exterior is surrounded by a giant order of pilasters supporting a continuous cornice. Four small cupolas cluster around the dome.

Final years

In his old age, Michelangelo created a number of Pietàs in which he apparently reflects upon mortality. They are heralded by the Victory, perhaps created for the tomb of Pope Julius II but left unfinished. In this group, the youthful victor overcomes an older hooded figure, with the features of Michelangelo.

The Pietà of Vittoria Colonna is a chalk drawing of a type described as «presentation drawings», as they might be given as a gift by an artist, and were not necessarily studies towards a painted work. In this image, Mary’s upraised arms and hands are indicative of her prophetic role. The frontal aspect is reminiscent of Masaccio’s fresco of the Holy Trinity in the Basilica of Santa Maria Novella, Florence.

In the Florentine Pietà, Michelangelo again depicts himself, this time as the aged Nicodemus lowering the body of Jesus from the cross into the arms of Mary his mother and Mary Magdalene. Michelangelo smashed the left arm and leg of the figure of Jesus. His pupil Tiberio Calcagni repaired the arm and drilled a hole in which to fix a replacement leg which was not subsequently attached. He also worked on the figure of Mary Magdalene.^[117][118]

The last sculpture that Michelangelo worked on (six days before his death), the Rondanini Pietà could never be completed because Michelangelo carved it away until there was insufficient stone. The legs and a detached arm remain from a previous stage of the work. As it remains, the sculpture has an abstract quality, in keeping with 20th-century concepts of sculpture.^[119][120]

Michelangelo died in Rome on 18 February 1564,^[121] at the age of 88 (three weeks before his 89th birthday). His body was taken from Rome for interment at the Basilica of Santa Croce, fulfilling the maestro’s last request to be buried in his beloved Florence.^[122]

Michelangelo’s heir Lionardo Buonarroti commissioned Giorgio Vasari to design and build the Tomb of Michelangelo, a monumental project that cost 770 scudi, and took over 14 years to complete.^[123] Marble for the tomb was supplied by Cosimo I de’ Medici, Duke of Tuscany who had also organized a state funeral to honour Michelangelo in Florence.^[123]

• 

  Statue of Victory (1534), Palazzo Vecchio, Florence

• 

  The Pietà of Vittoria Colonna (c. 1540)

Legacy

Michelangelo, with Leonardo da Vinci and Raphael, is one of the three giants of the Florentine High Renaissance. Although their names are often cited together, Michelangelo was younger than Leonardo by 23 years, and older than Raphael by eight. Because of his reclusive nature, he had little to do with either artist and outlived both of them by more than forty years.^{[citation needed]} Michelangelo took few sculpture students. He employed Francesco Granacci, who was his fellow pupil at the Medici Academy, and became one of several assistants on the Sistine Chapel ceiling.^[56] Michelangelo appears to have used assistants mainly for the more manual tasks of preparing surfaces and grinding colours. Despite this, his works were to have a great influence on painters, sculptors and architects for many generations to come.

While Michelangelo’s David is the most famous male nude of all time and now graces cities around the world, some of his other works have had perhaps even greater impact on the course of art. The twisting forms and tensions of the Victory, the Bruges Madonna and the Medici Madonna make them the heralds of the Mannerist art. The unfinished giants for the tomb of Pope Julius II had profound effect on late-19th- and 20th-century sculptors such as Rodin and Henry Moore.

Michelangelo’s foyer of the Laurentian Library was one of the earliest buildings to utilise Classical forms in a plastic and expressive manner. This dynamic quality was later to find its major expression in his centrally planned St Peter’s, with its giant order, its rippling cornice and its upward-launching pointed dome. The dome of St Peter’s was to influence the building of churches for many centuries, including Sant’Andrea della Valle in Rome and St Paul’s Cathedral, London, as well as the civic domes of many public buildings and the state capitals across America.

Artists who were directly influenced by Michelangelo include Raphael, whose monumental treatment of the figure in the School of Athens and The Expulsion of Heliodorus from the Temple owes much to Michelangelo, and whose fresco of Isaiah in Sant’Agostino closely imitates the older master’s prophets.^[124] Other artists, such as Pontormo, drew on the writhing forms of the Last Judgment and the frescoes of the Capella Paolina.^[125]

The Sistine Chapel ceiling was a work of unprecedented grandeur, both for its architectonic forms, to be imitated by many Baroque ceiling painters, and also for the wealth of its inventiveness in the study of figures. Vasari wrote:

The work has proved a veritable beacon to our art, of inestimable benefit to all painters, restoring light to a world that for centuries had been plunged into darkness. Indeed, painters no longer need to seek for new inventions, novel attitudes, clothed figures, fresh ways of expression, different arrangements, or sublime subjects, for this work contains every perfection possible under those headings.^[112]

In popular culture

Movies

• Vita di Michelangelo (1964)^[126]
• The Agony and the Ecstasy (1965), directed by Carol Reed and starring Charlton Heston as Michelangelo^[127]
• A Season of Giants (1990)^{[128][129][130]}
• Michelangelo — Endless (2018), starring Enrico Lo Verso as Michelangelo^[131]
• Sin (2019), directed by Andrei Konchalovsky^[132]

See also

• Michelangelo and the Medici
• Italian Renaissance sculpture
• Italian Renaissance painting
• Michelangelo phenomenon
• Nicodemite
• Restoration of the Sistine Chapel frescoes

Footnotes

References

Sources

Further reading

External links

• The Digital Michelangelo Project
• Works by Michelangelo at Project Gutenberg
• Works by or about Michelangelo at Internet Archive
• Works by Michelangelo at LibriVox (public domain audiobooks)
• Michelangelo at the Mathematics Genealogy Project
• The BP Special Exhibition Michelangelo Drawings – closer to the master
• Michelangelo’s Drawings: Real or Fake? How to decide if a drawing is by Michelangelo.
• «Michelangelo: The Man and the Myth»

        Буонарроти (Michelangelo Buonarroti; иначе — Микеланьоло ди Лодовико ди Лионардо ди Буонаррото Симони) (6.3.1475, Капрезе, ныне Капрезе-Микеланджело, Тоскана, — 18.2.1564, Рим), итальянский скульптор, живописец, архитектор и поэт. В произведениях М., во многом определивших развитие европейского искусства как 16 в., так и последующих столетий, отразились с наибольшей силой не только глубоко человечные, полные героического пафоса идеалы Высокого Возрождения (См. Высокое Возрождение), но и трагическое ощущение кризиса гуманистического миропонимания, характерное для культуры Позднего Возрождения. Родился в семье Подеста. М. учился у живописца Гирландайо (1488—89) и скульптора Бертольдо ди Джованни (1489—90), однако наибольшее значение для его творческого развития имели произведения Джотто, Донателло, Мазаччо, Якопо делла Кверча, а также античная пластика. Уже в юношеских произведениях [рельефы «Мадонна у лестницы», «Битва кентавров», оба мрамор (как и все последующие скульптурные произведения М.), около 1490—92, Каса Буонарроти, Флоренция] вырисовываются главные черты творчества М. — монументальность, пластическая мощь и драматизм образов, благоговение перед красотой человека. В Риме М. создаёт статую «Вакх» (1496—97, Национальный музей, Флоренция), отдавая своеобразную дань увлечению античными памятниками, и группу «Оплакивание Христа» (1498—1501, собор св. Петра, Рим), где вкладывает в традиционную готическую схему новое, гуманистическое содержание, выражающее скорбь молодой и прекрасной женщины о погибшем сыне. В 1501 М. возвращается во Флоренцию и работает над произведениями, символизирующими доблесть граждан республики, сбросивших ярмо тирании Медичи. Колоссальная статуя Давида (1501—04, Галерея АХ, Флоренция) рождает представление о грозной силе (эту особенность работ М. современники называли terribilitá), о героическом порыве, сдерживаемом могучим напряжением воли. В картоне для росписи Палаццо Веккьо («Битва при Кашине», 1504—1506, композиция М. известна по копиям, см. этюд). М. стремился показать готовность граждан встать на защиту республики. В 1505 папа Юлий II призывает М. в Рим, где ему поручается создание надгробия папы; работы затянулись, проекты менялись, и сооружение (лишь фрагмент задуманного М. величественного скульптурно-архитектурного комплекса) было завершено только в 1545. Для надгробия М. создал ряд статуй, в том числе «Моисея» (1515—16, церковь Сан-Пьетро ин Винколи, Рим), ставшего центральным элементом последнего, осуществленного варианта. Моисей М. — титаническая личность, наделённая могучим темпераментом и столь же могучей волей; здесь М. впервые вводит в скульптуру временной аспект: при обходе статуи создаётся впечатление постепенно нарастающего движения фигуры, соответствующего росту напряжения образа. Также для надгробия предназначались две статуи рабов (т. н. «Восставший раб» и «Умирающий раб», обе — 1513—16, Лувр, Париж), задуманные как противопоставление прекрасного и сильного юноши, пытающегося разорвать путы, столь же прекрасному юноше, бессильно повисающему в них, и четыре статуи рабов, которые остались незавершёнными (около 1532—1534, Галерея АХ, Флоренция) и по которым хорошо виден процесс работы М. над изваянием; скульптор не обрабатывает блок равномерно со всех сторон, но как бы видя в ещё не отёсанном камне будущее произведение, углубляется в блок в одних местах, оставляя другие почти не обработанными. Такой метод работы практически исключает участие помощников. Монументальные живописные циклы М. также выполнял почти без посторонней помощи; это относится и к самому грандиозному живописному произведению М. — росписям потолка Сикстинской капеллы Ватикана (1508—12, см. илл.). В сложной идейной программе плафона выделяются следующие темы: сцены из библейской книги Бытия, начиная с «Отделения света от тьмы» и кончая «Опьянением Ноя», пророки и сивиллы по боковым сторонам свода, наконец, в парусах свода, распалубках и люнетах — предки Христа и эпизоды из Библии (чудесные избавления иудеев). Архитектонические членения композиции плафона таковы, что достигается не только прекрасная обозримость каждой фигуры и сцены в отдельности, но и величественное декоративное единство всей гигантской росписи в целом; фрески воспринимаются как гимн физической и духовной красоте человека, как утверждение его безграничных творческих возможностей. В 1520-х гг. мироощущение М. приобретает трагический оттенок. Главный труд этих лет — возведение и украшение статуями Новой сакристии церкви Сан-Лоренцо во Флоренции, усыпальницы рода Медичи (1520—34, см. илл.). Две статуи умерших герцогов лишены портретных черт: это идеальные образы, олицетворяющие активную и созерцательную жизнь. У их ног расположены попарно четыре статуи, изображающие времена суток, — символы быстротекущего времени. Как в тяжком раздумье Лоренцо и в бесцельном движении Джулиано, так и в угрюмом пафосе и неустойчивых позах лежащих фигур находит выражение глубокий пессимизм, охвативший М. перед лицом гибели свободы Италии (в процессе Итальянских войн 1494—1559 (См. Итальянские войны 1494-1559)) и кризиса ренессансных идеалов. Во время осады Флоренции войсками императора и папы (1529) республика назначает М. главой фортификационных работ. После падения города М. работает над завершением капеллы Медичи, а в 1534 навсегда переезжает в Рим. Последние тридцать лет жизни М. ознаменованы постепенным отходом его от скульптуры и живописи и обращением преимущественно к зодчеству и поэзии. В Риме М. пишет огромную фреску «Страшный суд» на алтарной стене Сикстинской капеллы (1536—41); в этой композиции, заполненной лавиной сверхъестественно мощных нагих тел, центральное место занимает юный и героически прекрасный Христос — беспощадный судья над человечеством. Мучительным трагизмом веет и от фресок капеллы Паолина в Ватикане («Распятие Петра» и «Обращение Павла», 1542—1550), отчасти предвосхищающих росписи Барокко. До последних дней жизни М. занимался ваянием, однако «Оплакивание Христа», исполненное им для собственного надгробия, было им разбито (собрано и завершено учеником М. — Т. Кальканьи; до 1550—55, собор Санта-Мария дель Фьоре, Флоренция; см. илл.), а т. н. «Пьета Ронданини» (1555—64, Музей старинного искусства, Милан) осталась в стадии первоначальной обработки. В этих произведениях с особой силой отразились спиритуалистические настроения старого М. Но в поздний период М. занимают прежде всего не изобразительные виды искусства, а грандиозные строительные задачи. В архитектуре М. господствует пластическое начало; в создании динамических контрастов масс большую роль играют напряжённый, насыщенный светотенью рельеф стены, сильно выступающие пилястры, пластически выразительные наличники, «большой ордер». Постройки М. подготавливают почву для барокко, однако их величественная тектоничность остаётся чисто ренессансной чертой. Ещё в 1523—34 М. воздвигает здание библиотеки Лауренцианы во Флоренции (к 1568 по его модели был завершен вестибюль библиотеки с лестницей, органической динамикой своей композиции вызывающей представление о потоке лавы). С 1546 и до конца жизни главным трудом М. было возведение собора св. Петра (см. илл.) и строительство ансамбля Капитолия в Риме (см. план) — духовного и светского центров «вечного города» (обе работы завершены по планам М. после его смерти). По замыслу М. площадь Капитолия обрела трапециевидный план; она замыкается дворцом Консерваторов, симметрично фланкируется двумя дворцами по бокам, к открытой её стороне ведёт широкая лестница, а в центре возвышается античный конный монумент Марка Аврелия. На Капитолии М. впервые создал площадь, раскрытую к пространствам города, продемонстрировав глубокое понимание законов оптического восприятия архитектуры. Строя собор св. Петра, М. сохранил принцип центричности, характерный для плана Браманте, но добился большой слитности композиции и безусловного преобладания пространства средокрестия над остальными частями. При жизни М. была воздвигнута восточная часть собора с тамбуром грандиозного купола, а сам купол был возведён после смерти М. Джакомо делла Порта, несколько удлинившим его пропорции. В старости М. всё чаще обращался к поэзии. Лирика М. отличается глубиной мысли и высоким трагизмом; в ней М. рассказывал о любви, трактуемой как извечное стремление человека к красоте и гармонии, об одиночестве художника во враждебном мире, о горьких разочарованиях гуманиста при виде торжествующего насилия. Излюбленные стихотворные формы М. — мадригал и сонет; при жизни автора они не публиковались, хотя высоко ценились современниками (Б. Варки, Ф. Берни и др.). Первое издание «Стихотворений» М. было осуществлено в 1623. Творчество М. явилось одним из факторов, стимулировавших развитие Маньеризма, но, в отличие от маньеристов, односторонне понимавших его наследие, сам М. сумел до конца сохранить и выразить в своих произведениях любовь к человеку и веру в его величие и красоту.

         Соч.: Rime. A cura di Е. N. Girardi, Bari, 1960; Il carteggio… a cura di G. Poggi, P. Barocchi, R. Ristori, v. 1—2, Firenze, 1965—67 (изд. продолж.).

Лит.: Steinmann E. und Wittkower R., Michelangelo-Bibliographie. 1510—1926, В., 1927; Архитектурное творчество Микельанджело. [Сб.], М., 1936; Манн Т., Эротика Микеланджело. Собр. соч., т. 10, М., 1961; Алпатов М., Поэзия Микеланджело, в его кн.: Этюды по истории западноевропейского искусства, М., 1963; Либман М. Я., Микеланджело Буонарроти, [М., 1964]; Микеланджело. [Сб., сост. В. Н. Гращенков, М., 1964]; Ротенберг Е. И., Микеланджело, М., 1964; Лазарев В. Н., Микеланджело, в его кн.: Старые итальянские мастера, М., 1972, с. 447—606; Tolnay С. de, Michelangelo, v. 1—5, Princeton, 1943—60; Ackermann J. S., The architecture of Michelangelo, v. 1—2, L., 1961; Binni W., Michelangelo scrittore, [Roma], 1965; Weinberger М., Michelangelo the sculptor, v. 1—2, L. — N. Y., 1967.

М. Я. Либман, Р. И. Хлодовский (литература).

        Микеланджело. Этюд к картону «Битва при Кашине». Рисунок итальянским карандашом. Ок. 1504. Галерея Альбертина. Вена.

        Микеланджело. Новая сакристия (капелла Медичи) церкви Сан-Лоренцо во Флоренции. Начата в 1520.

        Микеланджело. «Оплакивание Христа». Мрамор. До 1550—55. Собор Санта-Мария дель Фьоре во Флоренции.

        Микеланджело и Дж. делла Порта. Западный фасад и купол собора св. Петра в Риме. 1586—93.

        «Пьета Ронданини». Мрамор. 1555—64. Музей старинного искусства. Милан. Фрагмент.

        «Мадонна у лестницы». Мрамор. Около 1490—92. Каса Буонарроти. Флоренция.

        Апсиды собора св. Петра в Риме (1546—64).

        Микеланджело. «Христос и богоматерь». Фрагмент фрески «Страшный суд» в Сикстинской капелле Ватикана (1536—41).

        «Давид». Мрамор. 1501—04. Галерея Академии изящных искусств. Флоренция.

        Микеланджело. «Пророк Иеремия». Фреска плафона Сикстинской капеллы Ватикана (1508—12).

        Библиотека Лауренциана при церкви Сан-Лоренцо во Флоренции. 1523—68. Вестибюль.

        «Ливийская сивилла». Фреска плафона Сикстинской капеллы Ватикана (1508—12).

        Микеланджело Буонарроти.

        Микеланджело. Площадь Капитолия в Риме. Начата в 1546. План.

        Микеланджело. «Сотворение Адама» (фрагмент). Фреска в Сикстинской капелле в Ватикане. 1508—12.

        Микеланджело. Фасад Палаццо Фарнезе в Риме. После 1546.

В Википедии есть статьи о других людях с фамилией Буонарроти.

Микела́нджело Буонарро́ти (полное имя Микела́нджело ди Лодови́ко ди Леона́рдо ди Буонарро́ти Симо́ни; также Микельанджело^[7]; итал. Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni; 6 марта 1475, Капрезе, Флорентийская республика — 18 февраля 1564, Рим)^[⇨] — итальянский скульптор, художник, архитектор^[⇨], поэт^[⇨] и мыслитель^[⇨]. Один из крупнейших мастеров эпохи Возрождения^[⇨] и раннего барокко — именно его считают подлинным «отцом барокко» в архитектуре^[8].

Его произведения считались наивысшими достижениями искусства Возрождения ещё при жизни самого мастера^[9][10]. Микеланджело прожил почти 89 лет — целую эпоху, от периода Высокого Возрождения к истокам Контрреформации. За этот период сменилось тринадцать пап римских — он выполнял заказы для девяти из них. Сохранилось много документов о его жизни и творчестве — свидетельства современников, письма самого Микеланджело, договоры, его личные и профессиональные записи. Микеланджело также был первым представителем западноевропейского искусства, чья биография была напечатана ещё при его жизни^[9].

Среди самых известных его скульптурных работ — «Давид», «Бахус», «Пьета», статуи Моисея, Лии и Рахили для гробницы папы Юлия II.

Джорджо Вазари, первый официальный биограф Микеланджело, писал, что «Давид» «отнял славу у всех статуй, современных и античных, греческих и римских»^[11]. Одним из самых монументальных произведений художника являются фрески потолка Сикстинской капеллы. Гёте писал: «Не увидев Сикстинской капеллы, трудно составить себе наглядное представление о том, что может сделать один человек»^[12][13]. Среди его архитектурных свершений — проект купола собора Святого Петра, лестницы библиотеки Лауренциана, площадь Кампидольо и другие. Исследователями считается, что искусство Микеланджело начинается и завершается изображением человеческого тела^[14].

Жизнь и творчество

Детские годы

Микеланджело родился 6 марта 1475 года в Капрезе, Тоскана, к северу от Ареццо, в семье обедневшего флорентийского дворянина Лодовико Буонарроти^[15] (итал. Lodovico (Ludovico) di Leonardo Buonarroti Simoni) (1444—1534), который в то время был 169-м Подеста^[16]. В течение нескольких поколений представители рода Буонарроти—Симони были мелкими банкирами Флоренции, но Лодовико не удалось сохранить финансовое состояние банка, поэтому он время от времени занимал государственные должности^[9][17]. Известно, что Лодовико гордился своим аристократическим происхождением, ведь род Буонарроти-Симони претендовал на кровное родство с маркграфиней Матильдой Каносской, хотя не нашлось достаточных документальных данных для подтверждения этого. Асканио Кондиви^[en] утверждал, что сам Микеланджело в это верил, вспоминая аристократическое происхождение рода в своих письмах к племяннику Леонардо^[18]. Уильям Уоллес писал^[19]:

Согласно записи Лодовико, хранящейся в музее «Каза Буонарроти» (Флоренция), Микеланджело родился « (…) в понедельник утром, в 4 или 5:00 до рассвета». В этом реестре также указано, что крестины состоялись 8 марта в церкви Сан Джованни ди Капрезе, и перечислены крестные родители^[20]:

Крёстные родители Микеланджело
Имя на русском	Имя на итальянском	Прим.
Дон Даниелло ди Сер Буонагуида	Don Daniello di Ser Buonaguida	из Флоренции, приходский священник церкви Сан Джованни
Дон Андреа ди …	Don Andrea di …*	из Поппи, священник из монастыря в Диччиано (итал. Dicciano)
Джованни ди Наурьи	Giovanni di Naurii	из Капрезе
Якопо ди Франческо	Jacopo di Francesco	из Казурио (итал. Casurio)**
Марко ди Джорджо	Marco di Giorgio	из Капрезе
Джованни ди Бьяджо	Giovanni di Biaggio	из Капрезе
Андреа ди Бьяджо	Andrea di Biaggio	из Капрезе
Франческо ди Якопо дель Андуино	Francesco di Jacopo del Anduino**	из Капрезе
Сер Бартоломео ди Санти дель Лансе	Ser Bartolomeo di Santi del Lanse**	нотариус
* Неизвестно ** неразборчиво

О своей матери, Франческе ди Нери дель Миниато ди Сиена (итал. Francesca di Neri del Miniato di Siena), рано вышедшей замуж и умершей от истощения частыми беременностями в год шестилетия Микеланджело^[21], последний ни разу не упоминает в своей объёмной переписке с отцом и братьями^[22].

Лодовико Буонарроти не был богатым, и дохода от его маленького владения в деревне едва хватало на то, чтобы содержать множество детей. В связи с этим он вынужден был отдать Микеланджело кормилице, жене «скарпелино» из той же деревни, называвшейся Сеттиньяно. Там, воспитанный супружеской парой Тополино, мальчик научился разминать глину и владеть резцом раньше, чем читать и писать. Во всяком случае, своему другу и биографу Джорджо Вазари сам Микеланджело потом говорил:

Микеланджело был вторым сыном Лодовико. Фриц Эрпели приводит года рождения его братьев Лионардо (итал. Lionardo) — 1473, Буонаррото (итал.  Buonarroto) — 1477, Джовансимоне (итал. Giovansimone) — 1479 и Джизмондо (итал. Gismondo) — 1481. В тот же год умерла мать, а в 1485 году, через четыре года после её смерти, Лодовико женился во второй раз. Мачехой Микеланджело стала Лукреция Убальдини^[24]. Вскоре Микеланджело отдали в школу Франческо Галатеа да Урбино (итал. Francesco Galatea da Urbino) во Флоренции, но юноша не проявлял особого рвения в учёбе: занятиям он предпочитал общение с художниками, копирование икон и фресок^[25].

Юность. Первые произведения

В 1488 году отец смирился с наклонностями сына и поместил его учеником в мастерскую к художнику Доменико Гирландайо^[26]. Здесь Микеланджело получил возможность ознакомиться с основными материалами и техникой, к этому же периоду относятся его карандашные копии произведений таких флорентийских художников, как Джотто и Мазаччо, уже в этих копиях проявилось характерное для Микеланджело скульптурное видение форм^[27]. К этому же периоду относится его картина «Мучения святого Антония» (копия гравюры Мартина Шонгауэра).

Он занимался там в течение одного года. Год спустя Микеланджело переходит в школу скульптора Бертольдо ди Джованни, существовавшую под патронатом Лоренцо де Медичи, фактического хозяина Флоренции. Медичи распознает талант Микеланджело и покровительствует ему. Приблизительно с 1490 до 1492 года Микеланджело находится при дворе Медичи. Здесь он познакомился с философами Платоновской академии (Марсилио Фичино, Анджело Полициано, Пико делла Мирандола и другие). Также он дружил с Джованни (второй сын Лоренцо, будущий папа Лев Х) и Джулио Медичи (внебрачный сын Джулиано Медичи, будущий папа Климент VII^[28]). Возможно, в это время были созданы «Мадонна у лестницы» и «Битва кентавров». Известно, что в это время Пьетро Торриджано, также ученик Бертольдо, поссорившись с Микеланджело, ударом в лицо сломал ему нос^[29]. После смерти Медичи в 1492 году Микеланджело возвращается домой.

В 1494—1495 годах Микеланджело жил в Болонье, создавал скульптуры для арки святого Доминика. Здесь он видел терракотовые скульптуры Никколо делль Арка, образующие группу «Оплакивание Христа» и, по-видимому, запомнил их драматическое и экспрессивное положение. Предположительно болонские впечатления воплотились в Ватиканской Пьете при изображении лица и руки Иисуса.

В 1495 году он возвращается во Флоренцию, где правит доминиканский проповедник Джироламо Савонарола, и создаёт скульптуры «Святой Йоханнес» и «Спящий Купидон». В 1496 году кардинал Рафаэль Риарио покупает мраморного «Купидона» Микеланджело и приглашает художника для работы в Рим, куда Микеланджело прибывает 25 июня. В 1496—1501 годах он создаёт «Бахуса» и «Римскую Пьету».

В 1501 году Микеланджело возвращается во Флоренцию. Работы по заказу: скульптуры для «алтаря Пикколомини» и «Давид». В 1503 выполнены работы по заказу: «Двенадцать Апостолов», начало работы над «Святым Матфеем» для флорентинского собора. Приблизительно в 1503—1505 годах происходит создание «Мадонны Дони», «Мадонны Таддеи», «Мадонны Питти» и «брюггерской Мадонны». В 1504 году заканчивается работа над «Давидом»; Микеланджело получает заказ на создание «Битвы при Кашине».

Зрелость

В 1505 году Микеланджело был вызван римским папой Юлием II в Рим; тот заказал ему гробницу. Следует восьмимесячное пребывание в Карраре, выбор необходимого для работы мрамора. В 1505—1545 годах проводится (с перерывами) работа над гробницей, для которой создаются скульптуры «Моисей», «Связанный раб», «Умирающий раб», «Лия».

В апреле 1506 года — вновь возвращение во Флоренцию, в ноябре следует примирение с Юлием II в Болонье. Микеланджело получает заказ на бронзовую статую Юлия II, над которой работает в 1507 году (позже была разрушена).

В феврале 1508 года Микеланджело вновь возвращается во Флоренцию. В мае по просьбе Юлия II он едет в Рим для писания фресок потолка в Сикстинской капелле; над ними он работает до октября 1512 года.

В 1513 году Юлий II умирает. Джованни Медичи становится папой Львом Х. Микеланджело заключает новый договор на работу над гробницей Юлия II. В 1514 году скульптор получает заказ на «Христос с крестом» и капеллы папы Льва X в Энгельсбурге.

В июле 1514 года Микеланджело вновь возвращается во Флоренцию. Ему поступает заказ на создание фасада церкви Медичи Сан Лоренцо во Флоренции, и он подписывает третий договор на создание гробницы Юлия II.

В 1516—1519 годах состоялись многочисленные поездки за мрамором для фасада Сан Лоренцо в Каррару и Пьетразанту.

В 1520—1534 годах Микеланджело работал над архитектурным и скульптурным комплексом капеллы Медичи во Флоренции, а также проектировал и строил библиотеку Лауренциана.

Изгнание Медичи из Флоренции в 1527 году остановило эти работы: патриот и республиканец в душе, Микеланджело примкнул к народному движению, был назначен главным инспектором укреплений Сан-Миньято, Пизы, Ливорно и Феррары и хотя, самовольно покинув свой пост, уехал было в Венецию с намерением удалиться во Францию, однако вернулся в свой родной город и оказал ему важные услуги при его осаде имперскими войсками. Падение Флоренции грозило художнику смертельной опасностью, от которой его спасли только общее уважение к его таланту и желание папы Климента VII окончить устройство капеллы Медичи.

В 1546 году художнику были доверены наиболее значительные в его жизни архитектурные заказы — для папы Павла III он закончил Палаццо Фарнезе (третий этаж дворового фасада и карниз) и спроектировал для него новое убранство Капитолия, материальное воплощение которого продолжалось, однако, достаточно долго. Но, безусловно, наиболее важным заказом, препятствовавшим ему вплоть до самой смерти вернуться в родную Флоренцию, было для Микеланджело его назначение главным архитектором собора Святого Петра. Убедившись в таком доверии к нему и вере в него со стороны папы, Микеланджело, дабы показать свою добрую волю, пожелал, чтобы в указе было объявлено, что он служит на строительстве из любви к Богу и без какого-либо вознаграждения.

Смерть и погребение

За несколько дней до смерти Микеланджело, в Рим прибыл его племянник, Леонардо, которому 15 февраля по просьбе Микеланджело написал письмо Федерико Донати^[30].

Микеланджело умер 18 февраля 1564 года в Риме, не дожив совсем немного до своего 89-летия.
Свидетелями его смерти были Томмазо Кавальери, Даниеле да Вольтерра, Диомеде Леоне, врачи Федерико Донати и Герардо Фиделиссими, а также слуга Антонио Францезе^[31]. Перед смертью он продиктовал завещание со всей свойственной ему немногословностью: «Я отдаю душу Богу, тело земле, имущество родным»^[32].

Папа Пий IV собирался похоронить Микеланджело в Риме, построив ему гробницу в соборе Святого Петра^[33]. 20 февраля 1564 года тело Микеланджело было временно возложено в базилике Санти-Апостоли.

В начале марта тело скульптора было тайно перевезено во Флоренцию^[34] и торжественно погребено 14 июля 1564 года в францисканской церкви Санта-Кроче^[35], недалеко от могилы Макиавелли.

Внешность

Существует несколько портретов Микеланджело. Среди них — Себастьяно дель Пьомбо (ок. 1520), Джулиано Буджардини, Якопино дель Конте (1544—1545 г., Галерея Уффици), Марчелло Венусти^[en] (музей в Капитолии), Франциско д’Оланда (1538—1539 г.), Джулио Бонасоне (1546) и другие. Также его изображение было в биографии Кондиви, которая вышла в 1553 году, а в 1561 году Леоне Леони отчеканил монету с его изображением^[36].

Описывая внешность Микеланджело, Ромен Роллан избрал за основу портреты Конте и д’Оланда^[37]:

«Микеланджело был среднего роста, широкий в плечах и мускулистый (…). Голова у него была круглая, лоб квадратный, изрезанный морщинами, с сильно выраженными надбровными дугами. Черные, довольно редкие волосы, слегка кучерявились. Небольшие светло-карие глаза, цвет которых постоянно менялся, усеянные желтыми и голубыми крапинками (…). Широкий прямой нос с небольшой горбинкой (…). Тонко очерченные губы, нижняя губа немного выпирает. Жиденькие бакенбарды, и раздвоенная негустая бородка фавна (…) скуластое лицо со впалыми щеками.»

Тем не менее, в кинематографе предпочитали изображать его более привлекательным, чем он был в действительности^[29].

Микеланджело не оставил после себя ни одного задокументированного автопортрета^[29], однако, по мнению исследователей, в ряде его работ имеются возможные изображения художника. Среди них — «Святой Прокл Болонский», голова Олоферна во фреске «Юдифь и Олоферн» на потолке Сикстинской капеллы, проигравший в скульптурной группе «Дух победы», лицо на снятой коже Святого Варфоломея (фреска «Страшный суд»), Святой Никодим в «Пьете II»^[38].

Считается также, что он изображен на фреске Рафаэля «Афинская школа»^[39], хотя это утверждение не является однозначным^[40]. После смерти Микеланджело Даниеле да Вольтерра сделал посмертную маску скульптора и его бюст^[37].

Духовные искания и личная жизнь

Невозможно узнать наверняка, были ли у Микеланджело физические отношения (Кондиви приписывал ему «монашеское целомудрие»); предположения о его сексуальности уходят корнями в его стихи. Он написал более трехсот сонетов и мадригалов. Самая длинная последовательность, демонстрирующая глубокое романтическое чувство, была написана Томмазо деи Кавальери (около 1509–1587), которому было 23 года, когда Микеланджело встретил его в 1532 году, в возрасте 57 лет. Они составляют первую большую последовательность стихов. на любом современном языке, адресованном одним человеком другому; они на 50 лет старше сонетов Шекспира прекрасной юности:

Я чувствую, будто в огне холодное лицо

Это обжигает меня издалека и сохраняет ледяной холод;

Сила, которую я чувствую, чтобы наполнить две стройные руки

Которая без движения перемещает все равновесия.

Кавальери ответил: «Я клянусь ответить тебе любовью. Никогда я не любил мужчину больше, чем тебя, никогда не желал дружбы больше, чем я желаю твоей». Кавальери оставался преданным Микеланджело до самой его смерти.

В 1542 году Микеланджело встретил Чеккино деи Браччи, умершего всего через год, что вдохновило Микеланджело написать 48 надгробных эпиграмм. Некоторые объекты привязанности Микеланджело и сюжеты его стихов воспользовались им: модель Фебо ди Поджио попросил денег в ответ на любовное стихотворение, а вторая модель, Герардо Перини, бессовестно крал у него.

То, что некоторые интерпретировали как кажущуюся гомоэротической природой поэзии, стало источником дискомфорта для последующих поколений. Внучатый племянник Микеланджело, Микеланджело Буонарроти Младший, опубликовал стихи в 1623 году с измененным полом местоимений, и только после того, как Джон Аддингтон Симондс перевел их на английский в 1893 году, первоначальный род был восстановлен. В наше время некоторые ученые настаивают на том, что, несмотря на восстановление местоимений, они представляют собой «бесстрастное и элегантное переосмысление платонического диалога, в котором эротическая поэзия рассматривалась как выражение утонченных чувств».

В конце жизни Микеланджело питал огромную платоническую любовь к поэтессе и благородной вдове Виттории Колонна, которую он встретил в Риме в 1536 или 1538 году и которой в то время было под сорок. Они писали друг другу сонеты и поддерживали постоянный контакт, пока она не умерла. Эти сонеты в основном посвящены духовным вопросам, которые занимали. Кондиви вспоминает высказывание Микеланджело о том, что его единственное сожаление в жизни заключалось в том, что он не поцеловал лицо вдовы так, как держал ее руку.

В 1536 году в Рим приехала Виттория Колонна, маркиза Пескара, где эта 47-летняя вдовая поэтесса заслужила глубокую дружбу 61-летнего Микеланджело.Она стала единственной женщиной, чьё имя прочно связывают с Микеланджело. Исследователь Нортон утверждал, что «его стихи к ней… подчас трудно отличить от сонетов к юноше Томмазо Кавальери, к тому же известно, что Микеланджело сам подчас заменял обращение „синьор“ на „синьора“ перед тем, как пустить свои стихи в народ»^[41]. В будущем его стихи были подвергнуты цензуре внучатым племянником перед опубликованием.

Её отъезд в Орвьето и Витербо в 1541 году по причине восстания её брата Асканио Колонна против Павла III не вызывал изменения в её отношениях с художником, и они продолжали посещать друг друга и переписываться, как прежде. Она возвратилась в Рим в 1544 году.

Биографы знаменитого художника отмечали, что «переписка этих двух замечательных людей представляет не только высокий биографический интерес, но и является прекрасным памятником исторической эпохи и редким примером живого обмена мыслей, полных ума, тонкой наблюдательности и иронии»^[42].

Исследователи писали по поводу сонетов, посвящённых Микеланджело Виттории: «Нарочитый, вынужденный платонизм их отношений усугубил и довёл до кристаллизации любовно-философский склад микеланджеловской поэзии, отразившей в значительной мере воззрения и стихотворчество самой маркизы, игравшей в течение 1530-х годов роль духовной руководительницы Микеланджело. Их стихотворная „корреспонденция“ вызывала внимание современников; едва ли не самым знаменитым был сонет 60, ставший предметом специального толкования»^[43].

Записи бесед Виттории и Микеланджело, сильно обработанные, сохранились в посмертно опубликованных записях португальского художника Франческо д’Олланда^[44].

Произведения

Гений Микеланджело наложил отпечаток не только на искусство Возрождения, но и на всю дальнейшую мировую культуру. Деятельность его связана в основном с двумя итальянскими городами — Флоренцией и Римом. По характеру своего дарования он был прежде всего скульптор. Это ощущается и в живописных работах мастера, необычайно богатых пластичностью движений, сложных поз, отчётливой и мощной лепкой объёмов. Во Флоренции Микеланджело создал бессмертный образец Высокого Возрождения — статую «Давид» (1501—1504), ставшую на многие века эталоном изображения человеческого тела, в Риме — скульптурную композицию «Пьета́» (1498—1499), одно из первых воплощений фигуры мёртвого человека в пластике. Однако наиболее грандиозные свои замыслы художник смог реализовать именно в живописи, где он выступил подлинным новатором цвета и формы.

По заказу папы Юлия II он выполнил роспись потолка Сикстинской капеллы (1508—1512), представляющую библейскую историю от сотворения мира до потопа и включающую более 300 фигур. В 1534—1541 годах в той же Сикстинской капелле для папы Павла III исполнил грандиозную, полную драматизма фреску «Страшный суд». Поражают своей красотой и величием архитектурные работы Микеланджело — ансамбль площади Капитолия и купол Ватиканского собора в Риме.

Искусства достигли в нём такого совершенства, какого не найдешь ни у древних, ни у новых людей за многие и многие годы. Воображением он обладал таким и столь совершенным и вещи, представлявшиеся ему в идее, были таковы, что руками осуществить замыслы столь великие и потрясающие было невозможно, и часто он бросал свои творения, более того, многие уничтожал; так, известно, что незадолго до смерти он сжег большое число рисунков, набросков и картонов, созданных собственноручно, чтобы никто не смог увидеть трудов, им преодолевавшихся, и то, какими способами он испытывал свой гений, дабы являть его не иначе, как совершенным.

Известные работы

• Мадонна у лестницы. Мрамор. Ок. 1491. Флоренция, Музей Буонарроти.
• Битва кентавров. Мрамор. Ок. 1492. Флоренция, Музей Буонарроти.
• Пьета. Мрамор. 1498—1499. Ватикан, Собор Святого Петра.
• Мадонна с младенцем. Мрамор. Ок. 1501. Брюгге, церковь Нотр-Дам.
• Давид. Мрамор. 1501—1504. Флоренция, Академия изящных искусств.
• Мадонна Таддеи. Мрамор. Ок. 1502—1504. Лондон, Королевская академия художеств.
• Мадонна Дони. 1503—1504. Флоренция, Галерея Уффици.
• Мадонна Питти. Ок. 1504—1505. Флоренция, Национальный музей Барджелло.
• Апостол Матфей. Мрамор. 1506. Флоренция, Академия изящных искусств.
• Роспись свода Сикстинской капеллы. 1508—1512. Ватикан.
  • Сотворение Адама
• Умирающий раб. Мрамор. Ок. 1513. Париж, Лувр.
• Моисей. Ок. 1515. Рим, церковь Сан-Пьетро-ин-Винколи.
• Атлант. Мрамор. Между 1519, ок. 1530—1534. Флоренция, Академия изящных искусств.
• Капелла Медичи 1520—1534.
• Мадонна. Флоренция, Капелла Медичи. Мрамор. 1521—1534.
• Библиотека Лауренциана. 1524—1534, 1549—1559. Флоренция.
• Гробница герцога Лоренцо. Капелла Медичи. 1524—1531. Флоренция, собор Сан-Лоренцо.
• Гробница герцога Джулиано. Капелла Медичи. 1526—1533. Флоренция, собор Сан-Лоренцо.
• Скорчившийся мальчик. Мрамор. 1530—1534. Россия, Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж.
• Брут. Мрамор. После 1539. Флоренция, Национальный музей Барджелло.
• Страшный суд. Сикстинская капелла. 1535—1541. Ватикан.
• Гробница Юлия II. 1542—1545. Рим, церковь Сан-Пьетро-ин-Винколи.
• Флорентийская Пьета (Пьета Бандини, или Пьета с Никодимом). Мрамор. 1547—1555. Флоренция, Музей Опера-дель-Дуомо.
• Пьета Палестрины. Ок. 1555. Галерея Академии, Флоренция.
• Пьета Ронданини. 1552—1564. Мрамор^[45]. Милан, Кастелло Сфорцеско.

В 2007 году в архивах Ватикана была найдена последняя работа Микеланджело — зарисовка одной из деталей купола Собора Святого Петра. Рисунок, выполненный красным мелом, представляет собой «изображение детали одной из радиальных колонн, составляющих барабан купола собора Святого Петра в Риме». Считается, что это последняя работа знаменитого художника, выполненная незадолго до его смерти в 1564 году^[46].

Это далеко не первый случай, когда работы Микеланджело находят в архивах и музеях. Так, в 2002 году в запасниках Национального музея дизайна в Нью-Йорке среди работ неизвестных авторов эпохи Возрождения был найден другой рисунок: на листе бумаги размером 45×25 см художник изобразил менору — подсвечник для семи свечей. В начале 2015 года стало известно об обнаружении первой и, вероятно, единственной сохранившейся до наших дней бронзовой скульптуры Микеланджело — композиции из двух всадников на пантерах^[47].

Поэтическое творчество

Поэзия Микеланджело считается одним из ярчайших образцов эпохи Возрождения^[48]. До наших дней сохранилось около 300 стихотворений Микеланджело. Основные темы — воспевание человека, горечь разочарования и одиночество художника. Любимые поэтические формы — мадригал и сонет. По Р. Роллану, Микеланджело начал писать стихи ещё в детстве, однако, их осталось не так много, поскольку в 1518 г. он сжёг большинство своих ранних стихов, а ещё часть уничтожил уже позже, перед смертью^[49].

Отдельные его стихи были опубликованы в работах Бенедетто Варки (итал. Benedetto Varchi), Донато Джаннотто (итал. Donato Giannotti), Джорджо Вазари и других^[50]. Луиджи Риччи и Джаннотто предложили ему отобрать лучшие стихи для публикации. В 1545 году Джаннотто взялся за подготовку первого сборника Микеланджело, однако, дело дальше не пошло — 1546 года умер Луиджи, а 1547 года — Виттория. Микеланджело решил отказаться от этой идеи, считая её тщеславием^[50][51].

Таким образом, при жизни собрание его стихов не печатались, а первый сборник был опубликован только в 1623 году его племянником Микеланджело Буонарроти (младшим) под названием «Стихи Микеланджело, собранные его племянником» во флорентийском издательстве «Джунтине» (итал. Giuntine)^[52]. Это издание было неполным, и содержало определённые неточности^[49]. В 1863 году Чезаре Гуасти (итал. Chesare Guasti) издал первое точное издание стихов художника, которое, однако, не было хронологическим^[53]. В 1897 году вышло издание немецкого искусствоведа Карла Фрея (нем. Karl Frey) «Стихи Микеланджело, собраны и прокомментированы доктором Карлом Фреем» (Берлин)^[54]. Издание Энзо Ноэ Джирард (Бари, 1960) итал. Enzo Noe Girardi) состояло из трех частей, и было значительно совершеннее издания Фрея в точности воспроизведения текста и отличалось лучшей хронологией расположения стихов, хотя и не вполне бесспорной^[53].

Исследованием поэтического творчества Микеланджело занимался, в частности, немецкий писатель Вильгельм Ланг, защитивший на данную тему диссертацию, опубликованную в 1861 году^[55].

Использование в музыке

Ещё при его жизни часть стихотворений была положена на музыку. Среди самых известных композиторов-современников Микеланджело — Якоб Аркадельт («Deh dimm» Amor se l’alma» и «Io dico che fra voi»)^[56], Бартоломео Тромбончино, Констанца Феста (утраченный мадригал на стихотворение Микеланджело^[57]), Жан где Конс (также — Консилиум)^[58].

Также на его слова писали музыку такие композиторы, как Рихард Штраус (цикл из пяти песен — первая на слова Микеланджело, остальные — Адольфа фон Шака, 1886^[59]), Хуго Вольф (вокальный цикл «Песни Микеланджело» 1897^[60]) и Бенджамин Бриттен (цикл песен «Семь сонетов Микеланджело», 1940^[61]).

31 июля 1974 года Дмитрий Шостакович написал сюиту для баса и фортепиано (опус 145). В основу сюиты легли восемь сонетов и три стихотворения художника (перевод — Абрама Эфроса)^[62].

В 2006 году сэр Питер Максвелл Дейвис завершил работу над «Tondo di Michelangelo» (для баритона и фортепиано). В произведение вошло восемь сонетов Микеланджело. Премьера состоялась 18 октября 2007 года^[63].

В 2010 году австрийский композитор Мэтью Дьюи написал произведение «Il tempo passa: music to Michelangelo» (для баритона, альта и фортепиано). В нём используется современный перевод стихов Микеланджело на английский язык. Мировая премьера произведения состоялась 16 января 2011 года^[64].

Оценка

Микеланджело при жизни считался крупнейшим мастером. Он не вывел, но воплотил в свою деятельность, простую, но гениальную фразу — «Внимание к мелочам рождает совершенство, а вот совершенство уже не мелочь». Сейчас его относят к числу величайших мастеров за всю историю человечества. Значительное число его скульптур, картин и произведений архитектуры являются самыми знаменитыми в мире. Самая известная его работа — статуя Давида^[65].

Память

В художественной литературе

Микеланджело появляется в повести Марка Алданова «Бельведерский торс». Он стал главным героем романа Карела Шульца «Камень и боль».

В кино

• «Агония и экстаз»^[en] (The Agony and the Ecstasy, США — Великобритания, 1965) — режиссёр Кэрол Рид
• Х/ф «Весна Микеланджело» (Италия — США, 1990) — Режиссёр Джерри Лондон.
• Спектакль Г. Мацкявичюса «Преодоление» (2010)
• Д/ф «Микеланджело суперзвезда» (англ. Michelangelo Superstar)
• Д/ф «Микеланджело. Бесконечность» (итал. Michelangelo — Infinito (Италия — Ватикан, 2018) — режиссёр Эмануэле Имбуччи
• Х/ф Грех (Россия, 2019, режиссёр Андрей Кончаловский) в роли Микеланджело — Альберто Тестоне.

В филателии

• В 1964 году Почта СССР выпустила марку: Деятели мировой культуры. Микеланджело (1475—1564), итальянский скульптор, художник, архитектор, поэт и мыслитель. Слева — скульптура умирающего раба на фоне Лауренцианской библиотеки во Флоренции. Справа — Микеланджело за работой над картоном росписи Сикстинской капеллы.
• В 1975 году Почта СССР отметила 500-летие Микеланджело серией марок.

• 

  Марка СССР. Автопортрет Микеланджело (Лувр, Париж). Художник: Г. Комлев.

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

  Почта СССР, 1964 г.

В нумизматике

• В 2015 году Банк России выпустил серебряную памятную монету номиналом 25 рублей.

• 

  Памятная монета России, 2015 г. Творения Микеланджело Буонарроти.

Примечания

Литература

Ссылки

• Микеланджело Буонарроти. Он мог все. Программа «Эха Москвы» из цикла «Всё так», Часть 1 и Часть 2
• Поэзия Микеланджело в переводе А. М. Эфроса

Эта страница в последний раз была отредактирована 17 февраля 2023 в 07:01.

Как только страница обновилась в Википедии она обновляется в Вики 2.
Обычно почти сразу, изредка в течении часа.

Итальянский скульптор, художник, архитектор (1475–1564)

Микеланджело
Портрет Микеланджело Даниэле да Вольтерра
Родился	Микеланджело ди Лодовико Буонарроти Симони. 6 марта 1475. Капрезе около Ареццо, Республика Флоренция (ныне Тоскана, Италия)
Умер	18 февраля 1564 г. (1564-02-18) (88 лет). Рим, Папская область (современная Италия)
Известен	Скульптура, живопись, архитектура и поэзия
Известные работы	Дэвид Пьета Моисей Страшный суд потолок Сикстинской капеллы
Движение	Высокое Возрождение
Подпись

Микеланджело ди Лодовико Буонарроти Симони (Итальянский: ; 6 марта 1475 — 18 февраля 1564), более известный просто Микеланджело (английский: ), был итальянцем скульптор, художник, архитектор и поэт Высокого Возрождения, родившийся в Флорентийской республике, оказавший беспрецедентное влияние на развитие западного искусства. Его художественная разносторонность настолько высока, что его часто считают одним из кандидатов на звание архетипа человека эпохи Возрождения вместе со своим соперником, флорентийцем Леонардо да Винчи. Некоторые ученые описали Микеланджело как величайшего художника своего времени и даже как величайшего художника всех времен.

Ряд работ Микеланджело живописи, скульптуры и архитектуры входят в число самых известных в существовании. Его результаты в этих областях были потрясающими; Огромный объем сохранившейся переписки, зарисовок и воспоминаний, наиболее подробно описанным художником 16 века. До тридцати лет он создал две из своих самых известных работ, Пьета и Давид. Несмотря на низкое мнение о живописи, он также создал две из самых влиятельных фресок в истории западного искусства: сцены из Книги Бытия на потолке Сикстинской капеллы в Риме, и Страшный суд на стене алтаря. Его дизайн Лаврентьевской библиотеки положил начало мощность маньеризма. В возрасте 74 лет он сменил Антонио да Сангалло Младшего на посту архитектора Св. Базилика Петра. Он изменил план так, чтобы западный конец был закончен по его проекту, как и купол, с некоторыми изменениями после его смерти.

Микеланджело был первым западным художником, биография которого была опубликована при его жизни. Фактически, при его жизни были опубликованы две биографии. Один из них, Джорджо Вазари, предположил, что работа Микеланджело превосходит творчество любого живого или мертвого художника и является «высшим не в одном искусстве, а во всех трех».

При жизни Микеланджело часто называли Il Divino («божественный»). Современники часто восхищались его terribilità — его способностью вызывать чувство благоговения. Попытки художников подражать страстному, очень индивидуальному стилю Микеланджело приводят к маньеризму, следующий крупный взгляд в западном искусстве после Высокого Возрождения.

Содержание

• 1 Жизнь
  • 1.1 Ранние годы, 1475–1488
  • 1.2 Ученичество, 1488–1492
  • 1.3 Болонья, Флоренция и Рим, 1492–1499
  • 1.4 Флоренция, 1499–1505
  • 1,5 Потолок Сикстинской капеллы, 1505–1512 гг.
  • 1,6 Флоренция при папах Медичи, 1513 — начало 1534 гг.
  • 1,7 Рим, 1534–1546 гг.
  • 1,8 Базилика Святого Петра, 1546–1564
• 2 Личная жизнь
  • 2.1 Вера
  • 2.2 Личные привычки
  • 2.3 Отношения и поэзия
  • 2.4 Вражда с другими художниками
• 3 Работы
  • 3.1 Мадонна с младенцем
  • 3.2 Мужская фигура
  • 3.3 Сикстинская капелла потолок
  • 3.4 Композиции фигур
  • 3.5 Архитектура
  • 3.6 Последние годы
• 4 В популярной культуре
• 5 Наследие
• 6 См. также
• 7 Сноски
• 8 Ссылки
• 9 Источники
• 10 Дополнительная литература
• 11 Внешние ссылки

Жизнь

Ранние годы, 1475–1488

Микеланджело родился 6 марта 1475 года в Капрезе, известный сегодня как Капрезе Микеланджело, небольшой городок, расположенный в Вальтиберине, недалеко от Ареццо, Тоскана. В течение нескольких поколений его семья была мелкими банкирами в Флоренции ; но банк обанкротился, и его отец, Людовико ди Леонардо Буонарроти Симони, ненадолго занял правительственный пост в Капрезе, где Микеланджело. На момент рождения Микеланджело его отец был судебным администратором и podestà или местным администратором Кьюзи делла Верна. Матерью Микеланджело была Франческа ди Нери дель Миниато ди Сиена. Семья Буонарроти утверждала, что они проходят от графини Матильды Каносской — утверждение, которое остается недоказанным, но Микеланджело верил в него.

Через несколько месяцев после рождения Микеланджело семья вернулась во Флоренцию, где он находился. поднял. Во время более поздней продолжительной болезни матери и после ее смерти в 1481 году (когда ему было шесть лет) Микеланджело жил с няней и ее мужем, резчиком по камню, в городке Сеттиньяно, где его отец владел мраморный карьер и небольшая ферма. Там он полюбил мрамор. Джорджо Вазари цитирует его:

Потому что я родился в тонкой атмосфере вашей страны Ареццо. Вместе с молоком моей няни я научился обращаться с долотом и молотком, с помощью которых я делаю свои фигурки.

Ученичество, 1488–1492

Мадонна на лестнице (1490–1492)), Самая ранняя известная работа Микеланджело в мраморе

Мальчиком Микеланджело был отправлен во Флоренцию изучать грамматику руководством под гуманиста Франческо да Урбино. Однако он не проявлял интереса к своему школьному образованию, предпочитая копировать из церквей и искать компании других художников.

Город Флоренция в то время был величайшим центром искусств и обучения Италии. Искусство спонсировалось Синьорией (городским советом), торговыми гильдиями и богатыми покровителями, такими как Медичи и их банковские соратники. Ренессанс, возрождение классической науки и искусства, впервые расцвел во Флоренции. В начале 15 века архитектор Филиппо Брунеллески, изучив остатки классических построек церкви в Риме, создал две: Сан-Лоренцо и Санто-Спирито, в котором воплощены классические заповеди. Скульптор Лоренцо Гиберти в течение пятидесяти лет трудился над созданием пяти бронзовых дверей баптистерия, который Микеланджело должен был описать как «Врата рая». Внешние ниши церкви Орсанмикеле Содержали галерею самых известных скульпторов Флоренции: Донателло, Гиберти, Андреа дель Верроккьо и Нанни ди Банко. Интерьеры старых церквей были покрыты фресками (в основном в стиле позднего средневековья, но также и в стиле раннего Возрождения), начатых Джотто и продолженных Мазаччо в Бранкаччи. Часовня, обе работы которой Микеланджело изучил и скопировал в рисунках.

В детстве Микеланджело команда художников была вызвана из Фенциилор в Ватикан, чтобы украсить стены Сикстинской капеллы. Среди них был Доменико Гирландайо, мастер фресковой живописи, перспективы, фигурного рисунка и портретной живописи, имевший большую мастерскую во Флоренции. В 1488 году, в возрасте 13 лет, Микеланджело поступил в ученики к Гирландайо. В следующем году его предложил Гирландайо заплатить Микеланджело как художнику, что было редкостью для четырнадцати лет. Когда в 1489 году Лоренцо де Медичи, фактический правитель Флоренции, попросил у Гирландайо двух своих лучших учеников, Гирландайо послал Микеланджело и Франческо Граначчи.

С 1490 по 1492 год Микеланджело посетил Платоническая академия, гуманистическая академия, основанная Медичи. Там на его работы и мировоззрение оказали влияние многие из самых выдающихся философов и писателей того времени, в том числе Марсилио Фичино, Пико делла Мирандола и Полициано. В это время Микеланджело изваял рельефы Мадонна ступеней (1490–1492) и Битва кентавров (1491–1492), последние на тему, предложенную Полициано и по заказу Лоренцо де Медичи. Микеланджело какое-то время работал со скульптором Бертольдо ди Джованни. Когда ему было семнадцать, другой ученик, Пьетро Торриджано, ударил его по носу, вызвав уродство, которое заметно на портретах Микеланджело.

Болонья, Флоренция и Рим, 1492–1499 гг.

Пьета, Базилика Святого Петра (1498–99)

Смерть Лоренцо Медичи 8 апреля 1492 года изменила обстоятельства жизни Микеланджело. Микеланджело покинул охрану двора Медичи и вернулся в дом своего отца. В последующие месяцы он вырезал из дерева полихромное Распятие (1493 г.) в подарок настоятелю флорентийской церкви Санто-Спирито, что ему выполнить некоторые анатомические трупы из церковной исследования больницы. Это был первый из нескольких случаев, когда Микеланджело изучал анатомию, препарируя трупы.

Между 1493 и 1494 годами он купил кусок мрамора и вырезал огромную статую Геркулеса, который был отправлен во Францию ​​и исчез где-то в 18 веке. 20 января 1494 года, после сильных снегопадов, наследник Лоренцо, Пьеро Медичи, заказал снежную статую, и Микеланджело снова вошел во двор Медичи.

В том же году Медичи были изгнаны из фенции в результате подъема Савонаролы. Микеланджело покинул город до политических потрясений, перебравшись в Венецию, а в Болонью. В Болонье ему было поручено вырезать несколько последних маленьких фигурок для завершения Усыпальницы Святого Доминика в церкви, посвященной этому святому. В это время Микеланджело изучал массивные рельефы, вырезанные Якопо делла Кверчия вокруг главного портала базилики Святого Петрония, в том числе панно «Сотворение Евы», композиция которого должна вновь появиться на Сикстинской капеллы потолке. К концу 1495 года политическая ситуация во Флоренции стала более спокойной; город, ранее находившийся под угрозой со стороны французов, больше не подвергался опасности, поскольку Карл VIII терпел поражение. Микеланджело вернулся во Флоренцию, но не получил никаких заказов от нового городского правительства при Савонароле. Он вернулся к работе Медичи. В течение полугода, проведенного во Флоренции, он работал над двумя небольшими статуями: младенцем Иоанном Крестителем и спящим Купидоном. Согласно Кондиви, Лоренцо ди Пьерфранческо де Медичи, для которого Микеланджело изваял святого Иоанна Крестителя, попросил Микеланджело «исправить это так, чтобы оно выглядело так, как будто оно было похоронено», чтобы он мог »отправить это в Рим… выдать [это] за древнее произведение и… продать его гораздо лучше. И Лоренцо, и Микеланджело были невольно обмануты посредником, указав на реальную ценность произведения. Кардинал Раффаэле Риарио, которому Лоренцо продал его. Этот очевидный успех в продаже своей скульптуры за границу, а также консервативная флорентийская ситуация, возможно, побудили Микеланджело принять приглашение прелата, Микеланджело прибыл в Рим 25, убедил, что это был обман, но был настолько впечатлен качеством скульптуры, что пригласил художника в Рим. июня 1496 года в возрасте 21 года. 4 июля того же года он начал работу над заказом кардинала Риарио, статуи римского бога вина в натуральное значение Вакха. лама кардиналом и отклонена вошла в коллекцию банкира Якопо Галли для его сада.

В ноябре 1497 года посол Франции при Святом Престоле кардинал Жан де Бильер-Лагрулас поручил ему вырезать Пьета, скульптура, изображающая Дева Мария скорбит о теле Иисуса. Сюжет не является частью библейского повествования о Распятии, был обычным явлением в религиозной средневековой Северной Европе и был хорошо знаком кардиналу. Контракт был согласован в августе следующего года. Микеланджело было 24 года на момент завершения. Вскоре его стали считать одним из величайших шедевров скульптуры мира, «раскрытием всех возможностей и силы скульптурного искусства». Настоящее мнение резюмировал Вазари: «Это определенно чудо, что бесформенный каменный блок когда-либо уменьшен до совершенства, когда природа превратится в настоящее время способна создать во плоти». Сейчас он находится в базилике Святого Петра.

Флоренция, 1499–1505 гг.

Статуя Давида, завершенная Микеланджело в 1504 году, является одним из самых известных произведений эпохи Возрождения.

Микеланджело вернулся во Флоренцию в 1499 году. республика изменилась после падения ее лидера, антиренессансного священника Джироламо Савонарола, казненного в 1498 году, и подъема гонфалоньер Пьеро Содерини. Консулы Гильдии шерсти попросили Микеланджело завершить незаконченный проект, начатый 40 летми ранее Агостино ди Дуччо : колоссальная статуя из каррарского мрамора, изображающая Давида как символ флорентийца. свобода быть помещена на фронтоне Флорентийского собора. В ответ Микеланджело завершил свою известную работу, статую Давида, в 1504 году. Этот шедевр окончательно утвердил его выдающееся положение как скульптора с необычайными техническими навыками и силой символического воображения. Команда консультантов, в которую входили Боттичелли и Леонардо да Винчи, была собрана вместе, чтобы принять решение о его размещении, в конечном итоге на площади Синьории перед Палаццо Веккьо. Теперь он стоит в Academia, а его точная копия занимает свое место на площади.

С завершением работы над Давидом пришло еще одно поручение. В начале 1504 года Леонардо да Винчи получил заказ на картину Битвы при Ангиари в зале Палаццо Веккьо, представляющую битву между Флоренцией и Миланом в 1440 году. Затем Микеланджело получил заказ написать Битва при Кашине. Эти две картины очень разные: Леонардо изображает солдат, сражающихся на лошадях, а у Микеланджело солдаты попадают в засаду, купаясь в реке. Ни одна из работ не была завершена, и оба были потеряны навсегда, когда камеру отремонтировали. Обе работы вызывали большое восхищение, и от них остались копии: работы Леонардо были скопированы Рубенсом, а работы Микеланджело — Бастиано да Сангалло.

. Также в этот период Анджело Дони поручил Микеланджело написать «Святое Семейство » в подарок его жене Маддалене Строцци. Он как известен Дони Тондо и висит в галерее Уффици в своей оригинальной великолепной раме, которую, возможно, спроектировал Микеланджело. Он также, возможно, написал Мадонну с младенцем с Иоанном Крестителем, известный как Манчестерская Мадонна и сейчас находится в Национальной галерее в Лондоне.

Сикстина. Потолок капеллы, 1505–1512 гг.

Микеланджело расписал потолок Сикстинской капеллы ; работа заняла около четырех лет (1508–1512)

В 1505 году Микеланджело был снова приглашен в Рим новоизбранным Папой Юлием II и ему было поручено построить гробницу Папы, который должен был быть участником сорок статуй и быть закончен через пять лет. Под патронажем папы Микеланджело прерывал свою работу постоянно над гробницей, чтобы выполнить других задач. Хотя Микеланджело работал над гробницей 40 лет, до его удовлетворения так и не удалось закончить работу. Он расположен в церкви Сан-Пьетро-ин-Винколи в Риме и наиболее известной центральной фигурой Моисея, завершенной в 1516 году. Из других статуй, предназначенных для гробницы, две известные как Мятежный раб и Умирающий раб, сейчас находятся в Лувре.

. В тот же период Микеланджело расписал потолок Сикстинской капеллы, что заняло четыре года для завершения (1508–1512). По свидетельству Кондиви, Браманте, который работал на здании Св. Петра, возмущены заказом Микеланджело для гробницы папы и убедили папу поручить ему в среде, с которой он был незнаком, чтобы он мог не справиться с задачей. Первоначально Микеланджело было поручено нарисовать Двенадцать апостолов на треугольных подвесках, поддерживающих потолок, и покрыть центральную часть потолка орнаментом. Микеланджело убедил Папу Юлия предоставил ему свободу действий и других, более сложную схему, представляющую Сотворение, Падение Человека, Обещание спасения через пророков и генеалогия Христа. Работа является частью более крупной схемы большой схемы в часовне, которая представляет часть доктрины католической церкви.

Композиция занимает более 500 квадратных метров потолка и содержит более 300 фигур. В его центре девять эпизодов из Книги Бытия, разделенных на три группы: Божье творение земли; Божье творение человечества и их отпадение от Божьей благодати; и, наконец, состояние человечества, представленное Ноем и его семья. На подвесках, поддерживающих потолок, изображены двенадцать мужчин и женщин, предсказавших пришествие Иисуса, семь пророков Израиля и пять сивилл, пророческих женщин классического мира. Среди самых известных картин на потолке: Сотворение Адама, Адам и Ева в Эдемском саду, Всемирный потоп, пророк Иеремия и кумская сивилла.

Флоренция при папах Медичи, 1513 — начало 1534 гг.

Моисей, ок. 1513–1515, для гробницы Папы Юлия II

В 1513 году папа Юлий II умер, и ему наследовал Папа Лев X, второй сын Лоренцо деи Медичи. С 1513 по 1516 год Папа Лев был в хороших отношениях с оставшимися в живых родственниками Папы Юлия, поэтому поощрял Микеланджело продолжить работу над могилой Юлия, но семьи снова стали врагами в 1516 году, когда Папа Лев попытался захватить герцогство Урбино от племянника Юлия Франческо Мария I делла Ровере. Папа Лев затем приказал Микеланджело прекратить работу над гробницей и поручил ему реконструировать фасад базилики Сан-Лоренцо во Флоренции и украсить его скульптурами. Он потратил три года на создание чертежей и моделей для фасада, а также на попытку открыть новый мраморный карьер в Пьетрасанте специально для этого проекта. В 1520 году работа была внезапно прекращена его финансово ограниченными покровителями, прежде чем был достигнут какой-либо реальный прогресс. У базилики до сих пор отсутствует фасад.

В 1520 году Медичи вернулись к Микеланджело с еще одним грандиозным предложением, на этот раз для семейной погребальной часовни в базилике Сан-Лоренцо. Для потомков этот проект, занимавший художника большую часть 1520-1530-х годов, был реализован более полно. Микеланджело по своему усмотрению создал композицию Капеллы Медичи, в которой находятся большие гробницы двух младших членов семьи Медичи, Джулиано, герцога Немурского, и Лоренцо, его племянника. Он также служит в память об их наиболее известных предшественниках, Лоренцо Великолепном и его брате Джулиано, которые похоронены неподалеку. В гробницах изображены статуи двух Медичи и аллегорические фигуры, представляющие Ночь и День, а также Сумерки и Рассвет. В часовне также находится Мадонна Медичи Микеланджело. В 1976 году был обнаружен скрытый коридор с рисунками на стенах, относящимися к самой часовне.

Папа Лев X умер в 1521 году, и его ненадолго сменил суровый Адриан VI, а затем его кузен Джулио Медичи как Папа Климент VII. В 1524 году Микеланджело получил архитектурный заказ от Папы Медичи для Лаврентьевской библиотеки в церкви Сан-Лоренцо. Он спроектировал как интерьер самой библиотеки, так и ее вестибюль, здание, использующее архитектурные формы с такимдинамический эффектом, что оно рассматривается как предшественник барокко архитектуры. Интерпретировать его планы и выполнять инструкции оставалось ассистентам. Библиотека не открывалась до 1571 года, а вестибюльался оставшимся незавершенным до 1904 года.

В 1527 году флорентийские граждане, вдохновленные разграблением Рима, изгнали Медичи и восстановили республику. Последовала осада города, и Микеланджело пошел на помощь своей любимой Флоренции, работая над городскими укреплениями с 1528 по 1529 год. Город пал в 1530 году, и к власти вернулись Медичи. Микеланджело попал в немилость молодого Алессандро Медичи, который был назначен первым герцогом Флоренции. Опасаясь за свою жизнь, он бежал в Рим, оставив помощников для завершения капеллы Медичи и библиотеки Лаврентия. Несмотря на поддержку Микеланджело и сопротивление правилу Медичи, его приветствовал Папа Климент, который он ранее предоставил художнику, и заключил с ним новый контракт на могилу Папы Юлия.

Рим, 1534–1546

Страшный суд (1534–1541)

В Риме Микеланджело жил недалеко от церкви Санта-Мария-ди-Лорето. Именно в это время он познакомился с поэтессой Витторией Колонна, маркизой Пескары, которая должна была стать одним из его ближайших друзей до своей смерти в 1547 году.

Незадолго до своей смерти в 1534 году Папа Климент VII поручил Микеланджело нарисовать фреску Страшный суд на алтарной стене Сикстинской капеллы. Его преемник, Папа Павел III, роль в том, что Микеланджело начал и завершил проект, над которым он трудился с 1534 по октябрь 1541 года. Фреска изображает Второе пришествие Христа и его суд над душами. Микеланджело проигнорировал обычные художественные условности при изображении Иисуса, представ его массивной, мускулистой фигурой, юной, безбородой и обнаженной. Его окружают святые, среди которых святой Варфоломей держит обвисшую кожу, содранную с лица Микеланджело. Мертвые поднимаются из своих могил, чтобы быть отправленными либо в рай, либо в ад.

После завершения изображения Христа и Девы Марии обнаженными считанными кощунственным, и кардинал Карафа и монсеньор Сернини (посол Мантуи ) выступал за удаление или цензуру фрески, но Папа сопротивлялся. На Трентском соборе, незадолго до смерти Микеланджело в 1564 году, было решено скрыть гениталии, и Даниэле да Вольтерра, ученику Микеланджело, было поручено внести изменения. Не прошедшая цензуру копия оригинала работы Марчелло Венусти находится в Музее Каподимонте в Неаполе.

. В то время Микеланджело работал над рядом архитектурных проектов. Они включали проект Капитолийского холма с трапециевидной площадью, на которой изображена древняя бронзовая статуя Марка Аврелия. Он спроектировал верхний этаж Палаццо Фарнезе и интерьер церкви Санта-Мария-дельи-Анджели, в котором он преобразовал сводчатый интерьер древнеримской бани. Другие архитектурные сооружения включают Сан-Джованни-деи-Фьорентини, часовню Сфорца (Капелла Сфорца) в базилике Санта-Мария-Маджоре и Порта Пиа.

Базилика Святого Петра, 1546 г. –1564

Купол базилики Петра

Еще один заказ для Ватикана, Микеланджело. Это было сделано для написания двух больших фресок в Каппелла Паолина, представляющих важные события из двух самых важных святых Рима, Обращение Святого Павла и Распятие Святого Петра. Как и «Страшный суд», эти два произведения представляют собой сложный состав, содержащий большое количество фигур. Они были завершены в 1550 году. В том же году Джорджо Вазари опубликовал свою Вита, в том числе биографию Микеланджело.

В 1546 году Микеланджело был назначен архитектором Св. Базилика Петра, Рим. Процесс замены Константиновской базилики 4-го века длился пятьдесят лет, и в 1506 году был заложен фундамент планам Браманте. Надругались сменяющие друг друга архитекторы, но прогресс был ним незначительным архитектором. Микеланджело убедили взять на себя руководство проектом. Он вернулся к концепции централизованно планируемой церкви, укрепляющей структуру как физически, так и визуально. Купол, строительство которого было завершено только после его смерти, Банистер Флетчер назвал «величайшим творением эпохи Возрождения»

По той мере, как строительство собора Святого Петра продолжалось, возникли опасности, что Микеланджело скончался до того, как купол был закончен. Однако после того, как здание началось в нижней части купола, опорное кольцо, завершение конструкции неизбежно.

7 декабря 2007 года в архивах Ватикана был обнаружен набросок купола базилики Святого Петра красным мелом, возможно, последний, сделанный Микеланджело перед его смертью. Это происходит крайне редко, поскольку он разрушил свои замыслы в более позднем возрасте. Эскиз представляет собой частичный план одной из радиальных колонн барабана купола собора Святого Петра.

Личная жизнь

Игнудо фреска 1509 года на потолке Сикстинской капеллы Микеланджело, сделанная из взгляда Франсиско де Холанда в конце 1530-х гг.

Вера

Микеланджело был набожным католиком, чья вера к концу жизни стала глубже. Его поэзия включает следующие заключительные строки из так называемого стихотворения 285 (написанного в 1554 году); «Ни живопись, ни скульптура больше не может успокоить мою душу, теперь обращенную к той божественной любви, которая распростерла руки на кресте, чтобы принять нас».

Личные привычки

Микеланджело был воздерживался от личной жизни и сказал своему ученику Асканио Кондиви : «Каким бы жилым я ни был, я всегда как бедняк». Кондиви сказал, что был безразличен к еде и питью, ел «больше по необходимости, чем ради удовольствия» и что он «часто спал в своей одежде и… сапогах». Его биограф Паоло Джовио говорит: «Его характер был настолько грубым и неотесанным, что были невероятно убогими и лишали потомков любых учеников, которые могли бы последовать за ним». Возможно, он не возражал, так как по натуре он был одиноким и меланхоличным человеком, bizzarro eantastico, человеком, который «отказался от общества людей».

Отношения и поэзия

Это невозможно узнать наверняка, были ли у Микеланджело физические отношения (Кондиви приписывал ему «монашеское целомудрие»); предположения о его сексуальности уходят корнями в его стихи. Написал более трехсот сонетов и мадригалов. Самый длинный эпизод, демонстрирующий глубокое романтическое чувство, был написан Томмазо деи Кавальери (ок. 1509–1587), которому было 23 года, когда Микеланджело встретил его в 1532 году в возрасте 57 лет. первая большая последовательность стихов на любом современном языке, адресованная одним человеком другому; они старше на пятьдесят лет Шекспира сонеты для прекрасной юноши:

Кавальери ответил: «Я кляну вернуть твою любовь. Никогда я не любил человека больше, чем я люблю тебя, никогда я не желал дружбы больше, чем я желаю твоей.

В 1542 году Микеланджело встретил Чеккино деи Браччи, который умер всего через год, вдохновив Микеланджело написать сорок восемь похоронных эпиграмм, Кавальери оставался преданным Микеланджело до самой его смерти. Некоторые объекты привязанности Микеланджело и сюжеты его поэзии использовали его в своих интересах: модель Фебо ди Поджио попросила денег в ответ на любовное стихотворение, а вторая модель, Герардо Перини, бессовестно украл у

То, что некоторыми интерпретируемыми как кажущийся гомоэротический характером поэзии, стал дискомфорта для поколений. Внучатый племянник Микеланджело, Микеланджело Буонарроти Младший, опубликовал стихи в 1623 году с измененным полом местоимений, и только Джон Аддингтон Симондс перевел их на английский язык в 1893 году. были восстановлены некоторые ученые, настаивают на том, что, несмотря на восстановление местоимений, они предста вмещают собой «бесстрастное и элегантное переосмысление платонического диалога, в котором эротическая поэзия рассматривалась как выражение утонченных чувств».

Позднее в Микеланджело питал огромную платоническую любовь к поэту и благородной вдове Виттории Колонна, благодаря чему он познакомился в Риме в 1536 или 1538 году и благодаря чему в то время было под сорок. Они писали друг другу сонеты и поддерживали постоянный контакт, пока она не умерла. Эти сонеты в основном посвящены духовным вопросам, которые их занимали. Кондиви вспоминает высказывание Микеланджело о том, что его единственное сожаление в жизни заключалось в том, что он не поцеловал лицо вдовы так, как он держал ее руку.

Вражда с другими художниками

В письме от позднего В 1542 г. Микеланджело обвинил в трениях между Юлием II и им самим зависть Браманте и Рафаэля, говоря о последнем: «Все, что у него было в искусстве, он получил от меня». Согласно Джан Паоло Ломаццо, Микеланджело и Рафаэль однажды встретились: первый был один, а второй сопровождал еще несколько человек. Микеланджело прокомментировал, что он ожидал, что он встретил начальника полиции таким собранием, и Рафаэль ответил, что он думал, что он ожидал палача, поскольку обычно они ходят одни.

Работы

Мадонна с младенцем

Мадонна ступеней — самая ранняя известная работа Микеланджело из мрамора. Он вырезан с мелким рельефом. Эта техника часто использовалась мастером-скульптором начала 15 века Донателло и другими, такими как Дезидерио да Сеттиньяно. В то время как Мадонна в профиль, самый легкий аспект для неглубокого рельефа, ребенок демонстрирует вращательное движение, которое стало характерным для работ Микеланджело. Таддеи Тондо 1502 года изображает Младенца Христа, напуганного Снегирью, символом Распятия. Живая форма ребенка позже была адаптирована Рафаэлем в. Мадонна Брюгге на момент своего создания была непохожей на другие подобные статуи, изображающие Деву, гордо представляющую своего сына. Здесь Младенец Христос, удерживаемый сжатой рукой своей матери, вот-вот уйдет в мир. Дони Тондо, изображающий Святое Семейство, имеет элементы всех трех предыдущих работ: фриз из фигур на заднем плане имеет вид барельефа, а круглая форма и динамические формы перекликаются с Taddeo Tondo. В картине подчеркнуто вращательное движение Мадонны Брюгге. Картина предвещает формы, движение и цвет, которые Микеланджело использовал на потолке Сикстинской капеллы.

• 

  Мадонна ступеней (1490–1492)

• 

  Таддеи Тондо (1502)

• 

  Мадонна с младенцем. Брюгге, Бельгия (1504)

• 

  Дони Тондо (1504–1506)

Мужская фигура

Коленопреклоненный ангел — ранняя работа, одна из нескольких, созданных Микеланджело как часть большой декоративной схемы для Арки Сан-Доменико в церкви, посвященной этому святому в Болонье. Над схемой работали несколько других художников, начиная с Никола Пизано в 13 веке. В конце 15 века проектом руководил Никколо дель Арка. Ангел, держащий подсвечник, работы Никколо, уже был на месте. Хотя два ангела образуют пару, существует большой контраст между двумя работами: на одной изображен хрупкий ребенок с распущенными волосами, одетый в готические одежды с глубокими складками, а у Микеланджело изображен крепкий и мускулистый юноша с крыльями орла, одетый в одежда классического стиля. В ангеле Микеланджело все динамично. Вакх Микеланджело был заказан с определенной темой, молодой Бог вина. Скульптура имеет все традиционные атрибуты: венок из виноградной лозы, чашу вина и олененок, но Микеланджело вдохнул воздух реальности в объект, изобразив его с затуманенными глазами, опухшим мочевым пузырем и позой, которая предполагает, что он неуверенно держится. ноги. Хотя работа явно вдохновлена ​​классической скульптурой, она новаторская благодаря своему вращающемуся движению и сильно трехмерному качеству, которое побуждает зрителя смотреть на нее со всех сторон. В так называемом «Умирающем рабе» Микеланджело снова использовал фигуру с пометкой contraposto, чтобы обозначить определенное человеческое состояние, в данном случае пробуждающееся от сна. Что касается мятежного раба, это одна из двух более ранних фигур для гробницы Папы Юлия II, которая сейчас находится в Лувре, которую скульптор довел до почти законченного состояния. Эти две работы оказали глубокое влияние на более позднюю скульптуру благодаря Родену, который изучал их в Лувре. Связанный раб — одна из более поздних фигур гробницы Папы Юлия. Каждая работа, известная под общим названием «Пленники», изображает фигуру, пытающуюся освободиться, как будто от пут скалы, в которой она находится. Работы дают уникальное представление о скульптурных методах, которые использовал Микеланджело, и его способе раскрыть то, что он видел в скале.

• 

  Ангел Микеланджело, ранняя работа (1494–95)

• 

  Вакх Микеланджело, ранняя работа (1496 –1497)

• 

  Умирающий раб, Лувр (1513)

• 

  Связанный раб, известный как Атлас (1530–1534)

Потолок Сикстинской капеллы

Потолок Сикстинской капеллы был расписан между 1508 и 1512 годами. Потолок представляет собой плоский цилиндрический свод, поддерживаемый двенадцатью треугольными подвесками, которые возвышаются между окнами часовни. По замыслу папы Юлия II поручение заключалось в том, чтобы украсить подвески фигурами двенадцати апостолов. Микеланджело, который не хотел браться за эту работу, убедил Папу дать ему полную свободу действий в композиции. Получившаяся в результате схема украшения восхищала его современников и с тех пор вдохновляет других художников. Схема состоит из девяти панелей, изображающих эпизоды из Книги Бытия, установленных в архитектурной онической рамке. На подвесках Микеланджело заменил предложенных Апостолов пророками и сивиллами, провозгласившими приходами Мессии.

Потолок Сикстинской капеллы (1508–1512 гг.)

Микеланджело начал рисовать с более поздних эпизодов повествования, изображения, включающие детали местности и группы фигур, первая из которых — «Опьянение Ноя». В более поздних композициях, написанных после того, как первоначальные леса были сняты, Микеланджело увеличил фигуры. Одно из центральных изображений, Сотворение Адама, — одно из самых известных и воспроизводимых произведений в истории искусства. Последняя панель, показывающая Отделение света от тьмы, является самой широкой по стилю и была написана за один день. В качестве модели Создателя Микеланджело изобразил себя в действии росписи потолка.

• 

  Пьянство Ноя

• 

  Потоп (деталь)

• 

  Сотворение Адама (1510)

• 

  Первый день творения

В качестве сторонника небольших сцен Микеланджело нарисовал двадцать юношей, которых по-разному интерпретируем как ангелов, муз или просто как украшение. Микеланджело называл их «игнуди». Воспроизведенный рисунок можно увидеть в контексте на изображении выше Отделения Света от Тьмы. В процессе росписи потолка Микеланджело сделал этюды для различных фигур, некоторые из которых, например, для «Ливийских Сивиллы», сохранились, демонстрируя заботу Микеланджело в деталях, таких как руки и ноги. Пророк Иеремия, размышляющий о падении Иерусалима, представляет собой образ самого художника.

• 

  Эскизы к ливийской сивилле

• 

  Ливийская сивилла (1511 г.)

• 

  Пророк Иеремия (1511 г.)

• 

  Игнудо

Композиции фигур

Рельеф Микеланджело о бит приве «Кентавры», созданные в юности, связанные с Академией Медичи, представляют собой необычайно сложный рельеф, поскольку на нем показано большое количество фигур, вовлеченных в энергичную борьбу. Такой сложный беспорядок фигур был редкостью во флорентийском искусстве, где его обычно можно было найти только на изображениях, изображающих либо Избиение младенцев, либо адские муки. Рельефная обработка, в которой некоторые фигуры смело выступают, может указывать на знакомство Микеланджело с римскими саркофагами рельефами из коллекции Лоренцо Медичи и аналогичными мраморными панелями, созданными Никола и Джованни Пизано, а с образными композициями на Гиберти Двери Баптистерия.

Композиция Битвы при Кашине полностью известна только по копиим, как оригинал Мультфильм, по словам Вазари, вызвал такое восхищение, что испортился и со временем развалился. Он отражает более раннее облегчение в энергии и разнообразии фигур, с множеством различных поз, и многие из них видны со спины, когда они поворачиваются к приближающемуся врагу и готовятся к битве.

В «Страшном суде» это Говорят, что Микеланджело черпал вдохновение из фрески Мелоццо да Форли в римском Санти Апостоли. Мелоццо изображал фигуры под разными углами, как если бы они плыли по небу и смотрели снизу. Величественная фигура Христа Мелоццо в развеваемом ветром плаще представляет собой определенный ракурс фигуры, который также использовался Андреа Мантенья, но не был обычным для фресок флорентийских художников. В «Страшном суде» Микеланджело имел возможность изобразить в беспрецедентном масштабе фигуры, восходящие к небу или падающие и опускающиеся вниз.

На двух фресках капеллы Павла: Распятие св. Петр и обращение Саула, Микеланджело использовал различные группы фигур, чтобы передать сложное повествование. В «Распятии Петра» солдаты заняты своей крестностью — вырыть яму для столба и поднять, в то время как разные люди наблюдают и обсуждают события. Группа напуганных женщин собралась на переднем плане, в то время как. На правом переднем плане Микеланджело выходит из картины с выражением разочарования.

• 

  Битва кентавров (1492)

• 

  Копия утраченной Битвы при Кашине автора Бастиано да Сангалло

• 

  Страшный суд, деталь Искупленных. (см. все изображение выше)

• 

  Распятие Святого Петра

Архитектура

Архитектурные заказы Микеланджело включает ряд, которые не были реализованы, в частности, фасад церкви Сан-Лоренцо во Флоренции Брунеллески, для которого Микеланджело построил деревянную модель, которая до сих пор остается незаконченным грубым кирпичом. В той же церкви Джулио Медичи (позже Папа Климент VII) поручил ему спроектировать капеллу Медичи и гробницы Джулиано и Лоренцо Медичи. Папа Климент также заказал Лаврентьевскую библиотеку, для которой Микеланджело также спроектировал необычный вестибюль с колоннами, утопленными в ниши, и лестницу, которая, по словам Николауса Певснера, кажется, выливается из библиотеки, как поток лавы. «… раскрывая маньеризм в его наиболее возвышенной архитектурной форме.»

В 1546 году Микеланджело создал очень сложный яйцевидный рисунок для тротуара Campidoglio и начал проектирование верхний этаж дворца Фарнезе. В 1547 году он приступил к завершению базилики Святого Петра, начатой ​​по проекту Браманте, и с несколькими промежуточными проектами нескольких архитекторов. Микеланджело вернулся к дизайну Браманте, сохранив базовую форму и концепции, упростив и укрепив дизайн, чтобы создать более динамичное и единое целое. Хотя на гравюре конца XVI века купол изображен как имеющий полусферический профиль, купол модели Микеланджело имеет несколько яйцевидную форму, а конечный продукт, выполненный Джакомо делла Порта, более того.

• 

  Вестибюль Лаврентьевской библиотеки имеет маньеристские черты, которые бросают вызов классическому ордену соседней церкви Брунеллески.

• 

  Редизайн древнего Капитолийского холма Микеланджело включал в себя сложную спиральную мостовую со звездой в центре.

• 

  Дизайн Микеланджело для собора Святого Петра одновременно массивен и сдержан, с углами между апсидальными ветвями Греческого Креста, заполненными квадратными выступами.

• 

  Фасад окружен гигантскими пилястрами, поддерживающими сплошной карниз. Вокруг купола группируются четыре небольших купола.

Последние годы

В преклонном возрасте Микеланджело создал несколько пьет, в которых, по-видимому, размышляет о смертности. Они возвестили о Победе, возможно, созданы для гробницы Папы Юлия II, но остались незавершенными. В этой группе молодой победитель преодолевает более старшую фигуру в капюшоне с чертами Микеланджело.

Пьета Виттории Колонна — это рисунок мелом, который описывается как «презентационные рисунки», поскольку они могут быть подарены художником и не обязательно являются этюдами для рисованной работы. На этом изображении поднятые руки Марии и поднятые руки указывают на ее пророческую роль. Фронтальный аспект напоминает фреску Мазаччо с изображением Святой Троицы в базилике Санта-Мария-Новелла во Флоренции.

Во флорентийской Пьете Микеланджело снова изображает себя, на этот раз престарелым Никодимом, опускающим тело Иисуса с креста в объятия его матери Марии и Марии Магдалины. Микеланджело разбил левую руку и ногу фигуре Иисуса. Его ученик Тиберио Кальканьи отремонтировал руку и просверлил отверстие для фиксации новой ноги, которая впоследствии не была прикреплена. Он также работал над фигурой Марии Магдалины.

Последняя скульптура, над которой работал Микеланджело (за шесть дней до своей смерти), Ронданини Пьета никогда не могла быть завершена, потому что Микеланджело вырезал ее до тех пор, пока камня не хватало. Ноги и оторванная рука остались от предыдущего этапа работы. В настоящее время скульптура имеет абстрактное качество, соответствующее концепциям скульптуры 20-го века.

Микеланджело умер в Риме в 1564 году в возрасте 88 лет (за три недели до своего 89-летия). Его тело было доставлено из Рима для погребения в базилике Санта-Кроче, выполняя последнюю просьбу маэстро о его похоронах в его возлюбленной Флоренции.

• 

  Автопортрет художника в образе Никодима.

• 

  Статуя Победы (1534 г.), Палаццо Веккьо, Флоренция

• 

  Пьета Виттории Колонна (ок. 1540 г.)

• 

  Пьета Ронданини (1552–1564 гг.)

В массовой культуре

Фильмы

• Жизнь Микеланджело (1964)
• Агония и экстаз (1965), режиссер Кэрол Рид и Чарлтон Хестон <65 в главной роли>в роли Микеланджело
• Сезон гигантов (1990)
• Микеланджело — Бесконечность (2018), в главной роли Энрико Ло Версо в роли Микеланджело
• Грех (2019), режиссер Андрей Кончаловский

Наследие

Могила Микеланджело в Базилике Санта-Кроче, Флоренция.

Микеланджело с Леонардо да Винчи и Рафаэлем — один из трех гигантов флорентийской Высокое Возрождение. Хотя их имена часто упоминаются вместе, Микеланджело был моложе Леонардо на 23 года и старше Рафаэля на восемь. Из-за своей затворнической природы он не имел ничего общего ни с одним из художников и пережил их обоих более чем на сорок лет. Микеланджело взял несколько учеников скульптуры. Он нанял Франческо Граначчи, который был его однокурсником в Академии Медичи, и стал одним из нескольких помощников на потолке Сикстинской капеллы. Микеланджело, похоже, использовал помощников в основном для более ручных задач по подготовке поверхностей и шлифовке красок. Несмотря на это, его работы должны были оказать большое влияние на художников, скульпторов и архитекторов для многих будущих поколений.

Хотя Давид Микеланджело является самым известным обнаженным мужчиной всех времен и теперь украшает города по всему миру, некоторые из его других работ, возможно, оказали даже большее влияние на ход искусства. Изгибающиеся формы и напряжения Победы, Мадонны Брюгге и Мадонны Медичи делают их вестниками искусства маньеризма. Незавершенные гиганты для гробницы Папы Юлия II оказали глубокое влияние на скульпторов конца 19-го и 20-го веков, таких как Роден и Генри Мур.

. Фойе Микеланджело в библиотеке Лаврентия. самые ранние постройки, в которых классические формы пластично и выразительно использованы. Это динамическое качество позже нашло свое главное выражение в центрально спланированном Микеланджело храме Святого Петра с его гигантским орденом, волнистым карнизом и направленным вверх остроконечным куполом. Купол собора Святого Петра на протяжении многих веков влиял на строительство церквей, в том числе Сант-Андреа-делла-Валле в Риме и Собор Святого Павла в Лондоне, а также на гражданские купола многие общественные здания и столицы штатов по всей Америке.

Художники, на которых непосредственно повлиял Микеланджело, включают Рафаэля, чья монументальная трактовка фигуры в Афинской школе и Изгнание Гелиодора из Храма во многом обязано Микеланджело, и чья фреска Исайи в Сант-Агостино близко подражает пророкам старшего учителя. Другие художники, такие как Понтормо, опирались на извивающиеся формы Страшного суда и фрески Капеллы Паолина.

Потолок Сикстинской капеллы был произведением беспрецедентного величия, как по своему исполнению. архитектурные формы, которым подражали многие художники барокко потолочные работы, а также богатство его изобретательности в изучении фигур. Вазари писал:

Эта работа оказалась настоящим маяком для нашего искусства, неоценимой пользой для всех художников, возвращая свет в мир, который на протяжении столетий был погружен во тьму. Действительно, художникам больше не нужно искать новые изобретения, новые взгляды, одетые фигуры, свежие способы выражения, различные аранжировки или возвышенные предметы, поскольку эта работа содержит все возможные совершенства под этими заголовками.

См. Также

• Микеланджело и Медичи
• Феномен Микеланджело
• Никодемит
• Итальянская живопись эпохи Возрождения
• Реставрация фресок Сикстинской капеллы
• Агония и Экстази
• Титан: История Микеланджело (документальный фильм 1950 года)

Сноски

Ссылки

Источники

Дополнительная литература

Внешние ссылки

• Микеланджело в Британской энциклопедии
• Цифровой проект Микеланджело
• Работы Микеланджело в Проект Гутенберга
• Работы Микеланджело или о нем в Интернет-архиве
• Работы Микеланджело в LibriVox (аудиокниги, являющиеся общественным достоянием)
• Микеланджело в Проекте математической генеалогии
• The BP Специальная выставка Рисунки Микеланджело — ближе к мастеру
• Рисунки Микеланджело: настоящие или фальшивые? Как определить, принадлежит ли рисунок Микеланджело.
• «Микеланджело: Человек и миф»

Русский[править]

Морфологические и синтаксические свойства[править]

падеж	ед. ч.	мн. ч.
Им.	Микела́нджело	Микела́нджело
Р.	Микела́нджело	Микела́нджело
Д.	Микела́нджело	Микела́нджело
В.	Микела́нджело	Микела́нджело
Тв.	Микела́нджело	Микела́нджело
Пр.	Микела́нджело	Микела́нджело

Микела́нджело

Существительное, одушевлённое, мужской род, несклоняемое (тип склонения 0 по классификации А. А. Зализняка).

Корень: -Микеланджело-.

Произношение[править]

• МФА: [mʲɪkʲɪˈɫand͡ʐʐɨɫə]

Семантические свойства[править]

Значение[править]

1. итальянское мужское имя ◆ Отсутствует пример употребления (см. рекомендации).

Синонимы[править]

Антонимы[править]

Гиперонимы[править]

Гипонимы[править]

Родственные слова[править]

Ближайшее родство

Этимология[править]

От ??

Фразеологизмы и устойчивые сочетания[править]

Перевод[править]

Список переводов

Библиография[править]

• Зализняк А. А. Микеланджело // Грамматический словарь русского языка. — Изд. 5-е, испр. — М. : АСТ Пресс, 2008.

Для улучшения этой статьи желательно: Добавить пример словоупотребления для значения с помощью {{пример}} Добавить синонимы в секцию «Семантические свойства» Добавить гиперонимы в секцию «Семантические свойства» Добавить сведения об этимологии в секцию «Этимология» Добавить хотя бы один перевод в секцию «Перевод»